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Introduction

L’origine du rock and roll est un sujet très débattu dans la musique populaire. Certains en attribuent les débuts à Bill Haley and the Comets pour leur morceau « Rock Around the Clock ». C’est inexact. « Rock Around the Clock » fut la première chanson qualifiée de rock and roll à atteindre le sommet des classements de musique populaire. Ce n’est en aucun cas la genèse du genre.

Un des premiers exemples d'utilisation conjointe des termes "rock" et "roll" est une chanson de 1922 de la chanteuse et actrice Trixie Smith, "My Baby Rocks Me With One Steady Roll" (Mon bébé me fait vibrer avec un roulement régulier). À l'époque, "rock" et "roll" désignaient en argot les rapports sexuels. Plus tard, Sister Rosetta Tharpe et d'autres artistes de rhythm and blues (R&B) des années 1940 sont considérés comme des contributeurs clés au genre rock and roll. Big Joe Turner, Wynonie Harris et Louis Jordan comptaient parmi les pairs de Tharpe au cours de cette décennie. Beaucoup considèrent que "Rocket 88", enregistrée en 1951 par Jackie Brenston et ses Delta Cats, est la première véritable chanson de rock and roll. (En réalité, les Delta Cats étaient Ike Turner et son groupe, avec Brenston au chant). Rocket 88 a atteint la première place du Billboard R&B. C'est également en 1951 que le légendaire disc-jockey Alan Freed a commencé à utiliser régulièrement le terme "rock and roll" pour désigner la musique dans son émission de radio grand public. C'est sans doute le début de l'institutionnalisation du genre.

C’est en gardant cette histoire en tête que j’ai commencé à imaginer un article sur le rhythm and blues des années 1940 comme étant les racines du rock and roll. En tant que guide au Musical Instrument Museum de Phoenix, en Arizona, j’ai l’occasion de faire visiter le musée à des publics très variés. Un jour, j’ai passé deux heures en compagnie d’une ingénieure réputée de l’industrie du disque. Lorsque je lui ai parlé de mon idée d’article, elle m’a fait remarquer qu’à ses yeux, il est impossible d’identifier les véritables racines d’un genre musical, car tout ce qu’on désigne ainsi possède forcément ses propres racines. C’est cette réflexion qui m’a poussé à ajouter « en quelque sorte » au titre de ces articles.

Le disc-jockey Alan Freed a déclaré : « Le rock and roll est en réalité du swing sous un nom moderne. Il est né sur les digues et dans les plantations, s’est nourri de chants folkloriques, et se caractérise par le blues et le rythme. » Du swing sous un nom moderne ! Bien sûr, le swing était le fondement même de la musique des big bands. Il est intéressant de noter que l’ingénieure mentionnée plus tôt attribuait à Benny Goodman, le roi du swing, un rôle essentiel dans le développement de la musique rock and roll.

Cet article est le deuxième d’une série de deux consacrés à certains artistes de rhythm and blues des années 1940 et du début des années 1950 qui ont influencé le développement du rock and roll. Les artistes évoqués dans le premier article étaient les suivants :

❖    Big Joe Turner
❖    The Mills Brothers
❖    Ruth Brown
❖    Sonny Til and the Orioles
❖    Joe Liggins and the Honeydrippers
❖    Sister Rosetta Tharpe

(Il convient de noter que Billboard Ce n'est qu'en 1949 que le magazine R&B a adopté le terme "R&B" pour ses classements d'artistes afro-américains. Avant cela, les termes "Harlem Hit Parade" et "race music" étaient utilisés. Par souci de simplicité, le terme "R&B" a été utilisé dans tous les cas dans ces articles).

T-Bone Walker

Aaron Thibaux « T-Bone » Walker est né à Linden, au Texas, en 1910. Ses deux parents étaient musiciens. Son beau-père, lui aussi musicien, faisait partie du Dallas String Band et lui a appris à jouer de la guitare, de la mandoline, du ukulélé, du banjo, du violon et du piano. Le guitariste de blues Blind Lemon Jefferson était un ami de la famille. Walker quitte l’école à l’âge de 10 ans et devient le protégé du musicien aveugle, qu’il guide dans le quartier des spectacles de Dallas. À 15 ans, Walker est déjà musicien professionnel et tourne avec un spectacle ambulant de médecine. En 1929, il enregistre son premier disque.

Walker s’installe à Los Angeles en 1934, où il commence par gagner sa vie comme danseur dans un orchestre. Peu après, il se met à la guitare électrique, devenant l’un des premiers grands guitaristes à adopter cet instrument. En 1939, il rejoint l’orchestre de Les Hite, où il est à la fois chanteur et guitariste. Parmi les anciens membres de cet orchestre figurent Lionel Hampton et Dizzy Gillespie. Walker quitte Hite pour former son propre groupe et commence alors à bâtir sa légende de guitariste électrique, exécutant notamment des figures acrobatiques comme le grand écart ou jouer de la guitare dans son dos.

Walker s’installe à Chicago, où il se produit longuement au Rhumboogie Café, un club cofondé par le boxeur Joe Louis. En plus de ses talents de guitariste et chanteur de blues, il commence à se forger une réputation d’auteur-compositeur inventif. Il retourne ensuite à Los Angeles, où il est à l’affiche du festival Cavalcade of Jazz en 1946 et 1947. Il y partage la scène avec Louis Armstrong, Sarah Vaughan, Lionel Hampton, entre autres. En 1947, il écrit et enregistre sa chanson emblématique : Call It Stormy Monday (But Tuesday’s Just as Bad). Preuve de l’influence de Walker sur le développement du rock and roll, cette chanson a été reprise par les Allman Brothers, Eric Clapton, Jethro Tull, John Mayall, James Brown, Lou Rawls, Van Morrison, et bien d’autres.

Par la suite, Walker connaît le succès tout au long des années 1950 avec des titres comme T-Bone Shuffle, Bobby Sox Blues, Cold, Cold Feeling et Party Girl. Dans les années 1960, sa carrière ralentit. Il s’éteint en 1975 à l’âge de 64 ans.

T-Bone Walker a révolutionné le jeu de guitare blues en le portant vers la musique électrique. B.B. King a déclaré : « C’est T-Bone Walker qui m’a vraiment donné envie de jouer du blues. Je peux encore entendre T-Bone dans ma tête aujourd’hui, depuis ce tout premier disque que j’ai écouté. » Jimi Hendrix, grand admirateur, imitait Walker en jouant de la guitare avec les dents. Outre Hendrix, son influence s’étend à Eric Clapton, Jimmy Page, Duane Allman, Albert Collins, Stevie Ray Vaughan et bien d’autres. Walker a été intronisé à titre posthume au Blues Hall of Fame et au Rock and Roll Hall of Fame. Sa biographie dans ce dernier le qualifie de « parrain de la guitare blues électrique moderne ».

(Dans cette vidéo, on voit Chuck Berry virevolter sur scène, exprimant une admiration manifeste pour Walker.)

The Ravens

Les Ravens ont été formés en 1946 par Jimmy Ricks et Warren Suttles, alors serveurs dans un bar du quartier de Harlem à New York. Lorsque les affaires ralentissaient, le duo divertissait les clients en chantant sur les morceaux diffusés par le juke-box. Ils décidèrent de fonder un groupe et recrutèrent deux autres chanteurs ainsi qu’un pianiste. Leur son était inhabituel, car de nombreuses chansons mettaient en avant la voix de basse profonde de Ricks. Cela devint leur marque de fabrique, largement imitée par de nombreux groupes au cours de la décennie suivante. 

Peu après, Maithe Marshall remplaça l’un des membres d’origine. Sa voix de ténor en falsetto offrait un contrepoint parfait à la basse de Ricks. Ricks chantait généralement sur les faces A des disques, tandis que Marshall se chargeait des faces B. Les Ravens furent également le premier groupe de R&B à intégrer des pas de danse coordonnés dans leurs prestations scéniques, une innovation qui deviendra courante chez les groupes de doo-wop et de soul des années suivantes.

Après avoir changé de maison de disques en 1947, les Ravens ont enregistré "Ol' Man River" de la comédie musicale Show Boat. C'était une vitrine parfaite pour la voix caverneuse de Ricks et cela a permis aux Ravens de s'établir au niveau national. "Ol' Man River" est le premier de leurs huit succès R&B classés dans le top 10 au cours des années suivantes. "Write Me a Letter" et Send for Me if You Need Me" sont d'autres succès. Leurs interprétations de standards tels que "Summertime" et "September Song" figurent également au hit-parade. En 1948, ils exerçaient déjà une influence majeure sur de nombreux groupes. Parmi les succès enregistrés plus tard par le doo wop et d'autres artistes, citons "Once in a While" et "Deep Purple". En 1950, ils gagnaient $2,000 pour un spectacle - une somme importante à l'époque.

Bien que Ricks soit resté le pilier du groupe, de nombreux changements de formation commencèrent à survenir dès 1951. Rock Me All Night Long fut leur dernier succès, en 1952. Les années suivantes furent marquées par un succès en déclin, les Ravens peinant à s’adapter à un public plus large et plus jeune. En 1956, Ricks quitta le groupe pour entamer une carrière solo. Le groupe se dissout officiellement en 1958, et chacun de ses membres poursuivit sa carrière au sein d’autres formations. Les Ravens furent intronisés au Vocal Group Hall of Fame en 1998.

Ricks continua à se produire jusqu’à sa mort, en 1974, à l’âge de 49 ans. À cette époque, il était chanteur dans l’orchestre de Count Basie.

Wynonie Harris

Wynonie Harris est né à Omaha, dans le Nebraska, en 1915. Sa mère avait 15 ans au moment de sa naissance. Il quitte l’école à l’âge de 16 ans. À 21 ans, il est déjà père de trois enfants issus de trois relations différentes, la troisième femme étant celle qu’il épouse. À cette époque, Harris jouit d’une certaine notoriété à Omaha grâce à un numéro de danse qu’il a monté avec une amie. Leur spectacle devient un rendez-vous régulier dans un club local, où Harris commence aussi à chanter du blues. Kansas City, alors véritable mecque musicale, devient pour lui un lieu d’apprentissage où il affine son style. Big Joe Turner et Jimmy Rushing comptent parmi ses artistes favoris.

En 1940, Harris et sa femme quittent Omaha pour Los Angeles, laissant leur fille derrière eux. C’est dans un club de Los Angeles, où il se produit, qu’il gagne le surnom de « Mr. Blues ». Sa réputation ne cesse de croître, et plus tard, alors qu’il se produit dans un club de Chicago, il rencontre Lucky Millinder, qui l’engage comme chanteur dans son orchestre. (À noter que Sister Rosetta Tharpe, évoquée dans la première partie de cette série, avait précédemment occupé ce rôle chez Millinder.) En 1945, avec Harris au chant, Who Threw the Whiskey in the Well atteint la première place du classement R&B. Ce sera le plus grand succès de la carrière de Millinder.

Au moment de la sortie de ce titre, Harris avait déjà quitté Millinder et était retourné à Los Angeles. De 1945 à 1952, il enchaîne 16 titres classés dans le Top 10 R&B. Ses chansons, souvent tapageuses et pleines d’humour, célèbrent les femmes légères, l’alcool et les fêtes sans fin. Lorsqu’on lui demande d’expliquer le succès de sa musique, Harris aurait répondu : « Je fais dans le sexe ! » En voici quelques exemples.

Extrait de All She Wants to Do is Rock (ce n’est pas de musique qu’il chante !) : 

All she wants to do is rock (Tout ce qu’elle veut, c’est faire du rock)
Rock ‘n roll all night long (Du rock’n’roll toute la nuit)

Extrait de I Like My Baby’s Pudding (ce n’est pas de la nourriture qu’il chante !) : 

But Fannie Brown’s learned something, you don’t learn in books (Mais Fannie Brown a appris quelque chose que l’on n’apprend pas dans les livres)
I like my baby’s pudding, I like it best of all (J’aime le pudding de mon bébé, je le préfère à tout le reste)

Extrait de Quiet Whiskey :

Frank’s so drunk he can hardly see (Frank est tellement ivre qu’il peut à peine voir)
Trying to make love to Penelope (Il essaie de faire l’amour à Pénélope)
She took a bottle and hit him in the jaw (Elle a pris une bouteille et l’a frappé à la mâchoire)
That’s when the neighbors called the law (C’est alors que les voisins ont appelé la police)

Extrait de Bloodshot Eyes : 

When I saw you last week (Quand je t’ai vue la semaine dernière)
Your eyes were turning black (Tes yeux devenaient noirs)
Go find the guy that beats you up (Va retrouver le type qui te tabasse)
Ask him to take you back (Demande-lui de te reprendre)

Le plus grand succès de Harris, qui atteignit la première place du classement R&B en 1948, fut Good Rockin’ Tonight. Il reprenait ici un morceau enregistré par un autre artiste l’année précédente. Certains affirment qu’il s’agit de la première véritable chanson de rock and roll. C’est sans doute le premier titre à succès à utiliser le mot « rock » dans un sens musical plutôt que comme euphémisme sexuel — ce qui est plutôt ironique, compte tenu du répertoire habituel de Harris. Good Rockin’ Tonight fut également l’un des premiers morceaux enregistrés par Elvis Presley.

Comme beaucoup de pionniers du R&B des années 1940, Harris ne parvint pas à s’adapter aux évolutions du paysage musical. Dès le milieu des années 1950, sa carrière entama son déclin. Sa dernière grande prestation date de 1967. La Cadillac avec chauffeur et la maison cossue avaient disparu depuis longtemps. « Mr. Blues » s’éteignit presque dans l’anonymat en 1969, à l’âge de 53 ans. 

Wynonie Harris fut intronisé au Blues Hall of Fame, dont la biographie le décrit comme « largement reconnu pour avoir jeté les bases du rock’n’roll ». Malheureusement, il ne semble exister aucune vidéo de ses prestations.

The Ink Spots

Les Ink Spots ont commencé en 1933 sous la forme d’un trio vocal, instrumental et comique appelé King, Jack and Jester. Après un certain succès à la radio dans l’Indiana et l’Ohio, le chanteur basse Orville « Hoppy » Jones rejoint le groupe. Ils s’installent à New York, où ils poursuivent leur carrière à la radio et sur scène, dans des lieux emblématiques comme l’Apollo Theater ou le Savoy Ballroom. À la suite d’un litige juridique concernant le nom du groupe, Moe Gale — propriétaire du Savoy Ballroom et devenu leur manager — rebaptise le groupe : les Ink Spots. 

En 1936, l’un des membres fondateurs est remplacé par le ténor à la voix aiguë Bill Kenny, qui deviendra le membre le plus emblématique du groupe. Kenny avait remporté un concours amateur organisé au Savoy Ballroom. Peu après, les Ink Spots signent avec le label Decca Records et participent à des tournées avec d’autres artistes également gérés par Gale, comme Ella Fitzgerald. 

Kenny introduit dans le groupe un nouveau format de ballade qu’il appelle top and bottom, alternant les passages de ténor (généralement Kenny) et les interventions à la basse de Jones. Cette structure est inspirée de la tradition africaine classique de l’appel et de la réponse. L’élément révolutionnaire de ce style est que la partie basse est souvent parlée plutôt que chantée. Ce modèle vocal — voix de ténor vibrante et basse parlée — sera abondamment repris par les groupes de doo-wop, de soul et d’autres formations vocales plus tardives. (L’un des membres fondateurs des Ink Spots, Charlie Fuqua, était l’oncle de Harvey Fuqua, leader du groupe de doo-wop The Moonglows. Vous pouvez entendre cette technique top and bottom sur des succès comme The Ten Commandments of Love.)

Au cours des années suivantes, les ventes de disques sont décevantes et les Ink Spots sont sur le point de jeter l’éponge. Mais en 1939, ils frappent un grand coup avec l’enregistrement de If I Didn’t Care. Ce titre s’écoule à plus de 19 millions d’exemplaires et devient le dixième single le plus vendu de tous les temps. La machine est lancée, et une série de succès s’enchaîne : Address Unknown, My Prayer, We Three, Whispering Grass, I Don’t Want to Set the World On Fire, et bien d’autres encore. Les Ink Spots conquièrent le public blanc et battent des records d’affluence partout où ils se produisent. Dans les années 1940, ils comptent 18 titres classés dans le top 10 des hit-parades pop. Ils partagent l’affiche avec des formations comme le Glenn Miller Orchestra et apparaissent également au cinéma.

Le décès du chanteur basse Orville Jones en 1944 marque le début d’un lent déclin pour le groupe. À la fin des années 1940, leur style est perçu comme désuet par beaucoup, alors que de nouveaux groupes vocaux tels que les Ravens et les Orioles captent l’attention. Le groupe connaît de nombreux changements de membres, dus à des problèmes de santé et des querelles internes. Kenny reste le seul pilier. En 1953, la formation originale se dissout. Toutefois, des dizaines de groupes se réclamant du nom Ink Spots verront le jour par la suite.

Les deux premières chansons enregistrées par Elvis Presley étaient My Happiness et That’s When Your Heartaches Begin, toutes deux popularisées par les Ink Spots. Clyde McPhatter, leader des Drifters, a déclaré : « Nous nous sommes inspirés des Ink Spots. » En 1989, le groupe est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame, où leur biographie précise : « Les schémas d’harmonie vocale des Ink Spots ont établi, sinon introduit, ce qui allait devenir le modèle standard pour la majorité des quatuors vocaux afro-américains. » En 1999, ils sont également intronisés au Vocal Group Hall of Fame, dont la biographie indique que « les Ink Spots ont été à l’origine de nombreuses innovations qui ont eu un impact direct sur le développement du rhythm and blues dans les années 1940 et du rock and roll dans les années 1950 ».

Louis Jordan

Louis Jordan est né à Brinkley, dans l’Arkansas, en 1908. Son père, professeur de musique et chef d’une fanfare ainsi que d’une troupe de ménestrels, lui apprend à jouer du saxophone et de la clarinette. Adolescent, il rejoint la troupe de son père. À la fin des années 1920, Jordan travaille professionnellement en tant que musicien indépendant. De 1936 à 1938, il est membre du Chick Webb Orchestra, l’orchestre attitré du Savoy Ballroom. Ella Fitzgerald en était la chanteuse à l’époque, ce qui laissait peu de place à Jordan pour des solos vocaux ou instrumentaux.

Après avoir quitté l’orchestre de Webb, Jordan forme et dirige le Tympany Five, avec lequel il commence à enregistrer pour Decca Records. Bien qu’à l’origine composé de cinq musiciens, le groupe en compte souvent davantage. Leurs prestations se distinguent par une énergie débordante et un humour omniprésent. Le groupe enchaîne les engagements et construit progressivement un public fidèle. En 1942, Jordan et son orchestre s’installent à Los Angeles, où ils se mettent à produire des « soundies » — des courts-métrages musicaux de trois minutes, ancêtres des vidéoclips. Ils participent aussi à une série d’émissions pour la radio des forces armées.

1942 a été l'année de leur percée, certaines de leurs chansons se retrouvant sur le marché. Billboard R&B. De 1942 à 1951, ils ont enregistré 59 chansons, dont 18 ont atteint la première place. Au total, les chansons de Jordan ont passé 113 semaines au sommet du palmarès R&B, ce qui est sans précédent. À ce jour, c'est presque deux fois plus longtemps que n'importe quel autre artiste. La chanson "Cho Choo Ch'Boogie" de Jordan est à égalité avec "The Honeydripper" de Joe Liggins pour la plus longue période de l'histoire à la première place. Pendant cette période, Jordan a joué en duo avec des artistes tels que Louis Armstrong, Bing Crosby et Ella Fitzgerald.

Choo Choo Ch’Boogie est souvent considérée comme la chanson emblématique de Jordan. Ses autres grands succès sont trop nombreux pour être tous mentionnés, mais on peut citer notamment Caledonia, GI Jive, Ain’t Nobody Here But Us Chickens, Mop! Mop!, Is You Is or Is You Ain’t Ma Baby, Don’t Let the Sun Catch You Cryin’ et Let the Good Times Roll.

En 1951, Jordan décide qu’un changement s’impose et forme son propre big band. Ce fut un échec : le groupe se dissout en moins d’un an. Il reconstitue alors le Tympany Five, mais comme beaucoup d’artistes pionniers du rhythm and blues évoqués dans cette série, il a du mal à s’adapter à l’évolution du paysage musical. Son contrat avec Decca prend fin en 1954. Jordan continue néanmoins à se produire jusque dans les années 1970, ses prestations dans les clubs lui assurant un revenu stable. Il décède en 1975 à l’âge de 66 ans.

Louis Jordan laisse un héritage remarquable. Il a exercé une influence majeure sur de nombreux artistes, parmi lesquels B.B. King, James Brown, Chuck Berry et Ray Charles. Il est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1987, où il est décrit comme « le père du R&B » et « le grand-père du rock and roll ». Il est également membre du Blues Hall of Fame, qui le considère comme « un précurseur du rap pour les enchaînements de rimes rapides qu’il exécutait ». Sa chanson à succès de 1950, Saturday Night Fish Fry, en est un excellent exemple. Jordan avait intégré la guitare électrique au Tympany Five dès 1945, et Saturday Night Fish Fry fut l’une des premières chansons à exploiter la distorsion de guitare électrique. Le grand-père du rock and roll, en effet.

Tout remettre à plat (en quelque sorte)

Dans une décision historique rendue en 1896, la Cour suprême des États-Unis a statué que les installations « séparées mais égales » pour les Noirs et les Blancs ne violaient pas la clause de protection égale de la Constitution américaine. Cette décision quasi unanime a légitimé la ségrégation. Il a fallu attendre plus d’un demi-siècle pour qu’elle soit annulée par une autre décision de la Cour suprême, en 1954. Dans certaines régions du pays, l’impact de ce jugement fut considérable : écoles séparées, hôtels séparés, places distinctes dans les bus, etc. Dans bien des cas, les musiciens noirs en tournée étaient contraints de dormir dans leur bus, faute d’établissements acceptant de leur louer une chambre. 

L'état d'esprit qui a légitimé la ségrégation a eu des effets plus subtils. Billboard a commencé à publier des classements musicaux en 1913. Bien que les artistes noirs puissent se frayer un chemin jusqu'aux palmarès de la musique populaire (les Mills Brothers en sont un bon exemple), ils sont nettement désavantagés. Dans de nombreux cas, des artistes blancs reprennent des chansons produites par des artistes noirs et se hissent plus haut dans les hit-parades que les originaux. Billboard a reconnu ce déséquilibre et, en 1942, a créé un palmarès appelé "Harlem Hit Parade", qui présentait des artistes noirs. Ce palmarès a évolué pour devenir le R&B Chart en 1949.

Un bon exemple de cette inégalité est la comparaison entre Rock Around the Clock de Bill Haley and the Comets et Shake, Rattle and Roll de Big Joe Turner. Comme mentionné précédemment, Rock Around the Clock fut la première chanson qualifiée de rock and roll à atteindre la première place des hit-parades. Beaucoup pensent à tort que Haley a inventé le rock and roll. En réalité, Turner a sorti sa chanson plusieurs mois auparavant, et il s’agit bel et bien de musique rock and roll. Shake, Rattle and Roll a dominé les classements R&B, mais Turner ne s’est hissé qu’à la 22^e place des palmarès pop.

Alors, quelle est la « meilleure » chanson ? Les seules célébrités que j’ai trouvées ayant repris Rock Around the Clock sont Ringo Starr, Chubby Checker et Pat Boone. En revanche, les artistes suivants ont tous repris Shake, Rattle and Roll : Elvis, Sam Cooke, Dion, Fats Domino, Patsy Cline, Carl Perkins, les Beatles, Conway Twitty, Buddy Holly, Doc Watson, Chubby Checker, Chuck Berry, Canned Heat, Jerry Lee Lewis, et même Bill Haley and the Comets. Si l’imitation est la forme la plus sincère de la flatterie, alors Shake, Rattle and Roll remporte le match haut la main.

Comme indiqué dans l’introduction, le disc-jockey Alan Freed a décrit le rock and roll comme « du swing avec un nom moderne ». De nombreux artistes de R&B mentionnés dans ces articles étaient auparavant chanteurs de big band avant de se lancer en solo. C’est le cas de Big Joe Turner, Ruth Brown, Joe Liggins, Sister Rosetta Tharpe, T-Bone Walker, Wynonie Harris et Louis Jordan. Le « jump blues » est souvent présenté comme un genre dérivé du big band et précurseur du rhythm and blues. Il est généralement défini comme une musique de danse rapide, mêlant voix puissantes, saxophones et autres cuivres, avec une section rythmique entraînante. En somme, il s’agissait souvent de petits big bands (ce qui, soit dit en passant, est un bel oxymore !). Jordan, Turner, Brown, Harris et Liggins étaient tous des chanteurs de jump blues. À mon sens, le jump blues constitue un sous-genre du R&B.

Les instruments solistes principaux des big bands étaient les saxophones et autres cuivres. En général, les guitares — lorsqu’elles étaient présentes — faisaient simplement partie de la section rythmique. L’utilisation de la guitare électrique comme instrument soliste dans les big bands restait marginale. L’exemple le plus célèbre est celui de Charlie Christian, au sein de l’orchestre de Benny Goodman. Mais même dans ce cas, les cuivres dominaient. Il arrivait d’ailleurs que Christian cherche consciemment à faire sonner sa guitare comme un saxophone alto. 

Bien entendu, dans le rock and roll, la guitare électrique est l’instrument principal. Bien qu’encore dominée par les cuivres, la musique R&B des années 1940 a fait des avancées majeures en plaçant la guitare électrique au premier plan. T-Bone Walker a commencé à en jouer au milieu des années 1930, et il est considéré comme « le parrain de la guitare blues électrique moderne ». Il a influencé Jimi Hendrix et bien d’autres. Sister Rosetta Tharpe, enfant prodige à la fois chanteuse et guitariste, a commencé à jouer de la guitare électrique au milieu des années 1940. Elle fut une influence majeure pour Eric Clapton, Chuck Berry, et bien d’autres. Louis Jordan a largement intégré la guitare électrique dans son groupe, et il fut l’un des premiers à utiliser la distorsion comme effet sonore.

L’autre grand sous-genre du rhythm and blues abordé dans ces articles est le groupe vocal. Les Ink Spots et les Mills Brothers sont considérés comme des fondations majeures pour les groupes vocaux de doo-wop, de soul, et de rock and roll. Leurs chansons ont été reprises par des artistes de plusieurs générations. Il est aussi important de souligner qu’ils furent adoptés par le public blanc à une époque où cela était particulièrement difficile pour des artistes noirs. Ils ont inspiré des groupes ultérieurs comme les Ravens ou Sonny Til and the Orioles. Il convient de rappeler que les Ravens furent le premier grand groupe vocal à intégrer des pas de danse coordonnés à leur prestation scénique.

Enfin, l’église a joué un rôle fondamental dans la musique R&B et, par extension, dans le rock and roll. Big Joe Turner a commencé à chanter très jeune à l’église. Le père de Ruth Brown dirigeait une chorale religieuse, et elle-même a commencé à chanter à l’église dès l’âge de quatre ans. Sister Rosetta Tharpe se produisait dans une troupe évangélique à seulement six ans, et elle resta profondément attachée à ses racines gospel en dépit de sa carrière R&B. Les Ink Spots et bien d’autres groupes vocaux R&B ont fait leurs premières armes musicales à l’église. Toutes les définitions de la soul intègrent inévitablement le gospel comme fondement essentiel. Et pour illustrer cela de manière éclatante, citons le classique de Sonny Til and the Orioles : Crying in the Chapel. 

Yes we gather in the chapel (Oui, nous nous rassemblons dans la chapelle)
Just to sing and praise the Lord (Juste pour chanter et louer le Seigneur)

Conclusion

Le classement R&B existe toujours et a été élargi pour inclure le hip-hop. Bien que dominé par les artistes noirs, le R&B n'est plus qu'un des nombreux genres musicaux couverts par le classement R&B. Billboard. En fait, certains des artistes les plus prospères de l'industrie musicale figurent sur le palmarès R&B/Hip-Hop. Les artistes noirs se débrouillent également très bien aujourd'hui sur les palmarès pop.

Image d'en-tête : Tympany Five de Louis Jordan. Avec l'aimable autorisation de Wikimedia Commons/William P. Gottlieb/Bibliothèque du Congrès/domaine public.

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