Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio, avec qui PMA entretient un programme d’échange de contenu.

Introduction

L'origine du rock and roll est un sujet très débattu dans la musique populaire. Certains en attribuent les débuts à Bill Haley and the Comets avec « Rock Around the Clock ». C’est inexact. « Rock Around the Clock » a été la première chanson qualifiée de « rock and roll » à atteindre la tête des hit-parades de la musique populaire. Mais en aucun cas elle ne marque la genèse du genre.

L’une des premières occurrences de l’association des termes « rock » et « roll » remonte à une chanson de 1922 de la chanteuse et actrice Trixie Smith, « My Baby Rocks Me With One Steady Roll ». À l’époque, « rock » et « roll » étaient des expressions argotiques désignant les rapports sexuels. Plus tard, Sister Rosetta Tharpe et d’autres artistes de rhythm and blues (R&B) des années 1940 sont considérés comme des figures majeures ayant façonné le rock and roll. Parmi ses contemporains, on compte Big Joe Turner, Wynonie Harris et Louis Jordan. Beaucoup estiment que « Rocket 88 », enregistrée en 1951 par Jackie Brenston et ses Delta Cats, est la première véritable chanson de rock and roll. (En réalité, les Delta Cats étaient Ike Turner et son groupe, avec Brenston au chant.) « Rocket 88 » a atteint la première place des classements R&B. Toujours en 1951, le légendaire disc-jockey Alan Freed a commencé à utiliser régulièrement le terme « rock and roll » pour désigner la musique dans son émission de radio grand public. C’est sans doute à ce moment-là que le genre a commencé à s’institutionnaliser.

Avec cette histoire en tête, j’ai commencé à concevoir un article sur le R&B des années 1940 comme racine du rock and roll. En tant que guide au Musée des Instruments de Musique de Phoenix, en Arizona, j’anime des visites pour un public très varié. Un jour, j’ai passé deux heures à faire visiter le musée à une ingénieure renommée de l’industrie du disque. Lorsque j’ai mentionné mon idée d’article, elle m’a répondu que, selon elle, il est impossible d’identifier les véritables origines d’un genre musical, car toute influence a elle-même des racines plus anciennes. C’est en gardant cela à l’esprit que j’ai ajouté « en quelque sorte » au titre de cet article.

Alan Freed a déclaré : « Le rock and roll, c’est du swing avec un nom moderne. Il est né sur les digues et dans les plantations, s’est nourri de chansons folkloriques et se caractérise par le blues et le rythme. » Du swing avec un nom moderne ! Évidemment, le swing dominait la musique des big bands. Il est intéressant de noter que l’ingénieure mentionnée plus haut considérait Benny Goodman, le « roi du swing », comme un acteur clé du développement du rock and roll.

Cet article est le premier de deux consacrés à certains artistes de R&B des années 1940 et du début des années 1950 qui ont influencé le développement du rock and roll.

Big Joe Turner

Joseph Vernon Turner Jr., connu sous le nom de Big Joe Turner, est né en 1911 à Kansas City, dans le Missouri. Son surnom de « Big Joe » lui vient de sa grande stature et de sa voix puissante. Il était connu comme un « shouter » de blues, c'est-à-dire un chanteur capable de se faire entendre sans amplification au sein d’un groupe. Très jeune, il chante à l’église et se produit dans la rue en échange de quelques pourboires. Turner quitte l'école à 14 ans pour travailler dans des boîtes de nuit, où il se forge une réputation de « barman chanteur ». Sa carrière débute à la fin des années 1920, lorsqu’il se produit à Kansas City avec, entre autres, l’orchestre de Count Basie. Un tournant décisif dans sa carrière survient lorsqu’il est découvert par John Hammond, célèbre dénicheur de talents, qui l’emmène à New York en 1938 pour chanter au Carnegie Hall.

En 1939, Turner entame un engagement de longue durée au Café Society de New York, partageant parfois l'affiche avec des artistes tels que Billie Holiday. L'année suivante, il signe un contrat avec Decca Records. En 1941, il part pour Los Angeles afin de participer à une revue dirigée par Duke Ellington. Il se construit une solide base de fans sur la côte Ouest et y reste plusieurs années. En 1945, il signe avec National Records et commence à se produire avec des formations plus réduites, en partie à cause du déclin progressif de l’ère des big bands. Il enregistre « My Gal’s a Jockey », qui devient son premier succès national dans les classements R&B. À la fin des années 1940, la plupart des labels indépendants de la côte Ouest mettent en avant ses chansons.

Le tournant décisif de sa carrière arrive en 1951, lorsque des dirigeants d'Atlantic Records le repèrent en train de chanter avec l'orchestre de Count Basie à l’Apollo Theater. Ils lui font signer un contrat, et il enchaîne alors les succès R&B. Certains de ses morceaux sont jugés osés, au point que certaines stations de radio refusent de les diffuser. En 1954, il sort « Shake, Rattle and Roll », son titre emblématique, qui atteint la première place du classement R&B. Ce morceau précède de plusieurs mois « Rock Around the Clock » de Bill Haley, mais n’obtient pas la même reconnaissance. À cette époque, il était très difficile pour un artiste noir d’accéder aux classements de la musique populaire. Parmi les autres succès de Turner figurent « Flip, Flop and Fly » et « Corrine, Corrina », sortis peu après. Plus tard, Bill Haley enregistre une version édulcorée de « Shake, Rattle and Roll », expurgeant les paroles suggestives de l’original. 

À la fin des années 1950, Atlantic Records cherche activement à développer le marché émergent des albums destinés aux adultes (AOR) et décide de mettre Turner en avant dans de petits combos de jazz. Il choisit bientôt de quitter Atlantic et continue à se produire jusqu'à sa mort en 1985. Turner est intronisé au Blues Hall of Fame en 1983. Sa biographie officielle le décrit comme « un roi du jump blues, un chanteur de boogie-woogie, un précurseur du rhythm and blues et du rock 'n' roll, et un artiste respecté dans les cercles de jazz. » Turner s’éteint en 1985 et est intronisé à titre posthume au Rock and Roll Hall of Fame.

The Mills Brothers

Les quatre frères Mills, John Jr., Herbert, Harry et Donald, sont nés entre 1910 et 1915 à Piqua, dans l'Ohio. Ils ont été le premier groupe vocal noir à connaître un large succès auprès du public blanc. Leur père possédait un salon de coiffure et avait fondé un quatuor de barbiers. C’est d’ailleurs dans ce salon que les Mills Brothers ont commencé à s’entraîner. 

Encore adolescents, leur grande opportunité survient en 1928 lorsqu’ils signent un contrat pour chanter sur une station de radio de Cincinnati. Duke Ellington, impressionné par leur prestation, facilite leur signature chez Okeh Records et leur installation à New York. Ils obtiennent ensuite un contrat avec CBS Radio, devenant ainsi les premiers artistes noirs à animer une émission sur un réseau national. En 1934, ils deviennent également les premiers Afro-Américains à se produire devant la royauté britannique, le roi George V et la reine Mary. Au cours des années 1930 et 1940, ils apparaissent également dans plusieurs films. 

Durant ces premières années, les Mills Brothers développent une particularité qui fait leur renommée : ils imitent divers instruments de musique uniquement avec leur voix, notamment la trompette, le saxophone, le trombone et le tuba. Ainsi, leurs disques étaient accompagnés de la mention suivante : « Aucun instrument de musique ou dispositif mécanique n'a été utilisé pour cet enregistrement, à l'exception d'une guitare. » Les Mills Brothers enchaînent rapidement les succès. En 1931, « Tiger Rag » atteint la première place du hit-parade de la musique populaire, tout comme « Dinah », qu’ils interprètent avec Bing Crosby. Plus tard dans la décennie, ils enregistrent avec Ella Fitzgerald, Louis Armstrong et d'autres grandes vedettes.

Leur popularité commence à s’estomper à la fin des années 1930. Mais tout change pendant la Seconde Guerre mondiale, et le groupe enchaîne de nouveaux succès numéro 1 avec « Paper Doll » et « You Always Hurt the One You Love ». En 1950, ils comptent plus de 50 titres classés dans les hit-parades. Leur dernier numéro 1, « Glow Worm », date de 1952.

Les Mills Brothers ont été l’un des groupes les plus durables et les plus prospères de l’histoire de la musique populaire, depuis leurs débuts dans les années 1920. John Jr., qui jouait également de la guitare, décède en 1936 et est remplacé par leur père, John Sr., accompagné d’un guitariste. John Sr. reste dans le groupe jusqu'à sa retraite en 1956. Les trois frères restants continuent à se produire jusqu’à la mort de Harry en 1982. En tout, la carrière des Mills Brothers s’étend sur sept décennies !

Avec leur style vocal novateur en harmonie à quatre voix, les Mills Brothers sont considérés comme des contributeurs majeurs au développement du doo-wop et de la musique soul. Ils ont enregistré plus de 2 000 titres, vendu plus de 50 millions d’exemplaires et accumulé trois douzaines de disques d’or. En 1998, ils sont intronisés au Vocal Group Hall of Fame.

Ruth Brown

Ruth Brown (née Ruth Weston) est née à Portsmouth, en Virginie, en 1928. Son père était directeur de la chorale de l’église, et elle a commencé à chanter à l’âge de quatre ans. À l’adolescence, inspirée par des artistes comme Sarah Vaughan et Dinah Washington, elle se détourne progressivement de la musique religieuse. Elle commence alors à se produire en cachette dans les clubs de la région. À 17 ans, elle s’enfuit à Washington avec le trompettiste Jimmy Earle Brown, qu’elle épouse peu après, devenant ainsi Ruth Brown. Lorsqu’elle découvre que son mari est déjà marié, leur union est annulée. Après avoir perdu un emploi de chanteuse d’orchestre, elle est engagée par Blanche Callaway, la sœur de Cab Callaway, pour chanter dans la boîte de nuit qu’elle dirige à Washington.

Blanche Callaway devient le manager de Brown et l'aide à obtenir un contrat avec la toute nouvelle maison de disques Atlantic Records. Un très grave accident de voiture retarde ses débuts, mais Brown finit par enregistrer "So Long" en 1949. Cette chanson atteint la quatrième place du palmarès R&B et est suivie de "Teardrops From My Eyes", qui occupe la première place du palmarès pendant 12 semaines. Little Richard, était un grand fan de Brown et on dit que c'est lui qui lui a appris ces grincements de voix dans les aigus de certaines de ses chansons.

Brown devient la chanteuse noire la plus vendue des années 1950. En 1952, « 5 – 10 – 15 Hours » atteint la première place du classement R&B, suivie en 1953 par « (Mama) He Treats Your Daughter Mean ». Brown est la star la plus prolifique d’Atlantic Records à ses débuts, au point que le label est parfois surnommé « la maison que Ruth a construite », en référence au Yankee Stadium et à Babe Ruth. À la fin des années 1950, elle connaît également un succès dans la pop avec des titres comme « Lucky Lips » et « This Little Girl’s Gone Rockin’ ». Au total, Brown a classé 21 chansons dans le Top 10 R&B au cours de cette décennie !

Sa collaboration avec Atlantic Records prend fin en 1960. Elle passe alors plus de dix ans dans l’anonymat, travaillant comme conductrice de bus scolaire et occupant divers emplois peu rémunérés. Au milieu des années 1970, elle amorce un retour en tant qu’actrice, d’abord dans des comédies télévisées, puis au cinéma et sur scène. En 1989, elle remporte le Tony Award de la meilleure actrice dans une comédie musicale pour son rôle dans la pièce Black and Blue. L’année suivante, elle décroche un Grammy Award de la meilleure performance vocale féminine dans la catégorie jazz. Plus tard, elle reçoit également un Grammy Lifetime Achievement Award et est intronisée au Rock and Roll Hall of Fame. Ruth Brown continue à se produire jusqu’en 2006, année de son décès à l’âge de 78 ans.

Sonny Til and the Orioles

Sonny Til (né Earlington Tilghman) est né à Baltimore, dans le Maryland, en 1928. Til et d'autres personnes rencontrées lors de concours de talents à Baltimore ont formé un groupe appelé les Vibronaires en 1947. Après avoir chanté au coin des rues, ils ont été invités à chanter dans un bar local où ils ont rencontré Deborah Chessler, qui est devenue leur manager. Chessler s'est arrangée pour qu'ils se rendent à New York pour participer à l'émission Arthur Godfrey's Talent Scouts. Cela leur a permis de signer un contrat avec Jubilee Records, et ils ont changé leur nom en Orioles en l'honneur de l'oiseau de l'État du Maryland.

À l’origine destinée à être la face B de leur premier disque, « It’s Too Soon to Know » (écrite par Chessler) devient un succès retentissant, avec 30 000 exemplaires vendus dès la première semaine. La chanson atteint rapidement la première place du classement R&B et se hisse dans le Top 15 des hit-parades de musique populaire. Elle est reprise par Ella Fitzgerald, Dinah Washington et bien d’autres artistes. « It’s Too Soon to Know » contribue à poser les bases d’un nouveau genre musical mêlant thèmes romantiques, interprétation empreinte d’émotion et harmonies à quatre voix. Beaucoup considèrent ce morceau comme l’acte fondateur du doo-wop. Au fil des années suivantes, les Orioles enchaînent les succès dans les classements R&B. Leur prochain numéro 1 est « Tell Me So » en 1949. Sur scène, le groupe provoque une véritable hystérie, avec des jeunes filles criant et se pâmant devant Sonny Til.

En 1950, un tragique accident de voiture coûte la vie à un membre du groupe et en blesse grièvement d'autres. Les deux années suivantes sont relativement calmes, en partie parce que Jubilee Records tente de promouvoir Sonny Til en tant qu’artiste solo. La situation change en 1953, lorsque le groupe recommence à enchaîner les succès, avec en point d’orgue leur chanson emblématique, « Crying in the Chapel ». Ce titre devient leur plus grand succès, restant numéro 1 des classements R&B pendant cinq semaines et atteignant la 11ᵉ place des charts pop. « Crying in the Chapel » est aujourd’hui reconnue comme l’un des premiers morceaux marquants de l’ère doo-wop. Nombre de leurs succès R&B ne parviennent pas à s’imposer dans les classements pop, mais sont repris par des artistes blancs qui, eux, y parviennent. Par exemple, la version de Jo Stafford de leur titre « You Belong to Me » atteint la première place des hit-parades pop.

Les Orioles se dissolvent en 1954. Au cours des 25 années suivantes, Til forme plusieurs nouvelles versions du groupe tout en poursuivant une carrière solo. Il s’éteint en 1981 à l’âge de 53 ans.

Sonny Til et les Orioles sont intronisés au Rock and Roll Hall of Fame ainsi qu’au Vocal Group Hall of Fame. Leur influence sur la musique rock and roll est indéniable. Leur biographie au Rock and Roll Hall of Fame souligne : « Leur fusion du gospel et du R&B a ouvert la voie à des groupes tels que les Four Tops, les Temptations, les Impressions, et bien d’autres. »

Joe Liggins and the Honeydrippers

Theodro Elliott est né à Seminole, dans l'Oklahoma, en 1916. Enfant, il adopte le nom de famille de son beau-père, Liggins. Plus tard, il abandonne Theodro au profit de Joseph et devient connu sous le nom de Joe Liggins. À l'adolescence, sa famille s’installe en Californie, où il étudie la musique à l'Université d'État de San Diego. Après avoir appris à jouer de plusieurs instruments à vent, il se tourne finalement vers le piano.

Liggins s'installe à Los Angeles en 1939 et commence à jouer avec plusieurs groupes. En 1945, il est le pianiste des California Rhythm Rascals de Sammy Franklin. Il compose une chanson intitulée « The Honeydripper » et tente de convaincre Franklin de l’enregistrer. Ce dernier refuse, ce qui pousse Liggins à former son propre groupe, qu’il nomme logiquement les Honeydrippers. Le groupe voit le jour dans le sous-sol de la maison du saxophoniste Little Willie Jackson, à Los Angeles. Jackson restera aux côtés de Liggins pendant 43 ans, jusqu’à la mort de ce dernier en 1987. 

« The Honeydripper » connaît un immense succès, atteignant la première place du classement R&B, où il reste 18 semaines. À ce jour, ce record n’a été égalé que par « Choo Choo Ch’Boogie » de Louis Jordan. Le titre s’écoule à deux millions d’exemplaires et réussit également à percer dans les classements pop, atteignant la 13ᵉ place. Entre 1945 et 1949, Joe Liggins & The Honeydrippers signent 10 succès. En 1946, « I’ve Got a Right to Cry » grimpe à la 12ᵉ place du hit-parade pop. Cette même année, Billboard décrit l’une des chansons des Honeydrippers comme étant « une musique rock and roll bien rythmée », une des premières références au rock and roll dans la presse musicale.

La Cavalcade of Jazz était un grand festival de jazz en plein air qui s’est tenu à Los Angeles de 1945 à 1958. Il a attiré de nombreux géants de l’industrie musicale, parmi lesquels Count Basie, Lionel Hampton, Louis Armstrong, Sarah Vaughan, Dizzy Gillespie, ainsi que plusieurs artistes de rhythm and blues. Joe Liggins and the Honeydrippers s’y est produit plus souvent que n’importe quel autre groupe.

Le label de Liggins fait faillite et il signe avec une nouvelle maison de disques en 1950, retrouvant aussitôt le succès. « Rag Mop » atteint la 4ᵉ place des classements R&B, tandis que « Pink Champagne » s’impose à la 1ʳᵉ place, où il reste 13 semaines. Ce titre devient la chanson R&B numéro 1 de l’année 1950. Liggins continue d’enregistrer pendant encore trois ans, mais peine à s’adapter à l’évolution de la scène musicale. En 1954, son label met fin à leur collaboration. Son âge d’or est révolu. Il poursuit néanmoins sa carrière sur scène jusqu’à son décès en 1987, à l’âge de 71 ans.

Liggins laisse un héritage musical durable. Parmi les artistes ayant repris ses chansons figurent Oscar Peterson, Cab Callaway, Lionel Hampton, King Curtis, Fats Domino et Dr. John.

Sister Rosetta Tharpe

Bien que son nom de naissance (Rosetta Nubin ou Rosie Etta Atkins) reste incertain, Sœur Rosetta Tharpe est née en 1915 à Cotton Plant, dans l'Arkansas. Ses parents, cueilleurs de coton, étaient profondément religieux. Tharpe commence à jouer de la guitare à l'âge de quatre ans. On sait peu de choses sur son père, mais sa mère, joueuse de mandoline accomplie et diaconesse de l'Église de Dieu en Christ (COGIC), joue un rôle clé dans son éducation musicale. Dès l'âge de six ans, Tharpe se produit avec sa mère au sein d’une troupe d’évangélistes itinérants. Elles finissent par s’installer à Chicago, où elles continuent à chanter dans leur église locale ainsi que lors de conventions religieuses à travers les États-Unis. C’est en raison de son appartenance à l’Église que l’on commence à l’appeler « Sister » Rosetta. Dotée d’une voix de soprano puissante et d’une grande maîtrise de la guitare, elle est rapidement perçue comme un enfant prodige.

À 19 ans, Tharpe épouse Thomas Tharpe, un prédicateur du COGIC. Leur mariage ne dure que quelques années, mais malgré deux autres unions et plusieurs relations, aussi bien avec des hommes que des femmes, elle garde le nom de Tharpe toute sa vie. Son talent étant de plus en plus reconnu, elle commence à explorer le jazz et le blues, ce qui est très mal vu par sa mère et une grande partie de la communauté évangélique. Tharpe s’installe à New York, où elle trouve rapidement des opportunités pour se produire au Cotton Club et à l’Apollo Theater. Elle signe avec Decca Records et réalise ses premiers enregistrements en 1938. Ces morceaux sont des chants gospel, mais ils contiennent déjà des influences plus profanes.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Tharpe devient la chanteuse du Lucky Millinder Orchestra, connu pour ses chansons pop entraînantes. Toutefois, elle y est cantonnée au rôle stéréotypé de « chanteuse de charme », avec peu d’occasions de mettre en valeur son jeu de guitare. En 1943, après avoir quitté l’orchestre de Millinder, elle entame une carrière solo. Bien qu’elle souhaite revenir à ses racines gospel, son contrat avec Decca l’oriente dans une autre direction. C’est à ce moment-là qu’elle commence à bâtir son héritage en tant que « marraine du rock and roll ». En 1944, son enregistrement de « Strange Things Happening Every Day », mêlant gospel, R&B naissant et éléments de rockabilly, est considéré par certains comme la première véritable chanson de rock and roll. C’est aussi à cette période qu’elle délaisse la guitare acoustique au profit d’une Gibson électrique, affirmant ainsi son style novateur.

En 1946, Tharpe noue une relation avec la chanteuse de gospel Marie Knight, et les deux artistes tournent ensemble pendant plusieurs années. En 1949, Knight quitte le duo pour poursuivre une carrière solo. Peu après, Tharpe épouse son manager lors d’un événement spectaculaire au Griffith Stadium de Washington, DC, devant 25 000 spectateurs payants. Après une brève cérémonie, elle monte sur scène et se produit devant son public. En 1952, elle enregistre un duo avec Red Foley, considéré comme le premier duo interracial de l’histoire des États-Unis.

La carrière de Tharpe commence à décliner lorsque de jeunes artistes blancs s’approprient et popularisent le rock and roll naissant, un genre qu’elle avait contribué à façonner. À la fin des années 1950, elle entame des tournées à l’étranger et devient une figure adulée par les amateurs européens de blues et de gospel. Certains d’entre eux feront plus tard partie de la « British Invasion », menée par les Beatles et les Rolling Stones. En 1957, elle confie à un journal londonien : « Tous ces nouveaux trucs qu’ils appellent rock and roll… Mais moi, je joue ça depuis des années ! » En 1964, Tharpe part en tournée européenne avec Muddy Waters et d’autres musiciens dans le cadre de la Blues and Gospel Caravan. Lors de son concert à Manchester, en Angleterre, on retrouve dans le public Eric Clapton, Jeff Beck et Keith Richards.

Tharpe a influencé une génération de musiciens : Little Richard, Johnny Cash, Elvis, Jerry Lee Lewis, Bonnie Raitt, Aretha Franklin, Tina Turner, Eric Clapton et bien d’autres. Chuck Berry aurait déclaré : « Toute ma carrière n’a été qu’une longue imitation de Sister Rosetta Tharpe. »

Sœur Rosetta Tharpe est décédée dans la pauvreté en 1973, à l'âge de 58 ans. Elle a été enterrée dans une tombe sans pierre tombale. Tharpe a été intronisée à titre posthume au Rock and Roll Hall of Fame et au Blues Hall of Fame.

Conclusion

Comme mentionné dans l’introduction, cet article est le premier d’une série de deux consacrés aux artistes R&B des années 1940 et du début des années 1950 qui ont influencé le développement du rock and roll. Il convient de noter que Billboard n’a adopté le terme « R&B » pour ses classements d’artistes afro-américains qu’en 1949. Auparavant, on utilisait les termes « Harlem Hit Parade » et « race music ». Par souci de simplicité, le terme « R&B » a été utilisé uniformément dans cet article.

Mon prochain article sur les premières influences du R&B sur le rock and roll mettra en lumière les artistes suivants :

T-Bone Walker
The Ravens
Wynonie Harris
The Ink Spots
Louis Jordan

Image d'en-tête : Sœur Rosetta Tharpe, avec l'aimable autorisation de Wikimedia Commons/James J. Kriegsmann/domaine public.

Reproduit avec l'autorisation de l'auteur. Pour plus d'articles comme celui-ci, visitez Copper Magazine.