Rhino High Fidelity : Une série de vinyles à ne pas négliger

Rhino High Fidelity : Une série de vinyles à ne pas négliger

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Les prix sont indiqués en $US.

Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio.

En 2023, la maison de disques Rhino a lancé sa série Rhino High Fidelity, dédiée à la publication de rééditions en vinyle de haute qualité de titres d'albums classiques de Warner Music. Comme l'indique Rhino, toutes les laques des albums sont de type AAA (entièrement analogique) et ont été coupées directement à partir des bandes maîtresses stéréo par le célèbre ingénieur de mastering Kevin Gray chez Cohearent Audio. Les pressages en 180 grammes sont effectués par la société allemande Optimal Media.

L'emballage mérite certainement d'être qualifié de luxe, avec des jaquettes pliantes lustrées et des livrets contenant des photos des boîtes de bandes originales et des notes sur la découpe de la laque à l'extérieur, ainsi que des interviews et des photos à l'intérieur. J'ai reçu des copies d'évaluation de quatre titres de Jaco Pastorius, des Doobie Brothers, de Van Morrison et de Herbie Hancock, et la qualité du vinyle est immaculée sur chacun d'entre eux. Chaque album est vendu au prix de 39.98$ exclusivement chez rhino.com et est produite en édition limitée à 5 000 exemplaires.

Jaco Pastorius - Word of Mouth

Bien que, comme tout le monde, j'aie été stupéfait par le premier album solo éponyme du bassiste extraordinaire Jaco Pastorius en 1975 et par son travail ultérieur avec Weather Report, j'ai, pour une raison ou pour une autre, manqué la suite de son album solo de 1981, Word of Mouth. Je m'attendais à retrouver le style virtuose de basse de son premier album, et bien qu'il y en ait beaucoup - son jeu sur l'ouverture "Crisis" est presque surhumain - c'est un disque étonnamment nuancé, musicalement sophistiqué et varié.

Un coup d'œil à la couverture intérieure permet de comprendre pourquoi : plus de 40 musiciens sont crédités, et il s'agit d'un véritable who's who du jazz/fusion, parmi lesquels Don Alias, Jack DeJohnette, Herbie Hancock, Jim Pugh, Snooky Young, Toots Thielmans, Wayne Shorter, Tom Scott, Michael Brecker, et bien d'autres célébrités. La musique va de la frénétique "Crisis" à la plus contemplative "Three Views of a Secret", en passant par une reprise incontestablement "Jaco" du "Blackbird" des Beatles, et bien d'autres choses entre les deux. "Three Views of a Secret" et "John and Mary" sonnent presque comme des morceaux de Gil Evans, avec une orchestration magnifique. Le jeu d'ensemble sur "Liberty City", qui met en scène Herbie Hancock, est solide.

La qualité du son est excellente - très propre, dynamique, avec une gamme de fréquences étendue et une scène sonore bien définie. Les différents instruments - et oh boy, il y en a beaucoup, de la basse électrique fretless de Jaco aux cuivres, pianos électriques, nombreuses variétés de percussions, harmonica, voix et bien plus encore - ont tous leurs couleurs timbrales distinctives. La basse de Jaco n'est pas exagérée ou trop proéminente, bien que sur le morceau-titre, il ait la possibilité de se mettre en avant de façon absolue et de tout déchiré, en utilisant des effets comme le fuzz et une sorte de chorus ou d'effet de modulation pour faire des folies. Les percussions sont nettes, mais chaleureuses. Pour moi, le milieu et la fin des années 1970 ont été l'âge d'or de l'enregistrement multipiste analogique, et sur Word of Mouth vous entendez pourquoi. Le numérique a-t-il rattrapé ou dépassé l'analogique ? En écoutant cet album, je me pose la question.

Van Morrison - His Band and the Street Choir

Je l'admets, Van Morrison a toujours fait partie de ces artistes que je respectais plus que je ne les écoutais, comme U2, Bruce Springsteen ou Ornette Coleman. C'est un peu injuste et c'est peut-être le résultat du fait qu'en tant que musicien, j'en ai eu assez d'entendre les gens demander "Brown Eyed Girl" et jouer "Moondance" il y a longtemps. Aucun de ces titres ne figure sur l'album de 1970 His Band and the Street Choir, qui commence par "Domino", un titre irrésistiblement cool qui n'a pas été surjoué.

Je me suis rendu compte que je n'avais jamais entendu cette chanson sur un bon système, et cette réédition est une véritable révélation. Le riff d'ouverture de "Domino" jaillit du canal gauche, les cuivres sont vivants et rapides, et le son général du disque est chaud et doux. Les autres instruments comprennent la guitare acoustique (je ne savais pas que Morrison était un si bon guitariste acoustique avant d'entendre "I'll Be Your Lover Too"), l'harmonica, les percussions, l'orgue, la mandoline et le piano.

Le groupe est soudé, et j'apprécie particulièrement le bassiste, John Klingberg, qui joue avec la combinaison parfaite de groove et de goût, et s'accorde avec le batteur qui a un style old-school. Le groupe et le son de l'album sont organiques, avec une touche Americana/R&B/blues qui me rappelle un peu The Band. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un enregistrement "audiophile", les instruments ont une bonne présence, comme les guitares acoustiques et la mandoline sur "Virgo Clowns" et l'orgue tout au long de l'album. Le presque hit "Blue Money" est aussi accrocheur et classique que "Domino".

L'écoute de His Band and the Street Choir me donne un nouveau respect pour Van Morrison, parce que, bon sang, c'est un chanteur incroyable et émotionnellement puissant, ce qui ressort très clairement de cet album. J'ai regardé les notes de pochette et que sais-je encore : l'album a été enregistré par Elliott Scheiner (avec l'aide de Dixon Van Winkle, Ed Anderson, Mark Harman et Richard Lubash). Dans les notes, Cory Frye interviewe Scheiner, qui résume la situation mieux et avec plus d'autorité que je ne pourrais jamais le faire : "Toutes les voix que nous avons faites étaient principalement des voix en direct. Elles étaient si bonnes, si brillantes. Ce qui sortait de sa bouche avait une telle présence."

"Le meilleur chanteur noir avec lequel j'ai travaillé est Ray Charles. Le meilleur chanteur blanc était Van Morrison".

Les Doobie Brothers - The Captain and Me

Les rééditions ont ceci de très agréable qu'elles peuvent vous rappeler des albums que vous n'avez pas entendus depuis un certain temps, voire des décennies, et que vous n'avez peut-être jamais écoutés sur un système audio haute-fidélité. C'est le cas de l'album de 1973 des Doobie Brothers The Captain and Me. La dernière fois que j'ai entendu ce disque, c'était à l'université, ou peut-être sur la chaîne stéréo Masterwork de mes parents. Alors, faire tourner la réédition Rhino, c'était comme revisiter un vieil ami. L'album contient les grands succès "Long Train Runnin'" et "China Grove", ainsi qu'une sélection solide mais pas toujours scintillante d'autres chansons, dont "Clear as the Driven Snow", "Without You" et la chanson-titre, qui vous rappellera de bons souvenirs.

En tout cas, je n'ai jamais entendu The Captain and Me comme ça avant. Une fois de plus, la remasterisation est excellente. Personne ne prétendrait qu'il s'agit d'une qualité de démo audio ou du dernier mot en matière de dynamique, mais le son est propre et a de la largeur, de la profondeur et de la solidité. Il y a des moments remarquables sur le plan sonore, comme la basse de Tiran Porter sur "Long Train Runnin'" et l'acoustique "Busted Down Around O'Connelly Corners", où l'on a vraiment l'impression que les doigts pincent les cordes. Les multiples guitares électriques sont bien enregistrées et il y a toutes sortes de saveurs de guitares surmultipliées qui font saliver les mordus du fretboard comme moi. Les guitares de " China Grove ", par exemple, sont plus crues et plus rauques que celles que l'on entend à la radio, ce qui rend le morceau plus " réel ", le son d'amplis poussés au-delà de leurs limites. La guitare de Tom Johnston sur "Dark Eyed Cajun Woman" (mon morceau préféré des Doobies) est sublime. Je suppose qu'il s'agit d'une Gibson hollow body branchée sur un ampli Fender dimed black face ou silver face. Et voici Jeff "Skunk" Baxter à la pedal steel, et Robert Margouleff et Malcolm Cecil invités aux synthétiseurs !

C'est un plaisir de retrouver de vieux amis.

Herbie Hancock - Crossings

Cet album de 1971, que je n'avais jamais entendu auparavant, m'a complètement époustouflé, tant par sa musique que par sa qualité sonore. C'est un mélange enivrant de fusion, de free jazz, de musique du monde, de grooves de percussion et... eh bien, lorsque vous arrivez à la deuxième face, il devient tout simplement impossible de le catégoriser. Je vais être à contre-courant, mais pour moi, c'est l'album que Bitches Brew de Miles Davis aurait pu être. J'ai toujours pensé que ce dernier était un demi-effort complaisant de musiciens s'amusant en studio, pour être assemblé plus tard en quelque chose ressemblant à un album, ou peut-être que Miles se moquait des critiques, ou tout cela à la fois, bien qu'il y ait bien sûr des moments à ne pas manquer.

Herbie Hancock, Crossings, couverture de l'album.

Crossings est éblouissant dans sa navigation des ambiances musicales, des tempos et des textures, de la lenteur et du dépouillement à la complexité profonde. L'album met en vedette Mwandishi Herbie Hancock au piano électrique et acoustique, au mellotron et aux percussions (à l'époque de l'album, les membres du groupe avaient tous pris des noms swahilis), ainsi que les membres du groupe Swahile Eddie Henderson (trompette, fluegelhorn, percussions), Mwile Benny Maupin (saxophone soprano, flûte alto, clarinette basse, piccolo, percussions), Jabali Billy Hart (batterie, percussions), Pepo Mtoto Julian Priester (basse, trombone ténor et alto, percussions) et Mchejazi Buster Williams (basse électrique et acoustique, percussions). Ils sont rejoints par Patrick Gleeson au synthétiseur Moog, Victor Pontoja aux congas, et les chanteurs Candy Love, Sandra Stevens, Della Horne, Victoria Domagalski et Scott Beach, qui agissent davantage comme d'autres instruments - il n'y a pas de "chant" conventionnel sur cet album.

Il est vrai que la musique ne plaira pas à tout le monde. Ce n'est pas un Waltz for Debby ou tout autre type de jazz traditionnel. Il va assez loin, mais ne sonne jamais comme un chahut, un son abrasif ou carrément bruyant, comme peuvent l'être certains morceaux de free jazz. Il y a toujours une base harmonique, un groove, un sens de la structure et, par-dessus tout, un sentiment remarquable d'écoute, de communication et de jeu entre les musiciens. Il n'y a que trois morceaux. "Sleeping Giant" (qui occupe toute la première face), "Quasar", qui sonne vraiment comme une missive d'une galaxie lointaine avec ses synthés de science-fiction et ses cuivres retardés par l'écho - mais où les extraterrestres aiment le jazz - et "Water Torture", qui est musicalement exactement l'opposé de ce que son titre semble impliquer, à moins que vous n'aimiez juste pas cette sorte d'exploration musicale. Ce qui est correct. Moi, je trouve ça envoûtant.

Le son est superbe. Les instruments ont une richesse et une justesse harmonique qui font plaisir à entendre. La scène sonore est parfois vaste. L'équilibre tonal est excellent et il y a beaucoup de détails musicaux, de l'articulation de la basse acoustique et des diverses percussions aux sons subtils, parfois presque subliminaux, des synthétiseurs. Le piano électrique Fender Rhodes de Hancock sonne de manière luxuriante et profonde, l'un des meilleurs enregistrements d'un Rhodes que j'aie jamais entendu. Le mixage est vraiment bien fait, avec des instruments et des voix bien placés dans l'espace musical.

Tout simplement fantastique.

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