Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio.

Il y a de nombreuses années, alors que je n'avais que 19 ans, j'ai commencé à prendre des cours de guitare avec un grand ami à moi, à qui je suis éternellement reconnaissant pour son influence et sa contribution à la joie que j'ai pu tirer de l'écoute de la musique, ainsi que de mes humbles tentatives de jouer. Je me souviens lui avoir demandé un jour ce qu'il aimait le plus dans un morceau particulier. Comme vous pouvez l'imaginer, en tant que guitariste et professeur de guitare, il m'a répondu qu'il aimait beaucoup les parties de guitare, les parties rythmiques et les solos.

Ce qui était peut-être plus intéressant et moins évident, c'est ce qu'il m'a également dit : il n'a jamais vraiment écouté les paroles et les parties de clavier. Au départ, j'ai pensé que c'était tout à fait logique, car je me suis rendu compte que la guitare était son principal centre d'intérêt. Pour pouvoir enseigner les parties que lui et ses élèves souhaitaient apprendre, les aspects les plus significatifs de la musique, pour lui, recevraient alors la plus grande attention et le reste serait atténué par le cerveau, consciemment et probablement aussi inconsciemment après avoir enseigné pendant tant d'années.

D'une certaine manière, j'ai trouvé cela à la fois magistralement brillant, mais aussi un peu dommage. D'une part, il s'agissait d'une compétence enviable qui pouvait vous aider à percer un morceau de musique et à le décortiquer - un état d'esprit déconstructeur qui pouvait littéralement vous aider à entendre la musique. J'étais et je reste en fait très impressionné par cette capacité, sans parler de la vitesse à laquelle il pouvait repérer les parties de guitare dans un enregistrement.

D'une certaine manière, c'était aussi une perte, car la beauté de certaines paroles significatives pouvait se perdre dans l'éther. Certains musiciens composent leur chanson en commençant par la ligne de basse (Sheryl Crow et Sting, par exemple), d'autres à partir d'une mélodie accrocheuse ou d'une partie rythmique qu'ils ont élaborée, ou même peut-être en partant d'une idée de solo sympa et en travaillant à partir de là. Cependant, pour la plupart des auteurs-compositeurs, les paroles véhiculent une histoire et un ensemble d'émotions qui, pour certains auditeurs, définissent le véritable sens de la chanson.

En ce qui me concerne, j'aime vraiment la musique instrumentale pour sa liberté par rapport à toute signification prédéfinie et prescriptive. J'aime les endroits où la musique sans paroles peut vous emmener dans votre propre imagination. Peut-être que les paroles peuvent en fait rendre une chanson plus banale. Le potentiel d'une forme abstraite et personnalisée comme la musique instrumentale déclenche chez moi un processus d'interpolation qui est libérateur et créatif. Je suis souvent en admiration devant les musiciens qui peuvent vous emmener avec eux dans ces voyages projetés, car ils ont maîtrisé la capacité de raconter une histoire sans mots. La possibilité d'ajouter ses propres couleurs à la visualisation d'un morceau de musique est d'une certaine manière très sympathique, car notre cerveau aime interpoler de manière créative et s'étendre vers l'extérieur, se développer. D'autre part, lorsque les paroles d'une chanson se combinent pour s'accorder, cela aussi peut être très spécial.

Il ne s'agit pas de dire que les paroles empêchent votre imagination de travailler, mais plutôt de faire remarquer que notre façon d'écouter est peut-être le plus souvent soumise à un processus qui est par nature sélectif. Après tout, nous aimons entendre ce que nous préférons entendre. Qu'il s'agisse de félicitations ou d'éloges sincères pour un bon travail, ou encore de jouer notre musique préférée, nous développons des préférences pour ces choses. Un célèbre guitariste basse m'a dit un jour que nous jouons le plus souvent 20 % de notre collection musicale environ 80 % du temps. Encore une fois, nous sommes donc sélectifs dès le départ.

Il n'est donc pas étonnant qu'il soit difficile de percer dans l'industrie musicale en tant que nouvel artiste. D'après ces chiffres, nous préférons écouter ce que nous connaissons et aimons déjà. Le déclenchement de la familiarité avec le biais de sélection est un autre processus de renforcement qui consolide nos liens émotionnels durables.

Le problème d'être aussi sélectif, c'est que nous risquons de passer à côté d'autres choses. C'est en partie ce que dit Steven Wilson dans son morceau essentiellement instrumental Regret#9 de l'album Hand. Cannot. Erase lorsque l'on discute du succès de sa carrière d'ingénieur et de producteur au détriment d'autres choses dans la vie. Regardez le solo émouvant de Guthrie Govan à 6:21 :

Nous pouvons choisir la manière dont nous écoutons un morceau de musique, activement et passivement à la fois, à des degrés divers. Nous pouvons être techniquement analytiques et peut-être plus désengagés émotionnellement, ou nous pouvons être émotionnellement ouverts et ignorer les aspects techniques d'une chanson ou d'un morceau de musique, ou bien encore faire l'expérience d'un mélange entre les deux. Je constate souvent que la première fois que j'écoute un nouveau morceau de musique ou que je regarde un film, il me semble plus long que les écoutes subséquentes, car je suis à la fois moins analytique et plus familier lors de la deuxième écoute ou du deuxième visionnage. Pour moi, laisser tomber la technicité et apprécier passivement le flot de la musique est vraiment une chose sublime. C'est comme admirer un magnifique coucher de soleil sans avoir à s'installer, à analyser les conditions de lumière et à le photographier. Ce plaisir peut être facilement perdu si l'on est trop critique. Ce qui est bien, c'est que nous pouvons nous concentrer là où nous le souhaitons, même si c'est peut-être au détriment d'autre chose.

Ce n'est peut-être pas tant que moins c'est plus, mais plutôt que la façon dont nous nous concentrons peut nous permettre d'apprécier davantage ce que nous écoutons. Une rationalisation de notre écoute. Prenons l'exemple des musiciens aveugles Stevie Wonder et Ray Charles. Ou d'Evelyn Glennie, qui est sourde. Considérez ensuite les limites de Django Reinhardt, qui jouait tous ses solos de guitare avec l'index et le majeur de sa main gauche et n'utilisait ses deux doigts blessés que pour jouer des accords.

L'exemple d'Evelyn est l'un de ceux que je souhaite mettre en lumière. Pourquoi ? Parce qu'elle écoute la musique avec tout son corps et non avec ses oreilles. Je ne suggère pas que chacun d'entre nous puisse atteindre ses capacités en enlevant simplement ses chaussures et en ressentant les vibrations dans ses pieds (mais avez-vous essayé ?), mais pouvons-nous élargir les façons dont nous apprécions la musique ? Il est certain que ceux d'entre nous dont les capacités auditives varient peuvent essayer d'exploiter cette idée holistique de l'expérience musicale. "Écoutez avec tous vos os, et pas seulement avec le marteau, l'enclume et l'étrier de l'oreille. Après tout, il est beaucoup plus facile d'entendre que d'être un véritable auditeur. Sentez la dynamique de la pression acoustique sur votre peau. Éliminez toutes les distractions et écoutez peut-être avec un esprit plus ouvert à des genres différents.

Voici l'excellent exposé du média américain TED d'Evelyn, intitulé "How to Truly Listen" :

Vous n'obtiendrez jamais une expérience de battement de pantalon ou un coup de poing viscéral avec un casque d'écoute. En revanche, ils ont leur place pour offrir une expérience privée cérébrale et émotionnelle. Ils peuvent nourrir votre esprit et votre âme, mais n'entreront jamais - littéralement - en résonance avec votre corps comme le ferait, par exemple, l'écoute d'un groupe de musique en direct, en partageant l'expérience des membres du groupe qui travaillent si dur pour se produire devant un public.

Même sans une comparaison aussi extrême, remarquez dans la vidéo ci-dessous l'effet observable de la musique sur l'eau. Imaginez la réaction de votre corps lorsque vous écoutez une chaîne stéréo bien réglée.

Expérience étonnante de l'eau et du son #2 :

Une expérience de résonance étonnante !

Nous devrions faire tout ce qui est en notre pouvoir pour approfondir notre appréciation de la musique, et nous pouvons y parvenir en changeant consciemment d'objectif et en prenant davantage conscience de l'impact de la musique sur notre corps. Cela peut nous apporter une plus grande satisfaction et nous permettre de développer continuellement nos compétences en tant qu'auditeurs avertis.

Image d'en-tête : Evelyn Glennie, avec l'aimable autorisation d'Andy McCreeth.

Cet article a été publié pour la première fois dans numéro 192 de Copper Magazine.