Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio, avec qui PMA entretient un programme d’échange de contenu.

La musique enregistrée sur bande analogique et publiée sur vinyle dans les années 1970, en particulier, possède une qualité captivante qui s’est ancrée dans la mémoire de nombreux mélomanes et audiophiles. Bien que la technologie numérique ait dépassé la bande analogique en termes de rapport signal/bruit mesurable et d'autres critères acoustiques, les éléments immatériels de la musique intemporelle de cette époque et de ce format continuent d’être salués par beaucoup comme le sommet de l’art musical, tant sur le plan artistique que sonore.

Pour marquer son 75ᵉ anniversaire, McIntosh Labs s’associe au studio de masterisation Sterling Sound pour produire une série de disques vinyles AAA enregistrés sur bande analogique. Ces enregistrements visent à tirer parti de l’engouement croissant pour le vinyle tout en illustrant ce qu’un son d’avant-garde peut offrir lorsque l’on combine un équipement et des studios de classe mondiale à un niveau exceptionnel de virtuosité musicale.

Acclamé pour son jeu de batterie emblématique aux côtés de Jaco Pastorius dans Weather Report, ainsi qu’avec Joni Mitchell, Pat Metheny, Steely Dan, Stan Kenton et bien d’autres, Peter Erskine s’est également illustré par ses enregistrements légendaires pour ECM, ses bandes originales de films et ses œuvres orchestrales. Lauréat d’un Grammy Award, il compte plus de 700 crédits d’enregistrement à son actif et enseigne en tant que professeur de musique à l’Université de Californie du Sud (USC).

Premier artiste à présenter cette collaboration McIntosh/Sterling, Peter Erskine dirige un quartet composé de lui-même à la batterie, Alan Pasqua au piano, Bob Mintzer au saxophone et Darek Oles à la basse. McIntosh SESSIONS Volume 1 : The Peter Erskine Quartet. Les huit compositions ont été enregistrées au Studio A des studios d'enregistrement Henson (anciennement A&M) à Hollywood et masterisées au Sterling Sound à Nashville. Produit par Jeff Levenson, il a été enregistré et mixé par Rich Breen.

Avec pour objectif de McIntosh de reproduire lors de la lecture le son exact perçu par le producteur et l’ingénieur en studio au moment de l’enregistrement, un enregistreur classique Studer A800 MkIII – 2 pouces, 24 pistes, similaire à celui utilisé par Prince à Paisley Park, a été employé, accompagné de bandes RTM SM900. Le mixage stéréo 2 pistes a ensuite été réalisé sur une platine stéréo Ampex ATR 102 1/2 pouce.

Le matériel McIntosh utilisé pour la lecture comprenait ses célèbres préamplis C8 à tubes, ses amplificateurs de puissance MC830 à semi-conducteurs, ses moniteurs XR50 ainsi que les platines MT5 et MT10.

McIntosh SESSIONS, Volume 1 démarre sur les chapeaux de roue avec « Leaving L.A. », introduit par Erskine et Oles avec un duo batterie-basse. Oles ouvre le bal avec un premier solo, suivi de Pasqua, Mintzer, puis Erskine lui-même. Le riff principal ne fait que de brèves apparitions, servant uniquement à encadrer les solos et à mettre en lumière la virtuosité de chaque musicien.

« Old Friends » évoque les musiques de Henry Mancini pour The Pink Panther, avec une contrebasse fluide et un saxophone ténor au timbre rauque. Le solo de piano d'Alan Pasqua fait également écho aux années 1960, rappelant le style de Vince Guaraldi. Vers la fin, l’échange en call-and-response mené par la batterie d’Erskine illustre sa philosophie de « composer avec ses tambours », qu’il a déjà évoquée dans des interviews passées.

« Chillispo » est un morceau enjoué et optimiste qui débute à la batterie et se déroule dans une ambiance légère et agréable, ponctuée de divers solos. Le solo de batterie tout en retenue d’Erskine constitue le point culminant de la piste.

Erskine a expliqué que l’un des défis de l’enregistrement sur bande analogique réside dans la pression de « réussir en direct », car le processus d’enregistrement numérique, avec sa facilité d’édition et de correction des notes, peut ostensiblement conduire les musiciens à manquer de concentration et d’intensité, compromettant leur capacité à « donner le meilleur d’eux-mêmes » lors d’une prise.

Le saxophone évocateur de Mintzer et les nuances texturées du piano de Pasqua sont à l’honneur dans « Gumbo Time », tandis que la remarquable contrebasse d’Ole introduit et instaure l’ambiance de « Into the Dark ». Le riff à deux accords de ce morceau, combiné à la montée en tension suivie du relâchement orchestré par la batterie d’Erskine, évoque les bandes originales des films d’espionnage et des drames policiers des années 1970. « A Few Good Notes » offre à Mintzer et Ole l’occasion de briller sur cette mélodie dynamique, avec Erskine et Pasqua les soutenant et répondant par des phrases musicales qui viennent ponctuer les lignes de saxophone et de basse.

« David’s Blues », composé par Erskine, débute par une ligne chromatique qui pourrait évoquer Ornette Coleman, avant de basculer rapidement dans un groove auquel les quatre musiciens s’accordent parfaitement. Mintzer propose un solo de saxophone légèrement plus dissonant que sur les autres morceaux, tandis que Pasqua apporte une touche de légèreté en puisant dans des phrasés à la Chick Corea. Les solos étendus d’Erskine constituent le point culminant de la pièce, illustrant sa maîtrise de la batterie, qu’il s’agisse de phrases minimalistes aux cymbales ou de roulements polyrythmiques spectaculaires.

Le dernier morceau, « The Folks », débute par une introduction au saxophone et au piano qui évoque le style de Toshiko Akiyoshi et Lew Tabackin. Les phrasés du piano, ainsi que la progression de la composition, s’inscrivent pleinement dans l’univers musical de Pasqua, avant de se conclure sur les délicats roulements de balais d’Erskine à la caisse claire.

Les Sessions McIntosh – Volume 1 est irréprochable sur le plan sonore, même sur la version en streaming que j’ai pu écouter pour cette critique. Du point de vue des performances, ce nouvel album du Peter Erskine Quartet se hisse au même niveau que ses enregistrements ECM avec John Scofield, Bill Frisell, John Abercrombie, Gary Peacock et Mark Johnson. Sans surprise, ces albums, plébiscités par les audiophiles, avaient eux aussi été enregistrés sur bande analogique, en direct et sans overdubs.

Manfred Eicher savait que l’enregistrement en direct de musiciens de haut niveau capturait une magie qui pouvait se perdre avec l’overdubbing, un exploit qu’il a réalisé avec les meilleurs albums d’ECM. La série McIntosh rend hommage à cette tradition et, espérons-le, contribuera à la faire revivre pour une nouvelle génération de passionnés de vinyle.

Commentaires de Frank Doris :

J'ai écouté un flux haute résolution 44.1/24 sur mon ordinateur de bureau haut de gamme ainsi que sur mon système principal (équipé d’enceintes PS Audio Aspen FR10). Comme John, je n’ai pas voulu profiter d’une copie gratuite d’un LP à 150 $ (qui sera probablement très prisé par les amateurs de McIntosh), donc ce n’est pas une comparaison stricte. Cela dit, le commentaire de John affirmant que cet enregistrement est « immaculé sur le plan sonore » résume parfaitement la situation. Les deux premiers mots de mes notes d’écoute sont « excellente clarté ».

Les descriptions musicales de John sont parfaitement justes, mais je ne peux m’empêcher de mentionner que j’ai adoré la citation au saxophone de Bob Mintzer tirée de « Somewhere in Paradise » dans « David’s Blues ». L’album regorge de nombreux moments musicaux mémorables.

Le son penche davantage vers la luminosité que vers l’obscurité, sans pour autant être un enregistrement « éclatant ». Les instruments bénéficient d’une définition et d’un poids remarquables, avec une solidité et une attaque dynamique du piano, en particulier, qui font souvent défaut dans les enregistrements de piano jazz. Les instruments sont parfaitement positionnés dans le champ sonore, avec un équilibre excellent. Le son est ouvert, aérien, et, effectivement, évoque l’ampleur caractéristique des enregistrements ECM.

Comme on pouvait s’y attendre, étant donné que le batteur Peter Erskine dirige le groupe, le son de la batterie est tout simplement sensationnel. L’impact dynamique peut être saisissant lorsque la musique le demande (et Erskine ne surjoue jamais). La tonalité et l’accordage de la batterie sont un pur plaisir à écouter, qu’il s’agisse du caractère distinct de chaque tom ou du léger « after-ring » de la caisse claire, qui ajoute tant de vivacité et de personnalité. La maîtrise d’Erskine des nuances dynamiques et des textures percussives est remarquable. Tantôt, la batterie apporte une subtile coloration ; tantôt, elle propulse la musique avec une autorité impressionnante.

Avant tout, cet enregistrement vous fait réellement percevoir les nuances musicales qui témoignent que vous êtes en train d’écouter des maîtres musiciens jouer ensemble, avec une cohésion que seuls des artistes de ce calibre peuvent atteindre. Bien joué !

Reproduit avec l'autorisation de l'auteur. Pour plus d'articles comme celui-ci, visitez Copper Magazine.