_{Les prix sont indiqués en $ US.}

Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio.

En 2023, la maison de disques Rhino a lancé sa série Rhino High Fidelity, dédiée à la publication de rééditions vinyles de haute qualité des albums classiques de Warner Music. Selon Rhino, toutes les laques des albums sont de type AAA (entièrement analogiques) et sont directement gravées à partir des bandes maîtresses stéréo par le célèbre ingénieur du mastering Kevin Gray chez Cohearent Audio. Les pressages en 180 grammes sont réalisés par la société allemande Optimal Media.

L'emballage mérite amplement le qualificatif de luxe, avec des jaquettes pliantes brillantes et épaisses, ainsi que des livrets comprenant des photos des boîtes de bandes maîtresses et des notes sur la découpe des laques à l’extérieur, accompagnés d’interviews et de photos à l’intérieur. J’ai reçu des copies d’évaluation de quatre titres : Jaco Pastorius, The Doobie Brothers, Van Morrison, et Herbie Hancock, et la qualité du vinyle est irréprochable pour chacun. Chaque album est vendu au prix de 39,98 $ exclusivement sur rhino.com, en édition limitée à 5 000 exemplaires.

Jaco Pastorius - Word of Mouth

Bien que, comme beaucoup, j'aie été ébloui par le premier album solo éponyme de Jaco Pastorius en 1975, ainsi que par ses contributions ultérieures avec Weather Report, j'ai, pour une raison ou une autre, manqué son second album solo de 1981, Word of Mouth. Je m'attendais à retrouver le style virtuose et audacieux de basse mis en avant sur son premier disque, et bien qu'il en soit largement question—son jeu sur le morceau d'ouverture « Crisis » frôle le surhumain—cet album s'avère être étonnamment nuancé, musicalement sophistiqué et varié.

Un coup d'œil à la couverture intérieure révèle pourquoi : plus de 40 musiciens sont crédités et c’est un véritable who’s who du jazz/fusion avec des noms comme Don Alias Jack DeJohnette Herbie Hancock Jim Pugh Snooky Young Toots Thielmans Wayne Shorter Tom Scott Michael Brecker et bien d’autres sommités. La musique va de la frénétique « Crisis » à la contemplative « Three Views of a Secret » en passant par une reprise résolument « Jaco » de « Blackbird » des Beatles et bien d’autres nuances entre les deux. « Three Views of a Secret » et « John and Mary » rappellent presque des arrangements de Gil Evans avec une orchestration somptueuse. Le jeu d’ensemble sur « Liberty City » mettant en avant Herbie Hancock est impeccable.

La qualité du son est excellente : très propre, dynamique, avec une gamme de fréquences étendue et une scène sonore bien définie. Les différents instruments – et oh là là, il y en a une multitude, de la basse fretless électrique de Jaco aux cuivres, pianos électriques, multiples percussions, harmonica, voix et bien plus encore – possèdent tous des couleurs timbrales distinctes. La basse de Jaco n’est ni exagérée ni trop en avant, bien que sur le morceau-titre, il se déchaîne littéralement, utilisant des effets comme le fuzz et une sorte de chorus ou d’effet de modulation pour lâcher prise. Les percussions sont nettes mais restent chaleureuses. Pour moi, le milieu et la fin des années 1970 représentent l’âge d’or de l’enregistrement multipiste analogique, et sur Word of Mouth, on comprend pourquoi. Le numérique a-t-il rattrapé ou dépassé l’analogique ? En écoutant cet album, je me pose sérieusement la question.

Van Morrison - His Band and the Street Choir

Je l’admets : Van Morrison a toujours fait partie de ces artistes que je respectais plus que je ne les écoutais, comme U2, Bruce Springsteen ou Ornette Coleman. C’est un peu injuste, peut-être parce qu’en tant que musicien en activité, j’ai fini par me lasser des demandes incessantes pour « Brown Eyed Girl » et de jouer « Moondance » il y a bien longtemps. Aucun de ces morceaux ne figure sur l’album de 1970 His Band and the Street Choir, qui s’ouvre avec l’irrésistible « Domino », une chanson loin d’être surjouée et délicieusement cool.

Je me suis rendu compte que je n'avais jamais écouté cette chanson sur un bon système, et cette réédition est une véritable révélation. Le riff d'ouverture de « Domino » jaillit du canal gauche, les cuivres ont du punch et de la vivacité, et le son général de l'album est chaleureux et fluide. Parmi les autres instruments, on retrouve une guitare acoustique (je ne savais pas que Morrison était un si bon guitariste acoustique avant d'écouter « I'll Be Your Lover Too »), un harmonica, des percussions, un orgue, une mandoline et un piano.

Le groupe est solide, et j’apprécie particulièrement le bassiste, John Klingberg, qui joue avec la combinaison parfaite de groove et de goût, et s’accorde avec le batteur dans un style old-school. Le groupe et le son de l’album sont organiques, avec une touche Americana/R&B/blues qui me rappelle un peu The Band. Bien qu’il ne s’agisse pas d’un enregistrement « audiophile », les instruments ont une bonne présence, comme les guitares acoustiques et la mandoline sur « Virgo Clowns » et l’orgue tout au long de l’album. Le presque-hit « Blue Money » est aussi accrocheur et classique que « Domino ».

L'écoute de His Band and the Street Choir me donne un nouveau respect pour Van Morrison, parce que, bon sang, c'est un chanteur incroyable et émotionnellement puissant, ce qui ressort très clairement de cet album. J'ai regardé les notes de pochette et que sais-je encore : l'album a été enregistré par Elliott Scheiner (avec l'aide de Dixon Van Winkle, Ed Anderson, Mark Harman et Richard Lubash). Dans les notes, Cory Frye interviewe Scheiner, qui résume la situation mieux et avec plus d'autorité que je ne pourrais jamais le faire : « Toutes les voix que nous avons faites étaient principalement des voix en direct. Elles étaient si bonnes, si brillantes. Ce qui sortait de sa bouche avait une telle présence. »

« Le meilleur chanteur noir avec lequel j'ai travaillé est Ray Charles. Le meilleur chanteur blanc était Van Morrison. »

Les Doobie Brothers - The Captain and Me

Les rééditions ont ceci de très agréable qu’elles peuvent vous rappeler des albums que vous n’avez pas écoutés depuis longtemps, voire des décennies, et que vous n’avez peut-être jamais découverts sur un système audio haute-fidélité. C’est le cas de l’album The Captain and Me des Doobie Brothers, sorti en 1973. La dernière fois que j’ai entendu ce disque, c’était à l’université ou peut-être sur la chaîne stéréo très peu performante Masterwork de mes parents. Faire tourner la réédition Rhino, c’était donc comme retrouver un vieil ami. L’album contient les immenses succès « Long Train Runnin' » et « China Grove », ainsi qu’une sélection solide, bien que parfois moins éclatante, de titres comme « Clear as the Driven Snow », « Without You » et la chanson-titre, qui éveilleront en vous une vague de souvenirs chaleureux.

En tout cas, je n’avais jamais entendu The Captain and Me comme ça auparavant. Une fois de plus, la remasterisation est excellente. Personne ne prétendrait que c’est un disque de démonstration audiophile ou le summum en matière de dynamique, mais le son est propre, avec une largeur, une profondeur et une solidité remarquables. Certains moments se démarquent sur le plan sonore, comme la basse de Tiran Porter sur « Long Train Runnin' » et l’acoustique de « Busted Down Around O’Connelly Corners », où l’on perçoit vraiment les doigts pinçant les cordes. Les multiples guitares électriques sont très bien enregistrées, avec une diversité de textures saturées qui font saliver les passionnés comme moi. Les guitares de « China Grove », par exemple, sont plus brutes et rauques que dans les versions radio, rendant le morceau plus « réel », avec ce son d’amplis martelés au-delà de leurs limites. La guitare de Tom Johnston sur « Dark Eyed Cajun Woman » (mon titre préféré des Doobies) est sublime. Je parierais sur une Gibson hollow body branchée sur un ampli Fender Blackface ou Silverface à fond. Et il y a aussi Jeff « Skunk » Baxter à la pedal steel, accompagné de Robert Margouleff et Malcolm Cecil aux synthétiseurs en invités !

C'est un plaisir de retrouver de vieux amis.

Herbie Hancock - Crossings

Cet album de 1971, que je n'avais jamais entendu auparavant, m'a complètement époustouflé, tant par sa musique que par sa qualité sonore. C'est un mélange enivrant de fusion, de free jazz, de musiques du monde, de grooves percussifs et... eh bien, à partir de la deuxième face, il devient tout simplement impossible de le classer. Je vais aller à contre-courant ici, mais pour moi, c'est l'album que Bitches Brew de Miles Davis aurait pu être. J'ai toujours pensé que ce dernier était un demi-effort complaisant : des musiciens s'amusant en studio, assemblés plus tard pour produire quelque chose qui ressemble à un album. Peut-être que Miles se jouait des critiques, ou un peu de tout cela à la fois, bien qu'il contienne évidemment certains moments mémorables.

Crossings est éblouissant dans sa navigation entre les ambiances musicales, les tempos et les textures, passant de la lenteur dépouillée à une complexité profonde. L'album met en vedette Mwandishi Herbie Hancock au piano électrique et acoustique, au mellotron et aux percussions (à l'époque de l'album, les membres du groupe avaient tous adopté des noms swahilis), ainsi que les membres du groupe : Swahile Eddie Henderson (trompette, bugle, percussions), Mwile Benny Maupin (saxophone soprano, flûte alto, clarinette basse, piccolo, percussions), Jabali Billy Hart (batterie, percussions), Pepo Mtoto Julian Priester (trombone basse, ténor et alto, percussions) et Mchejazi Buster Williams (basse électrique et acoustique, percussions). Ils sont rejoints par Patrick Gleeson au synthétiseur Moog, Victor Pontoja aux congas, ainsi que les chanteurs Candy Love, Sandra Stevens, Della Horne, Victoria Domagalski et Scott Beach, qui agissent davantage comme des instruments supplémentaires – il n'y a pas de « chant » conventionnel sur cet album.

Il est vrai que la musique ne plaira pas à tout le monde. Ce n’est pas un Waltz for Debby ou tout autre type de jazz traditionnel. Elle va assez loin, mais ne sonne jamais comme un chahut, un son abrasif ou carrément bruyant, comme peuvent l’être certains morceaux de free jazz. Il y a toujours une base harmonique, un groove, un sens de la structure et, par-dessus tout, un sentiment remarquable d’écoute, de communication et de jeu entre les musiciens. Il n’y a que trois morceaux : « Sleeping Giant » (qui occupe toute la première face), « Quasar » qui sonne vraiment comme une missive d’une galaxie lointaine avec ses synthés de science-fiction et ses cuivres retardés par l’écho – mais où les extraterrestres aiment le jazz – et « Water Torture », qui est musicalement exactement l’opposé de ce que son titre semble impliquer, à moins que vous n’aimiez juste pas ce genre d’exploration musicale. Ce qui est correct. Moi, je trouve ça envoûtant.

Le son est superbe. Les instruments possèdent une richesse et une justesse harmonique qui sont un véritable plaisir à écouter. La scène sonore est parfois immense. L’équilibre tonal est excellent, avec une multitude de détails musicaux, allant de l’articulation de la contrebasse acoustique et des diverses percussions aux sons subtils, parfois presque subliminaux, des synthétiseurs. Le piano électrique Fender Rhodes de Hancock offre un son luxuriant et profond, sans doute l’un des meilleurs enregistrements de Rhodes que j’aie jamais entendus. Le mixage est remarquablement bien réalisé, avec des instruments et des voix harmonieusement disposés dans l’espace musical.

Tout simplement fantastique.

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