Le projet Alan Parsons

Eye in the Sky

Mobile Fidelity Sound Lab - MFSL 2-500, Arista, (2022, juin), promo. Paru à l'origine sur Arista - 204 666 (UK) (1982, mai).

Notations :

• Appréciation globale : 9,6
• Musique : B+ (8,7)
• Enregistrement : 9.7
• Remasterisation + coupe de laque : 9.8
• Pressage : 10
• Emballage : standard, gatefold non laminé

Catégorie : soft rock, art rock, prog pop, prog rock.

Format : Vinyle (2×180 grammes LPs à 45 rpm).

« Je peux lire dans tes pensées. »

Rares sont les noms qui inspirent autant de respect dans les domaines de l'ingénierie sonore et de la création musicale qu'Alan Parsons.

Il a fait ses débuts à l’âge de vingt ans en tant qu’assistant ingénieur sur les sessions des Beatles pour Abbey Road et Let It Be. Parsons s’est véritablement fait un nom en réalisant l’ingénierie sonore de l’album emblématique de Pink Floyd, The Dark Side of the Moon, un classique du rock et favori des audiophiles. Bien que Pink Floyd ait souhaité le garder pour travailler sur Wish You Were Here, Parsons avait en tête ses propres « projets ».

Il a fallu quelques contes de l’imagination pour mettre le moteur en marche, mais avec Eric Woolfson, Andrew Powell et une multitude d’autres musiciens de Pilot et Ambrosia à bord, il n’y avait aucun mystère quant à la destination de ce train.

Inspiré par l’écrivain et poète Edgar Allan Poe, le premier album du Alan Parsons Project, sorti en 1976, se démarquait dans l’univers de l’art rock progressif, empruntant parfois à l’impressionnisme symphonique. Ne souhaitant pas reproduire la même formule, Parsons a exploré une direction différente avec ce qui deviendra le chef-d’œuvre de sa carrière : I Robot, sorti en 1977. Les deux albums ont été remasterisés à un moment donné par MoFi : le premier dans leur série ANADISQ 200 en 1994, et le second à trois reprises : en 1982 pour un LP classique, en 1983 pour la série UHQR, et en 2016 pour sa première édition en double 45 tours.

Comme si cela ne suffisait pas, deux autres versions de I Robot sont déjà annoncées pour une sortie future sous la forme des « One Steps » UD1S de MoFi. Pyramid, sorti en 1978, serait la dernière grande œuvre complexe du groupe et, étrangement, n’a jamais été remastérisé en double 45 tours par qui que ce soit. MoFi, vous m’écoutez ?

Eve a suivi en août 1979 et, comme la plupart des groupes progressifs, Alan Parsons Project a tenté de s’adapter à la baisse drastique de sa popularité face à l’émergence de la new wave, avec ses structures musicales plus courtes, simples et brutes. Quoi qu’il en soit, Eve a engendré deux tubes : l’incroyablement contagieux « Lucifer » et le diabolique « Damned If I Do ».

Le tournant de la décennie a vu la sortie de The Turn of a Friendly Card, qui comprenait le single radiophonique « Games People Play ». Le reste de l’album manquait cependant de compositions mémorables et de direction. Eye in the Sky suivit, marquant le dernier retour avant une chute brutale de l’inspiration.

Sorti pour la première fois en mai 1982, il s’agit du sixième des onze albums du Alan Parsons Project. Bien que beaucoup moins complexe que les précédents projets de Parsons, il contient le plus grand succès du groupe : la chanson-titre. Naturellement, Parsons a produit et réalisé l’album, avec l’aide de l’ingénieur Tony Richards. L’album a été enregistré sur du matériel analogique, puis mixé directement sur bande numérique, avec un master numérique encodé par le système de bande vidéo Sony PCM 1610, alors omniprésent.

Un master analogique 1/2″ 30 IPS était également utilisé simultanément à l’époque, probablement comme bande de sauvegarde parallèle, étant donné que le mixage et le mastering numériques en étaient encore à leurs balbutiements. Tous les enregistrements et le mixage ont été réalisés aux Abbey Road Studios, à Londres, au Royaume-Uni.

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Avertissement : Le texte suivant peut contenir des opinions tranchées. Discrétion conseillée au lecteur.

« Ne laissez pas de fausses illusions derrière vous... »

Vous devez désormais savoir que, depuis le dernier trimestre, la planète Terre « audiophile » gravite autour d’une singularité : la découverte du DSD256 dans l’univers MoFi de la Voie lactée. Oui, un trou noir aspire l’énergie positive autour de nous, perturbant le flux normal des électrons et positrons dans notre quotidien. Voici mon point de vue sur cette antimatière :

Pour nous, humains, il y a deux choses dans la vie particulièrement difficiles à digérer : la première est de se sentir trompé par un partenaire de longue date en qui nous avions placé notre confiance ; la seconde — et peut-être encore plus difficile à admettre pour certains — est de reconnaître qu’une conviction préconçue, aussi solide qu’elle ait pu sembler, peut finalement se révéler infondée. Chacun réagit différemment, mais pour ma part, j’ai été à la fois ébranlé et secoué par la révélation concernant MoFi. Face à une telle situation, j’essaie toujours de trouver un aspect positif — et non, dans ce cas, je ne parle pas d’un disque compact. En revisitant ma vaste collection de titres MoFi, je me suis posé une question simple : le son est-il toujours aussi impressionnant que je le percevais autrefois ? Et pour la grande majorité des titres, la réponse a été un retentissant oui ! Bien sûr, quelques albums n’ont jamais été au même niveau sonore que les autres, mais cela était déjà vrai auparavant, comme avec n’importe quel label concurrent. Certes, pour nous, les fervents défenseurs de l’analogique, c’est une pilule difficile à avaler, mais nier la vérité serait simplement se mentir à soi-même. Alors, quel est ce rayon de soleil venu d’Orion, me demanderez-vous ? Sachant que, pendant des années, ni moi ni tant d’autres n’avons détecté la moindre trace numérique en jouant nos MoFis préférés, ce rayon lumineux est cette soudaine prise de conscience : le numérique, sous certaines formes, peut non seulement offrir une transparence sonore exceptionnelle, mais, oserais-je dire, surpasser l’analogique pur lorsque les deux technologies unissent leurs forces. En y réfléchissant, une analogie s’impose avec le cinéma « analogique » : bien que le film se déroule dans un mouvement continu, il projette en réalité une série d’échantillons d’images individuelles représentant un événement en constante évolution, typiquement à raison de 24 images par seconde. Cela vous semble familier ? Et qui oserait dénigrer des chefs-d’œuvre cinématographiques tels que Lawrence d’Arabie, simplement parce qu’ils sont projetés via des images assemblées ?

Comparaisons...   

Je ne possède pas l'original britannique dans ma collection, mais j’ai un premier pressage canadien en parfait état, acheté lors de sa sortie initiale. La pochette est classique, mais ornée d’une feuille d’or pour le motif de l’œil. La pochette intérieure en papier vert assortie contient les paroles d’un côté et les crédits de l’autre. Typique de l’époque, le vinyle est assez fin et souple, probablement d’environ 120 grammes. Les deux faces sont visuellement similaires, avec environ un demi-pouce de cire morte.

En revanche, la pochette de MoFi est un gatefold robuste et non laminé, abritant deux vinyles 180 g, coupés à 45 tours, avec les paroles et les crédits imprimés en or à l’intérieur. Il aurait été intéressant qu’ils ajoutent également cette feuille d’or au motif de l’œil, en guise de subtil clin d’œil à l’œuvre d’art originale.

L’illustration suit le style typique des pochettes de MoFi, qui, lors de son introduction vers 2005, surpassait celle des autres labels de remasterisation. Cependant, en 2022, la donne a changé, et MoFi doit désormais affronter une concurrence accrue de labels comme Tone Poet et Acoustic Sounds, qui offrent des pochettes laminées avec de magnifiques photos internes.

Méthodologie...

L’ingénieur Krieg Wunderlich, assisté de Rob LoVerde, a utilisé comme source le master analogique original 1/2″ 30 IPS (et non le master numérique original PCM 1610), qu’ils ont converti au format DSD256. Ce dernier a ensuite été transmis au tour de découpe via leur console analogique. Le placage et le pressage ont été réalisés chez RTI en Californie, et les disques insérés dans les pochettes intérieures HDPE standard de MoFi, accompagnés d’un carton plié présentant les publications de la société. Comme à l’accoutumée avec MoFi, l’étiquette originale a été remplacée par leur étiquette noire emblématique, désormais ornée d’un liseré vert en haut. Le vinyle était brillant, parfaitement centré et absolument silencieux durant toute la lecture.

J'ai toujours trouvé que le pressage canadien de 1982 avait un son plutôt bon et était supérieur à la moyenne pour cette période. À cette époque, les studios intégraient de plus en plus d’équipements numériques, et l’industrie musicale dans son ensemble se dirigeait vers une compression dynamique plus élevée, avant de sombrer dans les véritables guerres du volume des années 1990 et au-delà. Cela dit, j’ai trouvé que l’équilibre tonal était proche de la neutralité, mais un peu léger au niveau de la grosse caisse et des basses, tandis que les hauts médiums étaient légèrement trop prononcés en raison d’une surcompression. Cela rendait l’écoute à volume élevé moins agréable. La scène sonore, en revanche, était excellente et bien équilibrée, comme on pouvait s’y attendre d’une production d’Alan Parsons. Musicalement, j’ai beaucoup apprécié la chanson-titre et son introduction « Sirius », ainsi que l’instrumental « Mammagamma », qui rappelle « Run Like Hell » de Pink Floyd, extrait de The Wall. Cependant, j’ai trouvé que les autres morceaux manquaient d’attrait, sans doute en comparaison avec les compositions musicales antérieures de Parsons.

« Et je n'ai pas besoin d'en voir plus pour savoir que... »

Tout simplement, ce dernier MoFi m’a époustouflé et a écrasé le premier pressage canadien. Dès le début, la première vibration grave s’intensifie progressivement, et c’est comme si j’avais activé un caisson de basses... sauf que je n’en possède pas ! Même à faible volume, on ressent la profondeur des basses et le crescendo qui suit, rappelant ma première expérience de l’intro THX Deep Note dans un cinéma certifié THX à l’acoustique exceptionnelle. Puis, le célèbre riff en boucle de clavinet, échantillonné par le Fairlight CMI, fait son entrée. Il est suivi par la montée en puissance d’une grosse caisse puissante, parfaitement centrée sur la scène sonore, plus percutante que dans le pressage canadien. Les frappes de guitare, toutes les huit mesures, gagnent en intensité dramatique. Ensuite, le charleston entre, suivi de la caisse claire et des cordes. On a l’impression d’assister à l’entrée des Romains dans le Colisée. La scène sonore s’étend dans toutes les directions. La hauteur semble illimitée, et ma salle d’écoute de 700 pieds carrés au sous-sol se transforme en un hologramme sonore virtuel. La guitare électrique surgit avec justesse, avant de s’effacer pour ne laisser qu’un délai rapide de synthétiseur qui se déplace autour de nous dans un silence noir absolu. On enchaîne ensuite sur le morceau-titre. Une immense couche sonore se déploie, portant la signature acoustique des enceintes JBL 4520 avec haut-parleurs alnico et tweeters à lentille acoustique, comme celles des discothèques des années 1970. La caisse claire offre un équilibre parfait entre une attaque rapide qui fait taper du pied et une libération lente qui prolonge le plaisir, tout en créant de l’espace dans le mix et le flux rythmique — un bel exemple des paramètres sonores ADSR. Les voix arrivent avec une chaleur et une justesse parfaites, transmettant la désillusion émotionnelle et le détachement du chanteur face à sa relation. La différence de timbre entre les chœurs et la voix principale de Woolfson est clairement perceptible, même pendant les overdubs. Le roulement rapide de la caisse claire après « I can cheat you blind » a ce claquement réaliste, tandis que la grosse caisse produit ce son mat et profond typique d’une peau bien tendue — ces détails séparent les grands maîtres du remastering des autres. Comme pour la précédente sortie de I Robot en double 45 tours, l’équilibre tonal est parfait et couvre tout le spectre sonore, sans aucune fatigue auditive, ce qui me conduit parfois à écouter à des niveaux dépassant les 90 dB sans m’en rendre compte ! Paradoxalement, bien que tout semble d’une fluidité veloutée, le rythme reste intact et la dynamique ne ralentit jamais. Le rendu global est riche, chaleureux et luxuriant, sans jamais paraître terne. Inutile de dire que je suis en extase ! « Children of the Sun » fait alterner caisse claire et charleston à une vitesse effrénée, avec une grosse caisse marquant la pulsation métronomique. Le morceau progresse vers une royauté symphonique et une marche militaire si palpable qu’on croirait entendre les bottes marteler le sol juste devant votre porte.

Le morceau « Gemini » de la face B fond littéralement dans vos oreilles, tandis que le canon de voix célestes s’amplifie avec l’ajout d’une réverbération envoûtante. L’enveloppe vocale est véritablement divine et évoque l’album Pet Sounds des Beach Boys. « Silence and I » débute en douceur avec un piano, auquel viennent s’ajouter des voix et des cordes. La structure de la chanson s’élève lentement vers des sommets grandioses, avant de changer brusquement de tempo, rappelant le style d’un spectacle musical à la Riverdance. Puis, elle bascule vers des cors français cinématographiques, d’une sonorité à la fois romanesque et d’un réalisme fascinant.

Je ne m’étendrai pas sur le son du reste de l’album, si ce n’est pour dire qu’il s’agit de l’un des enregistrements pop/rock les plus uniformes que j’ai jamais entendus. La seule exception est « You’re Gonna Get Your Fingers Burned » sur la face C, qui, malheureusement, a été fortement compressé sur le master. Cela le rend trop fort et légèrement fatigant par rapport aux autres morceaux. À cause de cela, ma seule critique mineure est que MoFi n’a pas ajusté le niveau moyen de ce morceau pour l’harmoniser avec le volume des autres titres, bien plus dynamiques, évitant ainsi que je doive réajuster le volume avant et après son passage. Musicalement, ce titre semble mal s’intégrer, comme si quelqu’un avait lancé : « Les gars, il nous faut d’urgence une chanson pop-rock commerciale à guitares », ce qui explique pourquoi j’ai légèrement abaissé ma note par rapport à un « 10 parfait » dans la section d’évaluation en début d’article. J’ai tenté d’imaginer ce qu’une version « One-Step » pourrait apporter de plus. La seule amélioration envisageable serait une définition légèrement plus précise dans les basses les plus profondes, mais même cela pourrait déséquilibrer l’harmonie délicate atteinte par MoFi ici. Alors, MoFi, n’osez même pas explorer cette voie ! Tournez-vous plutôt vers Pyramid pour vos prochaines sorties consacrées à Parsons.

Je n’ai pas eu entre les mains l’édition 2007 de Speakers Corner Records [AL 9599], remastérisée et gravée par Rob LoVerde aux Sony Music Studios, à New York, et pressée par Pallas en Allemagne, je ne peux donc pas me prononcer à son sujet. Mais, par un curieux coup du sort, LoVerde est également crédité pour avoir assisté Krieg Wunderlich dans cette présente édition de MoFi.

Malgré le « scandale » et l’étape DSD256, cette remasterisation récemment publiée par MoFi est l’album d’Alan Parsons Project qui sonne le plus analogique que j’aie jamais entendu. Ironiquement, c’est probablement le disque MoFi le plus analogique jamais réalisé, dans la même catégorie que l’album de Gino Vannelli, Powerful People [MFSL 1-041], gravé entièrement en analogique à mi-vitesse par Stan Ricker en 1980, rien de moins ! Gardez à l’esprit que je possède les six premiers albums d’Alan Parsons Project dans de multiples versions, incluant la plupart des pressages originaux britanniques, quelques premiers pressages allemands et japonais entièrement analogiques, la réédition de I Robot par Classic Records, ainsi que trois versions différentes de MoFi parmi un total d’une centaine de MoFis, allant des premiers pressages JVC à la série ANADISQ 200, jusqu’aux éditions actuelles. Parmi ces MoFis, j’ai neuf éditions « One-Step » dans ma collection. Il est clair que Krieg Wunderlich a opéré sa magie avec cette dernière édition et a une fois de plus sorti le grand jeu !

Maintenant que l’internet est en ébullition autour de la transparence, une divulgation complète : j’ai reçu cette édition MoFi en tant que copie promotionnelle. Mais, plus important encore, maintenant que je l’ai écoutée, la vraie question est : est-ce que je dépenserais mon argent durement gagné pour l’acheter ? Absolument oui, sans la moindre hésitation. Je l’ai d’ailleurs déjà recommandé à plusieurs reprises à mes amis audiophiles. C’est dire à quel point elle est fantastique.

Alors, qu'avons-nous appris ici, chers mélomanes, collectionneurs de vinyles et audiophiles ?

1. La vérité vous rendra libre.
2. La transparence est essentielle.
3. Le DSD est subjectivement transparent et ne transmet ni trace numérique ni arrière-goût.
4. Lorsqu’elle provient d’une source analogique, l’utilisation d’un fichier DSD offre l’avantage majeur de préserver les bandes magnétiques précieuses, historiques et fragiles d’une dégradation supplémentaire ou, pire encore, d’une détérioration grave causée par une utilisation répétée. Cela ouvre l’industrie de la remastérisation à un répertoire musical plus vaste, ainsi qu’aux archives des grandes maisons de disques qui pourraient autrement refuser de prêter leurs bandes maîtresses. De plus, cette approche libère l’ingénieur de masterisation et le label pour expérimenter à l’infini, en appliquant les meilleures pratiques d’égalisation et de gravure, sans subir la pression ou les contraintes de temps. Cela leur permet d’atteindre le sommet de la reproduction sonore que nous recherchons tous.
5. Dans toutes les chaînes de fabrication, tout est important. Cependant, dans le domaine de la remasterisation d’un album et du produit sonore final, l’inclusion du DSD se classe très loin dans la liste des altérations sonores subjectives, et elle est au mieux négligeable. Les facteurs les plus déterminants sont, de loin : le son et l’état de la bande source, son transfert, l’expérience et les choix artistiques de l’ingénieur de masterisation, ainsi que l’équipement utilisé (magnétophones à bobines, égaliseurs, limiteurs, tours de découpe, etc.). S’ajoutent à cela le placage, les pères, les mères, les matrices et l’usine de pressage. Tous ces éléments priment largement sur la question « Est-ce vraiment AAA ? » ou « Pourrait-ce être AADSDA ? », ou tout autre sigle que l’on pourrait consulter avant d’acheter un disque. Pour ma part, je me fie à mes oreilles, et elles me disent que cet Eye in the Sky est un coup de circuit céleste !

Le personnel :

• Alan Parsons - claviers, programmation Fairlight, voix
• Andrew Powell - arrangement orchestral, chef d'orchestre et piano
• Eric Woolfson - voix principale, claviers (pistes 2, 5, 12 et 14)
• Stuart Elliott - batterie, percussions
• David Paton - basse, voix principale (piste 3)
• Ian Bainrson - guitares acoustiques et électriques
• Mel Collins - saxophone
• Chris Rainbow - voix principale (piste 4)
• Lenny Zakatek - voix principale (pistes 6 et 9)
• Elmer Gantry - voix principale (piste 7)
• Colin Blunstone - voix principale (piste 10)
• The English Chorale - voix de chœur
• Bob Howes - chef de chœur
  
  

Crédits supplémentaires :

• Produit par Alan Parsons
• Producteur exécutif - Eric Woolfson
• Enregistré en 1981-1982 aux studios Abbey Road, Londres, Royaume-Uni
• Enregistré par Alan Parsons avec l'aide de l'ingénieur Tony Richards.
• Coordinateur et consultant en mastering - Chris Blair
• Remasterisé et laqué par Krieg Wunderlich et assisté par Rob LoVerde au Mobile Fidelity Sound Lab à Sebastopol, CA.
• Plaqué et pressé par RTI, CA, USA
• Direction artistique par Roland Young
• Pochettes réalisées par APB, Colin Chambers et Hipgnosis
• Photographie de Keith W. Lehman
  
  

Pour en savoir plus sur Claude Lemaire, visitez...

https://soundevaluations.blogspot.ca/