David Chesky n’a pas besoin d’être présenté aux audiophiles endurcis. Défenseur des enregistrements audiophiles, il a fondé avec son frère Norman les labels Chesky Records en 1978, puis HDTracks en 2008. Plus récemment, David a créé The Audiophile Society, un label qui repousse les limites de la technologie d’enregistrement pour recréer les environnements de concert en 3D les plus convaincants que l’on puisse ressentir à travers des systèmes stéréo et des casques audio.

Avant de se faire un nom dans l’industrie de la haute fidélité, David a débuté sa carrière comme musicien de jazz professionnel et compositeur de musique classique contemporaine. Avec plus de 50 compositions de jazz et de musique classique à son actif, ainsi que trois nominations aux Grammy Awards, David revient à Montréal en formation trio, accompagné du contrebassiste Walter A. Stinson et du batteur Jim Doxas. Ensemble, ils interpréteront des extraits de son dernier album, The Great European Songbook—une étonnante réinterprétation de pièces classiques à travers le prisme du jazz, reflétant ce que Gramophone a justement salué comme sa capacité à fusionner diverses influences « dans un langage musical qui lui est propre ».

Lors de notre récente discussion sur Zoom, David s’est confié sur sa vie dans la musique et l’audio, ainsi que sur ses débuts.

« J’ai toujours été audiophile, j’adore ça », m’a-t-il répondu lorsque je lui ai demandé quand il avait attrapé le virus de l’audio. « J’ai grandi dans des studios d’enregistrement en tant que chef d’orchestre et orchestrateur pour des films et des émissions de télévision. Quand on travaillait sur ces projets, il y avait 50 personnes dans l’orchestre et 50 micros, et ça ne sonnait jamais bien à mes oreilles. Quand je suis sur le podium à diriger, le son est naturellement équilibré. J’ai donc toujours voulu fonder un label avec une idée simple : un point de vue unique – deux oreilles, deux micros. C’est ainsi qu’est née Chesky Records. Je voulais recréer une sorte de réalité virtuelle de la performance.

« Mais cela fait un milliard d’années que je fais des enregistrements avec cette approche à point unique », a-t-il poursuivi. « Avec mon label Audiophile Society, je voulais explorer quelque chose de nouveau en utilisant le DSP (Digital Signal Processing). En raison de la diaphonie, la plupart de la musique que nous entendons pendant la lecture est confinée dans un triangle de 60 degrés. Je voulais voir si je pouvais élargir ce triangle et amener le son devant l’auditeur, en manipulant certains éléments tout en conservant une sonorité très naturelle. Mon objectif était d’offrir une expérience plus immersive. J’ai trouvé un moyen d’y parvenir avec le DSP : lorsqu’on est dans ce triangle de 60 degrés, au lieu que le son semble venir d’un espace étroit, il s’ouvre. 

« Vous savez, il n’y avait pas de DSP il y a 30 ans », a-t-il déclaré. « Aujourd’hui, nous pouvons le comprendre et le manipuler. C’est une autre forme de créativité. Nous continuons à faire des choses en studio en direct, avec une simple paire de micros stéréo au-dessus de la tête du chef d’orchestre, mais je voulais aussi avoir la liberté d’essayer autre chose pour repousser les limites de la technologie actuelle. C’est la même stéréo que nous écoutons depuis 1954. Nous n’avons rien fait pour la faire évoluer, et cet effort vise consciemment à voir si nous pouvons l’améliorer et proposer quelque chose d’un peu plus immersif. »

Je lui ai demandé ce qu’il pensait de l’état actuel du secteur de l’audio – était-il un audiophile optimiste ?

« Mon fils Lucca, qui a 17 ans, vient de lancer une entreprise de haut-parleurs. Son objectif est d’intéresser les jeunes à l’audio haut de gamme, parce qu’ils n’y ont jamais été exposés. Quand nous étions jeunes, il suffisait de feuilleter un magazine pour tomber sur des publicités pour des haut-parleurs – JBL, Panasonic, Pioneer. C’était omniprésent. Mais les adolescents d’aujourd’hui, où peuvent-ils trouver ça en ligne ? S’ils tombent dessus, ce sera par hasard. Ce n’est pas comme s’ils marchaient dans la rue et voyaient ça dans une vitrine. « Tous les jeunes savent ce qu’est une Ferrari ou une Maserati. Ils n’ont pas les moyens d’en acheter une, mais ils en rêvent. Le problème avec l’audio haut de gamme, c’est que les jeunes doivent d’abord y être exposés pour s’y intéresser. Alors mon fils a présenté son entreprise sur TikTok. Il invite des gens à la maison, et quand ils entendent ce qu’un bon équipement peut offrir, ils sont époustouflés. « C’est le principe du pourcentage X : X % de la population se contentera toujours d’un haut-parleur en plastique dans la salle à manger ou sur leur téléphone. Mais aujourd’hui, X % des jeunes étudient la technologie, l’informatique et l’ingénierie. Ces jeunes sont prédisposés à devenir audiophiles, mais ils n’ont aucune idée de ce que c’est. Ceux qui viennent chez moi et voient mon équipement demandent : “C’est quoi, ce truc ?” Ils pensent qu’on vit sur la Lune. Ils ont besoin d’y être exposés ! »

« Si vous prenez Bob Dylan et que vous le mettez sur scène devant 100 000 jeunes », poursuit-il, « ils diront que c’est de la musique pour les vieux. Mais si un jeune de 18 ans, pieds nus et en jeans déchirés, jouait exactement les mêmes chansons, ils diraient que c’est branché. Tout dépend de la manière dont on présente les choses. Je pense qu’il faut que les jeunes présentent la musique aux jeunes, comme Beats l’a fait pour faire connaître les écouteurs. Je pense qu’il y a un grand avenir pour le monde de l’audiophilie si nous pouvons y exposer la jeune génération. »

Il a ajouté : « J’aime l’audio plus que la musique en direct. J’écris de la musique classique contemporaine. La musique que je veux entendre, je ne peux pas l’entendre dans une salle de concert. Ce que je veux écouter, je ne peux le faire qu’en ligne ou chez moi. Et dans ces cas-là, je veux la meilleure expérience possible. Je veux le meilleur son. Et si ça me plaît, je peux l’écouter encore et encore. L’avantage de l’audio, c’est qu’il est là quand on est prêt à l’écouter. »

Certaines personnes soutiennent que les musiciens ne sont pas audiophiles, car ils peuvent déjà entendre – ou reconstruire par la mémoire – « la vraie chose » dans leur esprit. Ils n’ont pas besoin d’un système pour combler les vides. Est-ce qu’il y croyait ?

« Non », a-t-il répondu. « Vous savez quel est le facteur décisif pour lequel les musiciens n’ont pas de système audiophile ? L’argent. La plupart des musiciens ne peuvent pas payer leur loyer et s’acheter de quoi manger. C’est un métier difficile, surtout avec le streaming sur Spotify. Tous les musiciens de jazz que je connais, si vous leur disiez : “Voici un système à 40 000 $ que je vais installer chez vous”, ils vous répondraient », dit-il en levant deux pouces vers l’écran de l’ordinateur, « “Yeah !” C’est juste une question d’argent. Ils ne peuvent pas se le permettre, et les prix deviennent exorbitants. »

« Être musicien aujourd’hui, c’est difficile, » a-t-il ajouté. « Il est impossible de gagner de l’argent avec le streaming. Mais les gars avec qui je joue à New York, comme le batteur Billy Drummond et le bassiste Peter Washington, sont tellement passionnés par la qualité audio que c’en est fou. Beaucoup de musiciens que je connais s’y intéressent. »

Était-il important pour lui de percevoir la scène sonore dans un enregistrement en direct ?

"C'est vrai, parce que lorsque vous allez à un concert, vous n'écoutez pas un concert", a-t-il déclaré. "On regarde un concert. Vous pouvez être au troisième rang sur le côté et il y a le violon. On le voit. Mais lorsque vous êtes chez vous et que vous écoutez un concert, il n'y a pas de support visuel. Tout d'un coup, tout le monde est aveugle. C'est donc moi qui crée les visuels. Je mets la trompette à l'arrière, je place ceci ici et cela ici, pour que vous ayez l'illusion d'assister au concert.

« L’autre chose qui est vraiment importante, c’est la tonalité, » a-t-il poursuivi. « Peu importe que vous soyez un musicien de rock, un joueur de tubes, un saxophoniste ténor ou un violoniste de concert, toute votre vie, vous vous entraînez pour obtenir une tonalité. Jimi Hendrix a sans doute bricolé ses tubes pour atteindre ce son. Un grand saxophoniste joue huit heures par jour pour trouver la tonalité parfaite. Pour moi, les deux éléments les plus importants en audio sont de capturer la tonalité correctement et de recréer une scène sonore telle que, lorsque vous êtes assis dans un triangle de 60 degrés, vous vous dites : “Wow, je suis dans le club. Éteignez les lumières, et j’y suis.” Je veux faire de la réalité virtuelle. Beaucoup de sons audio ne semblent pas réels. C’est une esthétique artificielle : des aigus exagérés, un grésillement, des sons qui n’existent pas dans la vie réelle. La vie réelle est beaucoup plus pastel. »

Y a-t-il des événements dans sa vie qui ressortent comme des moments forts de sa carrière ? « Je ne peux pas vraiment en citer un en particulier, mais certaines choses géniales dans ma vie ressortent, » a-t-il dit en réfléchissant. « J’ai étudié le piano avec John Lewis du Modern Jazz Quartet. À l’époque, est-ce que je pensais que c’était la chose la plus cool ? Non. Maintenant, en y repensant, je me rends compte que c’était génial, parce qu’il m’a appris quelque chose que je ne savais pas à 18 ans. « J’étais aussi très ami avec Antônio Carlos Jobim. Il m’a beaucoup appris. À l’époque, est-ce que je réalisais à quel point c’était extraordinaire ? Non, mais maintenant je le sais. Parfois, quand on est jeune, il faut du temps pour que ce genre de choses prenne tout son sens. Mais j’ai eu la chance de rencontrer beaucoup de personnes formidables, et je pense que ce sont ces rencontres qui sont les plus agréables à revisiter en arrière. Mon regret est de ne pas avoir vécu près d’Oscar Peterson. »

Peut-être pas, mais il allait bientôt se produire à Montréal, la ville natale d’Oscar.

« Dans The Great European Songbook, je prends des musiques de Bach, Chopin, Beethoven, et on les interprète à la manière du jazz. C’est génial parce que ça crée une passerelle et ça permet de voir cette musique sous un angle différent. C’est assez branché. En fin de compte, j’adore jouer cette musique, et les gens aiment l’écouter. C’est tout ce qui compte. »

« Si vous venez, » dit-il, « je vous encourage à ne pas apporter de tomates et à ne pas nous jeter des canettes de bière, parce que ça fait mal. Mais vous devriez venir, car ce sera une belle soirée d’audiophiles et de musique live. Et peut-être que, si on me le permet, je pourrai répondre à quelques questions du public lors d’une séance de questions-réponses avant le spectacle. »

Le David Chesky Trio se produira le jeudi 23 janvier 2025, à 18 h, à la salle Bourgie du Musée des beaux-arts de Montréal, 1339, rue Sherbrooke Ouest, Montréal (Québec) H3G 2C6. Les billets sont disponibles dès maintenant, aux prix de 19 $ à 38 $.

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