Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio, avec lequel nous entretenons un programme d'échange de contenu.

Bonne année à tous ! Au menu, quelques sorties récentes, avec une pincée de déceptions. Après tout, tous nos achats musicaux (vinyle ou autre) ne peuvent pas être parfaits !

Donald Harrison : Indian Blues
Candid Records

Bien que je n'aie pas l'habitude de désigner un album de l'année, celui-ci se classe assurément parmi les cinq premiers de 2024 ! C'est l'un de ces albums que j'ai pris un immense plaisir à écouter, en plus d'apprécier les performances de tous les musiciens impliqués ainsi que le son fantastique de cet enregistrement.

En fouillant sur Qobuz à la recherche d'albums de Dr. John, je suis tombé sur un disque intitulé New Orleans Gumbo, qui réunit le Docteur et le saxophoniste de jazz de la Nouvelle-Orléans Donald Harrison, enregistré en live. Cet album, Indian Blues, est un enregistrement studio de Donald Harrison datant de 1992, dans lequel Dr. John intervient sur certains morceaux (au piano et au chant). Indian Blues fait référence aux tribus afro-centriques des Indiens du Mardi Gras de la Nouvelle-Orléans, dont les origines et les activités demeurent assez mystérieuses pour la plupart des gens. Harrison est un ancien Grand Chef de la tribu des Guardians of the Flame, une tribu composée du père de Harrison (Donald Harrison Sr., fondateur et premier Grand Chef de la tribu), de leur famille élargie et de leurs amis.

Pour en savoir plus sur les Guardians of the Flame et la tradition des Indiens du Mardi Gras, cet excellent article de l’Université Tulane constitue un excellent point de départ. La musique et les musiciens de cet album ont également joué un rôle central dans un scénario de la série HBO Treme.

L’album reflète la richesse de l’histoire et de la culture musicale du Mardi Gras et du jazz de la Nouvelle-Orléans, et c’est un véritable plaisir à écouter. Les chants de la tribu sont empreints de joie et terriblement contagieux, tandis que Harrison et son groupe sont impeccables, avec Dr. John qui vient couronner le tout comme une cerise sur le gâteau. Cette réédition en vinyle, sortie en septembre 2024, offre une qualité sonore remarquable. (La version numérique est également d’excellente facture.)

La musique, quant à elle, est un jazz moderne de la Nouvelle-Orléans centré sur l’alto de Harrison, qui se montre aussi brillant dans un classique comme « Caravan » que dans des morceaux issus de la tradition indienne du Mardi Gras, tels que « Hiko, Hiko », « Indian Red » et l’éblouissante ouverture de l’album, « Hu-Ta-Nay ». Cette dernière débute par un appel et une réponse traditionnels avant que le piano de Dr. John, avec son inimitable style stride, n’annonce le début de la musique. Un régal absolu… et tellement addictif !

Isao Tomita : Snowflakes are Dancing
Music on Vinyl

Quelle déception ! J’avais ce disque à l’époque de sa sortie. Ma grand-mère, grande amatrice de musique classique, l’avait découvert sur une station de radio classique locale et s’était empressée de s’en acheter un exemplaire. Dès que je l’ai écouté, j’ai voulu en avoir un pour moi. Je l’ai tellement écouté que je l’avais appris par cœur : la musique, les arrangements et surtout le mixage. À cet âge, je n’avais pas le meilleur équipement pour écouter des disques, donc mon exemplaire a pas mal souffert. Tomita avait enregistré cet album en utilisant le synthétiseur Moog, ainsi que d’autres claviers comme le Mellotron. À l’époque, c’était un mélange ingénieux de sons, et sa réinterprétation des œuvres pour piano de Debussy était à la fois originale et unique.

J’attendais avec impatience un nouvel exemplaire de ce disque, sur un pressage silencieux typique de Music on Vinyl. Mais après à peine une minute d’écoute, j’ai compris que quelque chose clochait. Le mixage était complètement déséquilibré, et le son avait un côté un peu « phasé ». J’ai l’impression que MoV a reçu, ou demandé, le mauvais master pour graver ce disque. Au fil des ans, plusieurs mixages ont vu le jour, y compris un mixage quadriphonique et une version Dolby Surround. Peu importe celui-ci, il est complètement raté. À certains moments, des parties entières semblent noyées dans le mixage. Ce n’est pas bon du tout.

En résumé ? Pour moi, c’est inécoutable. Mieux vaut chercher une version originale chez RCA ou la première réédition en CD, car ce sont les versions correctes.

Lonnie Smith : Drives
Blue Note Classic Vinyl Series

Lonnie Smith : Finger Lickin’ Good
Music on Vinyl

Je collectionne les albums de Lonnie Smith depuis quelques années, et ces deux rééditions constituent un ajout précieux à ma collection.

Lonnie Smith avait fait partie du premier groupe du guitariste George Benson, qui avait enregistré deux albums pour Columbia (It’s Uptown! et The George Benson Cookbook). Le premier enregistrement de Smith sous son propre nom, Finger Lickin’ Good, avait été réalisé avec pratiquement le même groupe, Benson à la guitare inclus. Ici, pas de morceaux étendus : on a 11 chansons d’environ trois minutes chacune, mais ce sont de véritables petits bijoux. Chaque morceau laisse à chaque soliste huit ou seize mesures pour s’exprimer, et l’ensemble groove à merveille. Un album vraiment plaisant ! Et le pressage de Music on Vinyl (sur un vinyle de couleur fumée) bénéficie des surfaces silencieuses habituelles de la marque. Aurais-je préféré un pressage original ? Bien sûr. Mais comme pour tout ce qui est recherché en vinyle, les prix d’une copie en bon état les rendent presque inaccessibles aujourd’hui.

Drives est la dernière réédition de la petite collection d’albums Blue Note de Lonnie Smith. Est-il indispensable ? Non. Mais c’est sans aucun doute mon préféré parmi ses disques chez Blue Note, et peut-être le plus funky du lot. Il évoque le son de son premier album, Finger Lickin’ Good, avec ses lignes de cuivres portées par le saxophoniste baryton Ronnie Cuber et ses grooves soul jazz entraînants. La première face, en particulier, est excellente du début à la fin. Elle démarre avec l’arrangement start/stop de « Twenty Five Miles » d’Edwin Starr, se poursuit avec une reprise de « Spinning Wheel » qui inclut un petit jam d’une minute – que j’aurais aimé voir se prolonger de quelques minutes de plus – et s’achève avec une version décoiffante de « Seven Steps to Heaven », qui passe d’un rythme bop rapide et endiablé à une démarche hard strut pour conclure le morceau. Un album remarquable, plein de surprises, avec Smith au sommet de sa forme. Le son est excellent comme toujours, grâce au travail de Kevin Gray, bien qu’un étrange problème de « popping » avec la grosse caisse donne parfois l’impression que la cellule phono déraille. Ce n’est pas le cas : ce défaut est également présent sur les versions numériques.

Ronnie Foster : Two Headed Freap
Blue Note Classic Vinyl Series

Ronnie Foster : Reboot
Blue Note (Nouvelle parution, 2022)

Ronnie Foster est peut-être mieux connu comme claviériste de studio, mais au début des années 1970, il a sorti une poignée d’albums de jazz/funk fusion sur le label Blue Note, et Two Headed Freap est sans doute le meilleur et le plus célèbre d’entre eux, ayant servi de source d’échantillonnage au fil des années. Je me souviens que le premier morceau, « Chunky », passait souvent sur notre station de jazz locale. Le reste de l’album s’inscrit dans un style soul jazz similaire, largement axé sur le groove. Il n’offre peut-être pas une grande profondeur musicale, mais les grooves justifient largement l’écoute, et pour moi, c’est une véritable capsule temporelle de l’époque où notre station de jazz locale diffusait beaucoup de musiques dans ce genre.

Reboot est le tout dernier enregistrement de Foster, qui est retourné chez Blue Note en 2022 après une longue pause dans l’enregistrement sous son propre nom (son dernier album, The Racer, remontait à 1986). Cet album offre une actualisation de son son funky du milieu des années 1970, tout en étant bien plus abouti que ses premiers disques chez Blue Note. Avec des décennies de carrière derrière lui, son jeu, tout comme sa composition, a mûri, rendant cet album particulièrement enrichissant à écouter. Il conserve l’approche basée sur le groove de ses précédents albums, mais cette fois, il y a bien plus de substance – on y trouve de véritables pépites. Sa reprise de « Isn’t She Lovely » de Stevie Wonder adopte des accents gospel, et le reste des morceaux, tous signés Foster, sont tout aussi réussis. Tous ne sont pas centrés sur le groove : des morceaux contemplatifs comme « J’s Dream » et « After Conversation with Nadia » apportent une profondeur supplémentaire à l’ensemble. Son trio inclut son fils Chris Foster et le guitariste Michael O’Neill, et Foster enrichit certains morceaux avec d’autres claviers, comme le piano.

Spécial du mois :

Une déception pour les collectionneurs !

La pop californienne compte de nombreux adeptes, et un album culte dans ce genre est l'éponyme Roger Nichols & The Small Circle of Friends, sorti en 1968. Pendant un certain temps, les acheteurs japonais se disputaient les copies de cet album à des prix élevés. Certains d’entre nous avaient acquis plusieurs versions CD au fil des ans, mais j’ai été ravi de finalement dénicher une copie scellée sur Discogs, que j’ai commandée avant que quelqu’un d’autre ne me la rafle.

Il est arrivé rapidement. Je l’ai posé sur la platine, commencé à l’écouter, et là… oups ! Des sauts ? Des bruits de frottement ? Il s’est avéré que le disque avait ce que j’appelle une « déformation par pincement » sur le bord, là où il avait été exposé à la chaleur et s’était rétracté vers l’intérieur. En examinant le film rétractable de la pochette, j’ai bien remarqué un endroit où il s’était éloigné du dos de la couverture.

J’ai une cellule à faible compliance qui permet de lire le disque, mais autrement, la première piste de chaque côté est illisible sans sauts, et le « swoosh » est audible sur les deux faces. C’est vraiment dommage, car ce disque a une excellente sonorité par ailleurs. (Je crois qu’il s’agit d’un pressage Monarch.)

C'est l'un des rares risques liés à l'achat de disques !

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