L’autre « Heavy Dynamic Duo » des années 60 : Iron Butterfly et Jeff Beck. Leurs classiques ont reçu le traitement MoFi. Cela en valait-il la peine ?

En 1968, le doux Summer of Love appartenait déjà au passé, mais le parfum puissant de l’acide flottait encore sur les ondes d’une scène rock en pleine effervescence et rapide évolution. Contrairement à aujourd’hui, où les tendances musicales semblent s’étirer sur des années, à l’époque, au sommet de la créativité du rock, il était bien plus facile d’identifier des moments clés, associés à des albums emblématiques. Ce fut le cas avec le deuxième album d’Iron Butterfly et les débuts de Jeff Beck, lorsque soudain un nouveau mot fit son entrée dans le lexique du rock : lourd.

Il est certain que les prémices ont été semées dès juillet 1965, lorsque les Yardbirds, groupe ayant lancé les carrières des prodiges de la guitare Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page, ont fait leur entrée dans les charts américains avec l’album For Your Love, porté par le titre éponyme. En novembre de la même année, ils sortent Having a Rave Up, où le groupe reprend le tube de Bo Diddley de 1955, « I’m a Man », ainsi que le morceau jump blues de Tiny Bradshaw de 1951, « The Train Kept A-Rollin’ », rebaptisé plus tard « Stroll On » pour le film à suspense de 1966, Blow-up.

En mars 1974, « Train Kept A-Rollin’ » quitte à nouveau la gare, cette fois à bord du deuxième album d’Aerosmith, Get Your Wings. Puis, en décembre 1966, deux power trios britanniques font leur première apparition chez les disquaires : Cream, avec Eric Clapton, Jack Bruce et Ginger Baker, et The Jimi Hendrix Experience, composé de Hendrix, originaire de Seattle, et des Britanniques Noel Redding et Mitch Mitchell. Le premier groupe fait des débuts remarqués avec l’album Fresh Cream, tandis que le second explose dans un « Purple Haze » en mars 1967, une chanson annonciatrice des prouesses guitaristiques qui apparaîtront deux mois plus tard sur le premier album du groupe, Are You Experienced.

En novembre, le deuxième album de Cream, Disraeli Gears, comprenant « Sunshine of Your Love » et « Tales of Brave Ulysses », a solidifié les fondations de l’acid rock avec son rock lourd et distordu, enraciné dans le blues et enrichi de puissants effets psychédéliques.

L’interprétation révolutionnaire de « Summertime Blues » par le power trio Blue Cheer, originaire de San Francisco, tirée de leur premier album Vincebus Eruptum en janvier 1968, était à l’époque le rock le plus lourd de la planète et allait servir de modèle au heavy metal. Ce même mois, Iron Butterfly sort son premier album intitulé Heavy—marquant la première fois où ce terme gagne en notoriété.

Le quintette de San Diego, en Californie, récemment devenu un quatuor, a décroché le jackpot en juin avec la sortie de son deuxième album, In-A-Gadda-Da-Vida, principalement grâce à sa chanson-titre. L’album s’est vendu à plus de 8 millions d’exemplaires durant sa première année et a atteint un total de 30 millions à ce jour. D’une durée de plus de 17 minutes, la chanson, dont le titre dérive de « In the Garden of Eden » (« Dans le jardin d’Éden »), occupe l’intégralité de la deuxième face—a tendance que l’on retrouvera bientôt dans le prog des années 70, le space rock et l’eurodisco. Techniquement, ce n’est pas la toute première chanson rock à étirer la durée temporelle : « Sad Eyed Lady of the Lowlands » de Bob Dylan, tirée de Blonde on Blonde, et « The Return of the Son of Monster Magnet » des Mothers of Invention, tirée de Freak Out!, toutes deux sorties en juin 1966, duraient environ 12 minutes.

Mais « IAGDV » reste le premier morceau commercial à s’approcher de la longueur maximale moyenne d’une face de disque vinyle. La brève intro à l’orgue Vox Continental, jouée par le chanteur Doug Ingle, établit les références psychédéliques de la chanson. Son riff principal, hypnotique, modal et en tonalité mineure, est sans aucun doute fortement inspiré par le morceau « Sunshine of Your Love » mentionné plus haut, à tel point qu’il ne m’aurait pas surpris que Cream poursuive Iron Butterfly en justice pour plagiat, comme cela s’est vu avec d’autres formations musicales au fil de l’histoire. Le célèbre solo de batterie de Ron Bushy, d’une durée de deux minutes et demie, est l’un des premiers solos de batterie enregistrés sur un disque de rock. Cependant, il fut devancé par Ginger Baker, le batteur de Cream, avec « Toad » extrait de Fresh Cream, un morceau qui inspira également John Bonham pour « Moby Dick » sur Led Zeppelin II. On peut également percevoir une influence de Bushy dans le solo de batterie classique « Dance with the Devil » de Cozy Powell, sorti en 1973.

Les cinq chansons de la face A sont rarement diffusées ou reconnues à leur juste valeur, mais elles méritent néanmoins notre attention. « Most Anything You Want » ouvre l’album avec une bonne ambiance sixties, mêlant des voix portées par un rythme régulier et une guitare chaleureuse entrelacée à un orgue. Le morceau emprunte à plusieurs reprises le riff d’orgue d’ouverture de « Light My Fire » des Doors. « Flowers and Beads » est un autre exemple d’un morceau qui reflète davantage l’esprit festif et innocent des « fleurs dans les cheveux » de l’été précédent que le ton plus lourd et sombre de la chanson-titre. Ce morceau me rappelle le mégahit « Happy Together » des Turtles, sorti en janvier 1967, à la même période que « Light My Fire » des Doors. Une fois de plus, l’interaction entre les chœurs et les voix principales contraste avec ce à quoi on est habitué sur « IAGDV ». Avec son intro en crescendo à l’orgue et à la batterie, « My Mirage » imite les nuances psychédéliques que l’on retrouve dans l’œuvre de The Savage Resurrection.

Idem pour « Termination ». Le très énergique « Are You Happy » clôt la face et est, sans aucun doute, le morceau qui fait le plus vibrer la maison. La batterie, l’orgue et les voix s’y déchaînent, frappant tous les arrêts, et mettent en valeur le type d’énergie heavy metal que l’on retrouve chez Deep Purple au début des années 1970. À mon avis, « Are You Happy » aurait été mieux placé en tant que morceau d’ouverture de l’album.

Alors que le premier album d'Iron Butterfly avait été produit par Charles Greene et Brian Stone, c'est Jim Hilton qui s'est chargé de la production de celui-ci. Jim produira un autre disque pour le groupe, Ball, l'année suivante.

Don Casale a conçu l'album aux Ultra-Sonic Studios à Hempstead, New York, en mai 1968. On raconte qu'il a demandé au groupe de jouer pour régler les niveaux des micros, puis a appuyé sur le bouton « enregistrement », après quoi le groupe a interprété « IAGDV » en une seule prise, sur ses 17 minutes de durée. Les studios Gold Star à Hollywood, en Californie, ont également été utilisés pour enregistrer certaines parties du disque.

Comme pour le pressage original, la pochette du MoFi n'est pas un gatefold mais simplement une réplique de la pochette extérieure classique, avec l’ajout de la bande rose « Original Master Recording » en haut. À l’intérieur de la pochette se trouve le carton de protection habituel de la société, plié autour de la pochette intérieure en PEHD. La source utilisée était la bande master analogique 1/4″ / 15 IPS, transférée en DSD 256, puis envoyée à leur console analogique et à leur tour. Krieg Wunderlich, de MoFi, a remasterisé et coupé le LP à 33 1/3 rpm, laissant un peu moins d’un demi-pouce de cire morte sur la face A et un peu plus sur la face B. RTI l’a pressé sur un vinyle 180 g à formule normale, pour une sortie en janvier 2020, avant une réédition en 180 g SuperVinyl en novembre 2021. Je ne possède que la version vinyle normale, ce qui signifie qu’il pourrait y avoir de légères différences sonores entre les deux formules de pressage.

Je n’ai pas le pressage original américain, mais je possède un premier pressage ATCO canadien « à bandes jaunes et blanches », qui ne sonne pas très bien. Il y a trop de réverbération sur les voix et sur le mixage en général, et le son est compressé : médium proéminent, manque de plage dynamique, d’extension des fréquences et de finesse dans les octaves supérieures. À tel point qu’il tourne rarement sur mon plateau. Ce n’est certainement pas un disque de démonstration audiophile.

Sans surprise, le MoFi l’écrase. Il offre beaucoup plus de basses, de chaleur, une dynamique accrue, une meilleure extension et un raffinement des aigus, ainsi qu’une scène sonore plus large. Il est évident que l’enregistrement du MoFi a subi beaucoup moins, voire aucune, compression : les voix et l’orgue sautent littéralement dans et hors du mixage comme je ne les avais jamais entendus auparavant. De plus, la réverbération est presque absente, ce qui donne aux voix une qualité plus brute et naturelle, qui pourrait surprendre certains auditeurs habitués à la présentation de l’ancienne version. Cela a été mon cas, mais il ne m’a pas fallu longtemps pour me ranger du côté de la version MoFi. Je tends à préférer les présentations plus sèches aux versions réverbérantes, trouvant les premières plus intimes et plus immédiates. Les notes de guitare et d’orgue, alimentées par le fuzz sur la version MoFi, sonnent nettes et bien positionnées dans l’espace, tandis que les deux faces de l’album sont parfaitement équilibrées.

Voici une version corrigée et fluide, en respectant strictement vos consignes : La batterie et la basse sont également bien mises en valeur sur la version MoFi, bien qu’elles sonnent un peu arrondies. J’aurais aimé un peu plus d’articulation dans leur attaque, mais, comparé à mon ancien premier pressage canadien, dont la batterie et la basse sonnent anémiques, il n’y a pas photo. Je suppose que MoFi a extrait tout ce qu’ils pouvaient d’une bande maîtresse déjà compromise sur le plan sonore. Le solo de batterie de la chanson-titre est, bien sûr, beaucoup plus excitant à écouter maintenant, grâce à la présence soudaine de tous les toms. Soit dit en passant, je ne voudrais pas voir ce morceau emblématique de 17 minutes sortir en édition double 45 tours. Je pense que le diviser en deux faces détruirait son attrait hypnotique unique.

Mon pressage MoFi était parfaitement silencieux. Ce n’est peut-être pas le meilleur enregistrement rock existant, mais c’est sans aucun doute le meilleur remastering, le meilleur découpage et le meilleur pressage de cet album que j’aie entendu. De plus, c’est désormais mon disque de référence pour montrer à quelqu’un ce qu’est la quintessence d’une chanson acid rock. Malheureusement, il est épuisé dans les deux formats de vinyle, mais heureusement, il est encore disponible chez certains vendeurs sur le web. Cela en vaut largement la peine !

Lire la deuxième partie ici.

Le personnel :

• Doug Ingle - orgue Vox Continental, voix
• Erik Brann - guitare solo, voix (piste 4)
• Ron Bushy - batterie, percussions.
• Lee Dormam - basse, chœurs.

Crédits supplémentaires :

• Produit par Jim Hilton.
• Enregistré en mai 1968 aux Ultra-Sonic Studios à Hempstead, New York, et aux Gold Star Studios à Hollywood, Californie.
  Ingénieur Don Casale.
• Remasterisé et laqué par Krieg Wunderlich au Mobile Fidelity Sound Lab à Sebastopol, CA.
• Plaqué et pressé par RTI, CA, USA.
• Conception artistique par Loring Eutemey.
• Photographie de Stephen Paley.

Liste de référence (singles, albums et étiquettes) :

• For Your Love [Epic LN 24167]
• Having a Rave Up [Columbia SCXC 28]
• "I'm a Man" [Checker 814]
• "The Train Kept A-Rollin'" [King Records 4497 (78 tours) ou 45-4497].
• Get Your Wings [Columbia KC 32847]
• Fresh Cream [DCC Compact Classics LPZ-2015]
• "Purple Haze" [Track Record 604001]
• Are You Experienced [Experience Hendrix, Legacy 88697 62395 1]
• Disraeli Gears  [Réaction 594 003 ou ATCO Records SD 33-232].
• Vincebus Eruptum [Philips PHS 600-264]
• Heavy [ATCO Records SD 33-227]
• Blonde on Blonde [MoFi MFSL 3-45009]
• Freak Out!  [Verve Records V6-5005-2]
• Led Zeppelin II [Atlantic SD 8236]
• “Dance with the Devil” [RAK RAK 164]
• "Light My Fire" [DCC Compact Classics LPZ-2046]
• "Happy Together" [White Whale WW S-7114]
•   The Savage Resurrection [Mercure SR-61156]
• Ball [ATCO Records SD 33-280]

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