Le projet Alan Parsons

Eye in the Sky

Mobile Fidelity Sound Lab - MFSL 2-500, Arista, (2022, juin), promo. Paru à l'origine sur Arista - 204 666 (UK) (1982, mai).

Notations :

• Appréciation globale : 9,6
• Musique : B+ (8,7)
• Enregistrement : 9.7
• Remasterisation + coupe de laque : 9.8
• Pressage : 10
• Emballage : standard, gatefold non laminé

Catégorie : soft rock, art rock, prog pop, prog rock.

Format : Vinyle (2×180 grammes LPs à 45 rpm).

"Je peux lire dans vos pensées"

Rares sont les noms qui suscitent autant de respect dans les domaines de l'ingénierie de l'enregistrement et de la création musicale qu'Alan Parsons.

Il s'est fait les dents à l'âge de vingt ans en tant qu'assistant ingénieur sur l'album des Beatles. Abbey Road et Let It Be. Parsons s'est véritablement fait connaître en concevant l'album de Pink Floyd, qui a fait date dans l'histoire du rock et de l'audiophilie. The Dark Side of the Moon. Pink Floyd souhaitait le garder pour travailler sur Wish You Were Here, mais Parsons avait ses propres "projets" en tête.

Il a fallu quelques contes de l'imagination pour mettre le moteur en marche, mais avec Eric Woolfson, Andrew Powell et une foule d'autres musiciens de Pilot et Ambrosia à bord, il n'y avait pas d'autre choix que d'aller à la rencontre des autres. mystère de la destination de ce train.

Inspiré par l'écrivain et poète Edgar Allan Poe, le premier album du Alan Parsons Project, paru en 1976, se distinguait dans le monde de l'art rock progressif, s'inspirant parfois de l'impressionnisme symphonique. Ne voulant pas répéter la même formule, Parsons a pris une direction différente avec ce qui s'est avéré être le chef-d'œuvre de sa vie : 1977. I Robot. Les deux albums ont été remasterisés à un moment donné par MoFi, le premier sur leur série ANADISQ 200 en 1994, et le second à trois occasions distinctes : en 1982 pour le LP normal, en 1983 pour la série UHQR, et en 2016 pour sa première sortie en double 45 tours.

Comme si cela ne suffisait pas, deux autres versions de la I Robot sont déjà annoncés pour une sortie future sous la forme de l'UD1S "One Steps" de MoFi. 1978's Pyramide serait la dernière grande œuvre complexe du groupe et, étrangement, elle n'a jamais été remastérisée en double 45 tours par qui que ce soit. MoFi, tu m'écoutes ?

Eve a suivi en août 1979, et, comme la plupart des groupes progressifs, Alan Parsons Project a essayé de s'adapter à la baisse drastique de sa popularité au milieu de l'émergence de la structure musicale plus courte, plus simple et plus brute de la new wave. Quoi qu'il en soit, Eve a donné naissance à deux tubes, l'incroyablement contagieux "Lucifer" et le diabolique "Damned If I Do".

Le tournant de la décennie a vu la sortie de Le tour d'une carte amicale, qui a porté le single "Games People Play" qui a été diffusé à la radio. Le reste de l'album manque de compositions mémorables et de direction. Eye in the Sky était le suivant dans la file d'attente et le dernier retour avant la chute brutale de l'inspiration.

Sorti pour la première fois en mai 1982, c'est le sixième des onze albums du Alan Parsons Project. Bien que beaucoup moins complexe que les précédents projets de Parsons, il contient le plus grand succès du groupe, la chanson titre. Naturellement, Parsons a produit et conçu l'album, avec l'aide de l'ingénieur Tony Richards. Il a été enregistré sur du matériel analogique, puis mixé directement sur bande numérique, le master numérique étant encodé par le système de bande vidéo Sony PCM 1610, alors omniprésent.

Un master analogique 1/2″ 30 IPS était également utilisé simultanément à l'époque, peut-être comme bande de sauvegarde parallèle, étant donné que le mixage et le mastering numériques en étaient encore à leurs débuts à l'époque. Tous les enregistrements et le mixage ont été effectués à Abbey Road Studios à Londres, Royaume-Uni.

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Avertissement: Le texte suivant peut contenir des opinions tranchées. Le lecteur est invité à faire preuve de discernement.

"Ne laissez pas de fausses illusions derrière vous..."

Vous devez maintenant savoir que depuis le dernier trimestre, la planète Terre "audiophile" tourne autour d'une singularité : la découverte de la DSD256 dans l'univers MoFi de la Voie lactée. Oui, un trou noir a aspiré l'énergie positive tout autour de nous, perturbant le flux normal d'électrons et de positrons dans notre vie quotidienne. Voici mon point de vue sur le sujet antimatière:

Pour nous, humains, il y a deux choses dans la vie qui sont particulièrement difficiles à digérer : la première est de se sentir trompé par un partenaire de longue date en qui nous avions mis notre confiance ; la seconde - et peut-être encore plus difficile à supporter pour certains - est de devoir admettre qu'une conviction préconçue, aussi solide qu'elle ait pu paraître, peut se révéler infondée. Chaque personne réagira différemment, mais en ce qui me concerne, j'ai été à la fois ébranlée et ébranlante. et Lorsque de telles situations se présentent, j'essaie de trouver un côté positif - et non, dans ce cas, je ne parle pas d'un disque compact. En revoyant ma vaste collection de titres MoFi, je me suis posé une question simple : Leur son est-il toujours aussi impressionnant que je l'ai trouvé par le passé ? Et pour la grande majorité d'entre eux, la réponse a été un retentissant oui ! Bien sûr, quelques titres n'étaient pas au même niveau sonore que d'autres, mais cela a toujours été le cas auparavant, tout comme avec d'autres labels concurrents. Certes, la pilule est dure à avaler pour certains d'entre nous, aficionados de l'analogique, mais nier la vérité serait se mentir à soi-même. Quel est donc ce rayon de soleil provenant d'Orion, me direz-vous ? Étant donné que pendant des années, moi et tant d'autres n'avons jamais détecté la moindre trace numérique en jouant nos MoFis préférés, ce rayon de soleil est la prise de conscience soudaine que le numérique, sous certaines formes, peut non seulement sonner de manière extrêmement transparente, mais aussi, si j'ose dire, peut-être même surpasser le son de l'analogique pur lorsque les deux technologies combinent leurs forces. En y réfléchissant, on peut faire une analogie avec le film "analogique" ; certes, le film se déplace dans un mouvement continu, mais il projette, dans un sens, une série d'échantillons d'images individuelles d'un événement en constante évolution, à un taux typique de 24 images par seconde. Cela vous rappelle quelque chose ? Et est-ce que quelqu'un regarde de haut des chefs-d'œuvre cinématographiques visuels tels que Lawrence d'Arabie simplement parce qu'ils sont lus par le biais d'images assemblées ?  

Comparaisons...   

Je n'ai pas l'original britannique dans ma collection mais j'ai un premier pressage canadien en parfait état acheté lors de la première sortie. Il s'agit d'une pochette de disque classique, mais avec une feuille d'or pour le motif de l'œil. La pochette intérieure en papier vert assortie contient les paroles d'un côté et les crédits de l'autre. Typique de l'époque, le vinyle est assez fin et souple, probablement autour de 120 grammes, et les deux faces sont visuellement similaires avec environ un demi-pouce de cire morte.

En revanche, la pochette de MoFi est un gatefold solide et non laminé qui contient les deux vinyles 180g, 45 tours, avec les paroles et les crédits imprimés en or à l'intérieur. Il aurait été intéressant d'ajouter cette feuille d'or au motif de l'œil en guise d'illustration subtile. clin d'oeil à l'œuvre d'art originale.

L'illustration suit la présentation typique des pochettes de MoFi, qui, lors de son lancement vers 2005, était supérieure à celle des autres labels de remasterisation. Aujourd'hui, en 2022, la donne a changé et MoFi doit faire face à une forte concurrence de la part de labels tels que Tone Poet et Acoustic Sounds, qui proposent des pochettes laminées avec de superbes photos internes.

Méthodologie...

L'ingénieur Krieg Wunderlich, assisté de Rob LoVerde, a utilisé comme source le master analogique original 1/2″ 30 IPS (et non le master numérique original PCM 1610), qu'il a converti au format DSD256. Ce dernier a ensuite été transmis par leur console analogique au tour de découpe. Le placage et le pressage ont été effectués chez RTI en Californie et les disques ont été insérés dans les pochettes intérieures HDPE standard de MoFi, ainsi que dans un carton plié affichant les publications de la société. Comme d'habitude avec MoFi, l'étiquette originale est remplacée par l'omniprésente étiquette noire qui arbore maintenant un liseré vert en haut. Le vinyle est brillant, bien centré et silencieux pendant toute la durée de la lecture.

J'ai toujours pensé que le pressage canadien de 1982 avait un assez bon son et qu'il était supérieur à la moyenne pour cette période. Les studios introduisaient généralement plus d'équipements numériques et l'industrie musicale dans son ensemble se dirigeait vers un niveau plus élevé de compression dynamique avant d'atteindre le véritable niveau de qualité. les guerres du volume sonore des années 1990 et suivantes. Cela dit, j'ai trouvé que l'équilibre tonal était proche de la neutralité, mais un peu mince dans la grosse caisse et le bas du spectre, et que les médiums supérieurs étaient un peu trop élevés en raison d'une surcompression, ce qui décourageait de monter le volume pendant l'écoute. La scène sonore était excellente et bien équilibrée, comme on peut s'y attendre d'une production d'Alan Parsons. Sur le plan musical, j'ai beaucoup aimé la chanson titre et son intro "Sirius", ainsi que l'instrumental "Mammagamma", qui ressemble à "Run Like Hell" de Pink Floyd, extrait de Le murMais j'ai eu l'impression que les autres chansons ont perdu mon intérêt pour une raison ou pour une autre par rapport aux premières compositions musicales de Parsons.

"Et je n'ai pas besoin d'en voir plus pour savoir que..."

Tout simplement, ce dernier MoFi m'a époustouflé et a écrasé la première presse canadienne. Dès le début, la première vibration basse s'estompe et c'est comme si j'avais énergisé mon sub - le fait est que je n'ai pas de sub ! Même à bas niveau, on ressent la profondeur des graves et le crescendo qui s'ensuit, rappelant la première fois que j'ai assisté à l'intro THX Deep Note dans un cinéma certifié THX à la sonorité merveilleuse. Ensuite, le célèbre riff-loop de clavinet échantillonné par Fairlight CMI fait son entrée. Il est suivi par le fondu enchaîné de la puissante grosse caisse au centre de la scène, qui est plus percutante que dans le premier pressage canadien. Les intervalles de huit temps des coups de guitare sont également plus dramatiques ; le charleston entre en scène, puis la caisse claire et les cordes. C'est comme si les Romains entraient dans le Colisée. La scène sonore s'étend dans toutes les directions, la hauteur semble ne pas avoir de limite, toute ma salle audio de 700 pieds carrés au sous-sol se transforme en un hologramme virtuel inondé de son. La guitare électrique entre en scène et s'insère juste au bon niveau, puis s'efface, ne laissant que le délai de synthétiseur à balayage rapide du champ proche sur un fond noir qui aspire l'air autour de nous. Nous entrons dans le morceau-titre et un énorme lit sonore apparaît, que Boucle d'or qualifierait de "juste comme il faut", portant les marques sonores des JBL 4520 équipées de haut-parleurs de graves en alnico et de haut-parleurs d'aigus à lentilles en corne jouant dans les discothèques de la fin des années soixante-dix. La caisse claire présente la proportion parfaite d'attaque rapide pour faire taper du pied et de relâchement lent pour prolonger le plaisir et créer un espace de respiration dans le mixage et le flux rythmique, c'est-à-dire ce que les ingénieurs appellent les paramètres sonores ADSR. Les voix arrivent au bon niveau et avec la chaleur nécessaire pour communiquer la désillusion émotionnelle et le détachement du chanteur à l'égard de sa relation. Il est facile de distinguer la différence de timbre entre les chœurs et la voix principale de Woolfson, même pendant les overdubs. Le roulement rapide de la caisse claire après "I can cheat you blind" a ce claquement réaliste, tandis que la batterie affiche ce bruit sourd que l'on obtient avec une peau de batterie bien tendue - ce genre de détails est ce qui distingue les grands remastériseurs des autres. I Robot Sur ce disque à double 45 tours, l'équilibre tonal est complet et parfait, à tel point qu'il n'y a aucune fatigue auditive, conduisant parfois à des niveaux de volume élevés de plus de 90 dB sur la chaise d'écoute sans que je m'en aperçoive ! Paradoxalement, l'ensemble de la présentation sonne doux comme du beurre, mais le tissu rythmique reste intact et le rythme ne ralentit pas. Le son global est plein, chaud et luxuriant, mais jamais terne. Inutile de dire que je suis en extase ! "Children of the Sun" fait syncoper la caisse claire et le charleston à une vitesse vertigineuse, la grosse caisse marquant la pulsation métronomique. Il progresse vers une royauté symphonique et une marche militaire qui vous fait sentir que les bottes sur le terrain piétinent sur le pas de votre porte.

Le morceau "Gemini" de la face B fond dans vos oreilles alors que le canon de la voix céleste s'amplifie avec l'ajout de la réverbération. L'enveloppe vocale est vraiment céleste et fait allusion à la Beach Boys’ Pet Sounds album. "Silence and I" commence en douceur au piano, puis ajoute des voix et des cordes. Lentement, la structure de la chanson atteint des sommets grandioses, puis change brusquement de tempo, comme dans un Riverdance Le son est d'abord musical, puis passe à des cors français cinématographiques qui sonnent de façon absolument romane et d'un réalisme fascinant.

Je ne m'étendrai pas sur le son du reste de l'album, si ce n'est qu'il s'agit de l'un des enregistrements pop/rock les plus uniformes qu'il m'ait été donné d'entendre, à la seule exception du morceau "You're Gonna Get Your Fingers Burned" de la face C, qui, malheureusement, a été fortement compressé sur le master, ce qui l'a rendu trop fort et un peu fatigant par rapport aux autres morceaux. Pour cette raison, ma seule critique mineure est que MoFi n'a pas baissé le niveau moyen sur ce morceau pour le faire correspondre subjectivement au niveau sonore des autres morceaux qui sont beaucoup plus dynamiques, afin d'éviter que je doive réajuster le volume avant et après la lecture du morceau. Musicalement, elle ne semble pas bien s'intégrer non plus, comme si quelqu'un avait suggéré "les gars, on a besoin d'une chanson pop-rock commerciale à guitares en vitesse" - ce qui explique ma légère rétrogradation par rapport à un "10 parfait" dans la section d'évaluation en haut de cet article. J'ai essayé d'imaginer ce qu'une version "One-Step" pourrait améliorer, et la seule chose qui m'est venue à l'esprit est d'avoir peut-être un peu plus de définition dans les basses les plus profondes, et même cette différence pourrait se retourner contre moi étant donné l'équilibre délicat que MoFi a atteint ici. Alors, MoFi, n'osez même pas vous engager dans cette voie, et fixez plutôt vos objectifs sur les points suivants Pyramide pour les prochaines parutions de Parsons.

Je n'ai pas eu l'édition 2007 de Speakers Corner Records [AL 9599] remastérisée et gravée par Rob LoVerde aux Sony Music Studios, à New York, et pressée par Pallas en Allemagne, je ne peux donc pas la commenter, mais par un drôle de coup du sort, LoVerde est également crédité pour avoir assisté Krieg Wunderlich dans cette édition de MoFi.

Malgré le "scandale" et le "pas" DSD256, cette remasterisation récemment publiée par MoFi est l'album d'Alan Parsons Project le plus analogique que j'aie jamais entendu et, ironiquement, c'est probablement le disque MoFi le plus analogique de tous les temps - dans la même ligue que l'album de Gino Vannelli, "Le son du monde". Personnes puissantes [MFSL 1-041], coupé à mi-vitesse en analogique par Stan Ricker en 1980, pas moins! Gardez à l'esprit que je possède les six premiers albums des Alan Parsons Projects dans de multiples versions, y compris la plupart des originaux britanniques, quelques premiers pressages allemands et japonais entièrement analogiques, les albums de Classic Records I Robot et trois versions MoFi différentes parmi un total de cent MoFis couvrant les premiers pressages JVC, la série 200 de l'ANADISQ et jusqu'aux versions actuelles. Parmi ces MoFis, je possède neuf "One-Steps" dans ma collection. Il est clair que Krieg Wunderlich a opéré sa magie avec cette dernière version et qu'il a une fois de plus sorti le grand jeu !

Maintenant que l'Internet est en pleine effervescence à propos de la transparence, une divulgation complète : j'ai reçu cette édition MoFi en tant que copie promotionnelle, mais plus important encore, maintenant que je l'ai entendue, la question est : est-ce que je dépenserais mon argent durement gagné pour l'acheter ? Absolument oui, sans la moindre hésitation, et je l'ai déjà recommandé à plusieurs reprises à mes amis audiophiles. C'est dire à quel point il est fantastique.

Qu'avons-nous donc appris, chers mélomanes, collectionneurs de vinyles et audiophiles ?

1. La vérité vous rendra libre.
2. La transparence est essentielle.
3. Le DSD est subjectivement transparent et ne transmet pas de trace numérique ou d'image. arrière-goût.
4. Lorsqu'il s'agit d'une source analogique, l'utilisation d'un fichier DSD présente l'avantage important de préserver les bandes magnétiques précieuses, historiques et fragiles d'une dégradation supplémentaire ou, à Dieu ne plaise, d'une détérioration grave due à une utilisation répétée de la bande. Elle ouvre l'industrie de la remastérisation à un plus grand nombre de genres musicaux et aux coffres des grandes maisons de disques qui pourraient refuser de prêter leurs bandes maîtresses. En outre, l'ingénieur de masterisation et le label sont libres d'expérimenter jusqu'au dernier degré en utilisant les meilleures pratiques d'égalisation et de découpe, sans pression ni contrainte de temps, afin d'atteindre le summum de la reproduction sonore auquel nous aspirons tous.
5. Dans toutes les chaînes de fabrication, tout est important, mais dans le domaine de la remasterisation d'un album et du produit sonore final, l'inclusion du DSD se situe très loin dans la liste des altérations sonores subjectives, et est tout au plus négligeable. Les facteurs les plus importants sont, de loin, le son et l'état de la bande source, son transfert, l'expérience et les choix sonores de l'ingénieur de masterisation, l'équipement (magnétophones à bobines, égaliseurs, limiteurs, tours de découpe, etc.) ). Il y a aussi le placage, les pères, les mères, les estampilleuses et l'usine de pressage. Tous sont prioritaires par rapport à "est-ce vraiment AAA", ou "est-ce que ça pourrait être AADSDA", ou n'importe quel autre sigle sur lequel on se base pour acheter un disque. Je me fie à mes oreilles et elles me disent ceci Eye in the Sky est un homerun de haute volée !

Le personnel :

• Alan Parsons - claviers, programmation Fairlight, voix
• Andrew Powell - arrangement orchestral, chef d'orchestre et piano
• Eric Woolfson - voix principale, claviers (pistes 2, 5, 12 et 14)
• Stuart Elliott - batterie, percussions
• David Paton - basse, voix principale (piste 3)
• Ian Bainrson - guitares acoustiques et électriques
• Mel Collins - saxophone
• Chris Rainbow - voix principale (piste 4)
• Lenny Zakatek - voix principale (pistes 6 et 9)
• Elmer Gantry - voix principale (piste 7)
• Colin Blunstone - voix principale (piste 10)
• The English Chorale - voix de chœur
• Bob Howes - chef de chœur
  
  

Crédits supplémentaires :

• Produit par Alan Parsons
• Producteur exécutif - Eric Woolfson
• Enregistré en 1981-1982 aux studios Abbey Road, Londres, Royaume-Uni
• Enregistré par Alan Parsons avec l'aide de l'ingénieur Tony Richards.
• Coordinateur et consultant en mastering - Chris Blair
• Remasterisé et laqué par Krieg Wunderlich et assisté par Rob LoVerde au Mobile Fidelity Sound Lab à Sebastopol, CA.
• Plaqué et pressé par RTI, CA, USA
• Direction artistique par Roland Young
• Pochettes réalisées par APB, Colin Chambers et Hipgnosis
• Photographie de Keith W. Lehman
  
  

Pour plus d’information sur la musique par Claude Lemaire, visitez :

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