Cet article a été publié pour la première fois dans The Sound Advocate, une publication HiFi qui propose "des analyses et des commentaires sur les composants audio pour l'auditeur averti".

Jade Bird

Alors que le rock continue d'évoluer dans l'ère moderne, le moment critique pour les nouveaux venus tend à arriver lorsqu'ils sortent un album qui présente leur point de vue unique sur le genre emblématique. Jade Bird fait partie de ces nouveaux contributeurs, avec son dernier album Different Kinds of Light, et Greta Van Fleet avec The Battle at Garden’s Gate. Chacun de ces albums, qui sont des efforts de deuxième cycle pour les deux artistes, leur permet de faire un pas en avant vers leurs interprétations originales de la musique rock.

Jade Bird a présenté sa marque de pop-américaine sur son premier album éponyme, qui mettait en valeur sa voix puissante et brute et sa capacité à écrire des chansons introspectives. L'album combine ses influences avec celles d'artistes qui n'ont pas peur d'aborder le terrain, comme Alanis Morissette, Joni Mitchell et Janis Joplin. L'album a été bien accueilli dès le départ et lui a donné la liberté d'explorer tous les genres qu'elle souhaitait pour son deuxième album.

Different Kinds of Light s'ouvre sur "Dkol", une brève introduction psychédélique où la chanson s'estompe avant de passer à la vitesse supérieure avec “Open Up the Heavens”, un morceau percutant avec une ligne de guitare puissante. La batterie est juste assez saturée pour donner du punch, et la voix unique de Jade prépare le terrain pour le reste de l'album dès le début. Jusqu'à présent, les influences pop prédominantes de son premier album semblent avoir été remplacées par un côté beaucoup plus rock, ce qui la sert bien.

 “Different Kinds of Light” est la pièce maîtresse de l'album, mais aussi la plus intime. Presque chuchotée par moments, la voix de Jade est franche, claire et rêveuse. Chaque instrument semble vulnérable et défini. Le "break" au milieu de la chanson est obsédant et expansif, et le piano qui intervient à chaque refrain est fantomatique et efficacement dissonant.

"Trick Mirror" accélère à nouveau le rythme avec une ligne de basse qui porte les couplets. Sa voix est légèrement défigurée par endroits, tranchant avec les claviers éthérés et les guitares teintées des années 80. Le tout est accompagné de la chanson suivante, "I'm Getting Lost", qui bénéficie d'un traitement similaire. Elle s'inscrit dans la veine de Tom Petty pour les couplets, et comporte des paroles de mise en garde : "Ne sortez pas trop loin tout seul la nuit".

Le glissando vocal unique de Jade entre les notes est en pleine force sur "Houdini", alors qu'elle se lamente sur la fin d'une relation avec une résignation endeuillée. Cette chanson et la suivante, "1994", donnent toutes deux l'impression qu'elles auraient pu être jouées cette année-là. Cette dernière comporte une guitare distordue avec un feedback qui va et vient dans le pont et remplit le morceau d'une attitude grinçante.

"Now is the Time" introduit plusieurs éléments percussifs tels qu'un shaker et des tambours bongo. La chanson est un appel joyeux à l'optimisme face à un potentiel non réalisé ; un sentiment parfaitement placé au sein d'un album quelque peu cynique.

La voix saturée de Jade continue de briller lorsque nous atteignons "Candidate", qui fonce avec une basse fuzz et plusieurs guitares électriques accompagnant les guitares acoustiques stéréo qui reviennent. Le morceau "Red White and Blue", très dépouillé, se compose uniquement d'une guitare acoustique, d'une basse et du chant. Il est intéressant de noter qu'une guitare mono et le chant sonnent comme s'ils avaient été enregistrés ensemble avec un seul microphone, ce qui confère à ce morceau un caractère authentique et intime. Commençant doucement avant de se transformer en l'un des meilleurs refrains de l'album, "Rely upon On" reste essentiellement acoustique, à l'exception d'un morceau de guitare électrique à la sauce R.E.M.

Sur "Prototype", un harmonica et des claquements de mains font leur première apparition sur l'album, ramenant l'aspect folk-rock charmant et entraînant. Jade a gardé l'une de ses meilleures performances vocales pour la fin sur "Headstart", où elle émet des sons rauques dans le refrain, entourée de guitares distordues. La chanson clôture un album qui s'est avéré être un pas dans la bonne direction pour Jade Bird, qui a montré qu'elle avait ce qu'il fallait pour élargir ses horizons tout en produisant un album mature et pleinement réalisé.

Greta Van Fleet

Greta Van Fleet, l'un des groupes de rock les plus polarisants de l'époque actuelle, s'est fait connaître en 2017 avec le double EP primé aux Grammy Awards From the Fires. Avec un son qui évoque fortement les icônes du rock classique qui les ont précédés, Led Zeppelin en particulier, ils ont immédiatement déchiré le public sur la question de savoir s'ils étaient les sauveurs du rock ou s'ils ne faisaient que copier les grands. Leur premier album complet Anthem of the Peaceful Army a maintenu ce statut de contraste entre les fans et les critiques, et ce n'est qu'à partir de leur deuxième album que le groupe a commencé à trouver son son.

The Battle at Garden’s Gate s'ouvre sur le gonflement d'un orgue Hammond sur "Heat Above". La batterie gronde avant de laisser place à un ensemble de cordes, de guitares superposées et d'orgue. La voix du chanteur Josh Kiszka s'élève au-dessus d'une guitare acoustique dans les couplets, et il est clair dès le départ que le groupe a élargi ses horizons non seulement sur le plan musical, mais aussi sur le plan sonore.

La chaleur d'avoir enregistré l'album sur bande magnétique transparaît lorsqu'ils se lancent dans les refrains. Sur "My Way, Soon", un rocker prêt à être joué, le groupe célèbre la liberté d'être un groupe de tournée avec des paroles d'un simplisme presque comique. L'abandon insouciant de ce morceau sert de pont entre l'époque de leur groupe de garage et leur popularité grandissante.

"Broken Bells" est une chanson merveilleusement dynamique, qui part de couplets retenus et délicats pour aboutir à un refrain puissant qui remplit l'espace sonore de toms, d'un quatuor de cordes et d'une réverbération luxuriante. Le guitariste Jake Kiszka joue l'un des meilleurs solos de l'album, faisant un usage intensif de la pédale wah pour le point culminant de la chanson.

Le morceau suivant, "Age of Machine", commence tranquillement avec un riff classique. Alors que la guitare et la batterie émergent de la réverbération, le groupe s'installe dans un groove mortel tout en réfléchissant à l'attachement de l'homme à la technologie. Bien qu'un peu noyée dans le mixage, la voix de Josh est l'une des plus dynamiques de l'album. Le point culminant est le solo mordant de Jake, placé entre deux quasi-chorus qui parlent du besoin humain de guérison.

Ce thème se retrouve dans la deuxième chanson, "Tears of Rain". La chanson s'ouvre sur une guitare acoustique magnifiquement enregistrée, où l'on peut entendre toutes les nuances du jeu de Jake. S'élevant et s'abaissant à la manière d'un opéra, la voix de Josh atteint ses limites dans la coda d'inspiration soul, demandant "Who will bring the rain ? Le tonnerre gronde et la plénitude du piano à queue résonne.

“Stardust Chords” est une chanson qui commence de manière spectaculaire avec une série d'accords et des tambours qui sonnent à la fois occidentaux et d'un autre monde. Le riff central parcourt le morceau le plus prog-rock de l'album, qui contient des images de guerre dans les paroles et certaines des acrobaties vocales les plus impressionnantes de Josh. À son apogée, la chanson remplie l'espace en tout point du champ stéréo : voix de fond et effets panoramiques en avant et en arrière, cordes, guitares superposées autour d'un solo, orgue, avec basse et batterie en dessous.

La véritable ballade de l'album, "Light My Love", s'ouvre sur une joyeuse ligne de piano en 3/4 temps. La déclaration d'amour de Josh est rafraîchissante, universelle plutôt que singulière, chantant "A grand revolution outlined, hate bound by fear will unwind" (une grande révolution esquissée, la haine liée à la peur va se défaire).

Les deux titres "Caravel" et "The Barbarians" ont été enregistrés pendant la pandémie, un peu plus tard que le reste de l'album. Le premier met en avant les meilleurs sons de batterie de l'album, avec un remplissage qui introduit parfaitement le poids du morceau. Il y a plusieurs riffs de guitare dans différentes sections, tous aussi lourds les uns que les autres et presque influencés par le grunge. Le dernier morceau explore certaines des expérimentations les plus uniques du groupe jusqu'à présent, s'ouvrant sur une ligne de mellotron menaçante et une mélodie de guitare à la Hendrix. Dans ce cas, le chant est probablement le meilleur de l'album, et la pause instrumentale avant le refrain final montre que tout le groupe est au maximum de ses capacités.

Le dernier morceau de l'album, "The Weight of Dreams", est une excursion de près de 9 minutes. Jake est incontestablement à l'honneur ici, jouant plusieurs couches de mélodies à la guitare et un solo qui s'étend sur presque toute la seconde moitié de la chanson. Alors que la chanson atteint son apogée, le solo de Jake commence à passer de l'extrême gauche à l'extrême droite et vice-versa à chaque phrase, créant un effet presque vertigineux avant de céder la place à une ligne de guitare acoustique qui clôt l'album. C'est une fin ambitieuse pour un album expansif et dynamique qui a relevé la barre de ce que Greta Van Fleet est capable de faire. Les deux albums sont vivement recommandés !

Pour en savoir plus, consultez le site The Sound Advocate, une publication HiFi qui propose « des analyses et des commentaires sur les composants audio pour l'auditeur averti ».