
Cet article a été publié pour la première fois dans The Sound Advocate, une publication HiFi qui propose « des analyses et des commentaires sur les composants audio pour l'auditeur averti. »
Jade Bird
Alors que le rock continue d’évoluer dans l’ère moderne, le moment critique pour les nouveaux venus se produit généralement lorsqu’ils sortent un album qui reflète leur vision unique de ce genre emblématique. Parmi les derniers contributeurs figurent Jade Bird, avec son plus récent album Different Kinds of Light, et Greta Van Fleet, avec The Battle at Garden’s Gate. Chacun de ces albums, qui représentent un deuxième opus pour ces artistes, marque un pas décisif vers leurs interprétations originales de la musique rock.
Jade Bird a présenté sa marque de pop-américaine sur son premier album éponyme, qui mettait en valeur sa voix puissante et brute et sa capacité à écrire des chansons introspectives. L'album combine ses influences avec celles d'artistes qui n'ont pas peur d'aborder le terrain, comme Alanis Morissette, Joni Mitchell et Janis Joplin. L'album a été bien accueilli dès le départ et lui a donné la liberté d'explorer tous les genres qu'elle souhaitait pour son deuxième album.
Different Kinds of Light s’ouvre sur « Dkol », une brève introduction psychédélique où la chanson s’estompe avant de passer à la vitesse supérieure avec « Open Up the Heavens », un morceau percutant porté par une ligne de guitare puissante. La batterie, juste assez saturée, apporte un punch supplémentaire, tandis que la voix unique de Jade pose les bases pour le reste de l’album dès les premières notes. Les influences pop dominantes de son premier album semblent ici avoir laissé place à une esthétique beaucoup plus orientée rock, ce qui lui réussit particulièrement bien.
« Different Kinds of Light » est la pièce maîtresse de l’album, mais aussi la plus intime. Presque chuchotée par moments, la voix de Jade est à la fois franche, claire et rêveuse. Chaque instrument semble vulnérable et parfaitement défini. Le break au milieu de la chanson est d’une ampleur obsédante, et le piano qui surgit à chaque refrain a une qualité fantomatique et une dissonance saisissante.
« Trick Mirror » accélère à nouveau le rythme avec une ligne de basse qui porte les couplets. La voix de Jade est légèrement altérée par endroits, contrastant avec les claviers éthérés et les guitares aux accents des années 80. Le tout forme un duo avec la chanson suivante, « I’m Getting Lost », qui reçoit un traitement similaire. Ce morceau, dans la lignée de Tom Petty pour ses couplets, comporte des paroles de mise en garde : « Ne sortez pas trop loin tout seul la nuit ».
Le glissando vocal unique de Jade, caractéristique de son style, est pleinement exploité sur « Houdini », où elle déplore la fin d’une relation avec une résignation empreinte de tristesse. Cette chanson, ainsi que la suivante, « 1994 », semblent tout droit sorties de cette année-là. Cette dernière inclut une guitare distordue avec des effets de feedback qui balayent l’espace sonore dans le pont, insufflant au morceau une attitude brute et mordante.
« Now is the Time » introduit plusieurs éléments percussifs, tels qu’un shaker et des tambours bongo. Ce morceau joyeux est une invitation à l’optimisme face à un potentiel encore inexploité ; une émotion parfaitement intégrée dans un album légèrement teinté de cynisme.
La voix saturée de Jade continue de briller sur « Candidate », un morceau dynamique porté par une basse fuzz et plusieurs guitares électriques, accompagnant le retour des guitares acoustiques stéréo. Le dépouillé « Red White and Blue » se compose uniquement d’une guitare acoustique, d’une basse et du chant. Fait intéressant, une guitare mono et les voix semblent avoir été enregistrées ensemble avec un seul microphone, conférant au morceau une authenticité et une intimité remarquables. « Rely upon On » démarre doucement avant de livrer l’un des meilleurs refrains de l’album. Majoritairement acoustique, la chanson est ponctuée d’un riff de guitare électrique aux accents R.E.M.
Avec « Prototype », un harmonica et des claquements de mains font leur première apparition sur l’album, ramenant un aspect folk-rock charmant et entraînant. Jade réserve l’une de ses meilleures performances vocales pour la fin avec « Headstart », où elle livre des accents rauques dans le refrain, entourée de guitares distordues. Cette chanson conclut un album qui marque un pas décisif dans la bonne direction pour Jade Bird, démontrant qu’elle possède le talent nécessaire pour élargir ses horizons tout en créant un album mature et pleinement abouti.
Greta Van Fleet

Greta Van Fleet, l’un des groupes de rock les plus polarisants de l’époque actuelle, s’est fait connaître en 2017 grâce à leur double EP From the Fires, primé aux Grammy Awards. Avec un son évoquant fortement les icônes du rock classique qui les ont précédés, et Led Zeppelin en particulier, ils ont immédiatement divisé le public : étaient-ils les sauveurs du rock ou simplement des imitateurs des grands noms ? Leur premier album complet, Anthem of the Peaceful Army, a perpétué ce contraste entre fans et critiques. Ce n’est qu’avec leur deuxième album que le groupe a véritablement commencé à trouver son identité sonore.
The Battle at Garden’s Gate s’ouvre sur les sonorités montantes d’un orgue Hammond dans « Heat Above ». La batterie gronde avant de céder la place à un arrangement de cordes, de guitares superposées et d’orgue. La voix du chanteur Josh Kiszka plane au-dessus d’une guitare acoustique dans les couplets, et il apparaît dès le début que le groupe a élargi ses horizons, tant sur le plan musical que sonore.
La chaleur d’un enregistrement sur bande magnétique imprègne les refrains dès qu’ils éclatent. Sur « My Way, Soon », un morceau rock taillé pour la scène, le groupe célèbre la liberté de la vie en tournée avec des paroles d’une simplicité presque comique. L’abandon insouciant de ce titre fait le lien entre leurs débuts en tant que groupe de garage et leur popularité croissante.
« Broken Bells » est une chanson merveilleusement dynamique, qui démarre par des couplets retenus et délicats avant de se transformer en un refrain puissant, emplissant l’espace sonore de toms martelants, d’un quatuor à cordes et d’une réverbération luxuriante. Le guitariste Jake Kiszka livre l’un des meilleurs solos de l’album, exploitant intensément une pédale wah pour atteindre le climax du morceau.
Le titre suivant, « Age of Machine », débute calmement avec un riff classique. À mesure que la guitare et la batterie émergent de la réverbération, le groupe s’installe dans un groove captivant, explorant l’attachement de l’homme à la technologie. Bien que légèrement noyée dans le mix, la voix de Josh offre l’une de ses performances les plus intenses sur l’album. Le moment fort réside dans le solo mordant de Jake, placé entre deux quasi-chorus qui évoquent le besoin humain de guérison.
Ce thème se poursuit avec une autre chanson, « Tears of Rain ». Elle s’ouvre sur une guitare acoustique magnifiquement enregistrée, permettant d’entendre toutes les nuances du jeu de Jake. S’élevant et retombant à la manière d’un opéra, la voix de Josh atteint ses limites dans une coda inspirée de la soul, où il demande : « Who will bring the rain? ». Le tonnerre gronde, tandis que la plénitude d’un piano à queue résonne avec éclat.
« Stardust Chords » est une chanson qui commence de manière spectaculaire avec une série d’accords et des tambours évoquant à la fois l’Ouest et un univers fantastique. Le riff central traverse ce morceau, le plus marqué par des influences prog-rock sur l’album, et met en scène des images de guerre dans les paroles ainsi que certaines des acrobaties vocales les plus impressionnantes de Josh. À son apogée, la chanson exploite pleinement le champ stéréo : des voix de fond et des effets panoramiques qui oscillent, des cordes, des guitares superposées autour d’un solo, un orgue, le tout soutenu par une basse et une batterie puissantes.
La véritable ballade de l’album, « Light My Love », s’ouvre sur une joyeuse ligne de piano en 3/4 temps. La déclaration d’amour de Josh est rafraîchissante, universelle plutôt que singulière, chantant : « A grand revolution outlined, hate bound by fear will unwind » (une grande révolution esquissée, la haine liée à la peur va se défaire).
Les deux morceaux, « Caravel » et « The Barbarians », ont été enregistrés pendant la pandémie, un peu plus tard que le reste de l’album. Le premier met en avant les meilleurs sons de batterie de l’album, éclatant avec un fill qui introduit parfaitement le poids du morceau. Plusieurs riffs de guitare s’y succèdent dans différentes sections, tous aussi lourds et presque empreints d’une influence grunge. Le second explore certaines des expérimentations les plus audacieuses du groupe à ce jour, débutant par une ligne de mellotron menaçante et une mélodie de guitare dans le style de Hendrix. Ici, les performances vocales de Josh sont peut-être les meilleures de l’album, tandis que le break instrumental avant le refrain final met en lumière le groupe à son apogée.
Le dernier morceau de l’album, « The Weight of Dreams », est une véritable excursion de près de 9 minutes. Jake est indéniablement à l’honneur ici, superposant plusieurs couches de mélodies à la guitare et livrant un solo qui s’étend sur presque toute la seconde moitié de la chanson. Alors que le morceau atteint son apogée, le solo de Jake se met à balancer de l’extrême gauche à l’extrême droite du champ stéréo à chaque phrase, créant un effet presque vertigineux avant de céder la place à une ligne de guitare acoustique qui clôt l’album avec finesse. C’est une conclusion ambitieuse pour un album expansif et dynamique, qui a élevé les attentes envers Greta Van Fleet. Les deux albums sont chaudement recommandés !
Pour en savoir plus, consultez le site The Sound Advocate, une publication HiFi qui propose « des analyses et des commentaires sur les composants audio pour l'auditeur averti ».
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