Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio, avec qui PMA entretient un programme d’échange de contenu.

Si vous donnez des concerts depuis un certain temps et que votre groupe s'est forgé une réputation, il se peut qu'un jour vous vous retrouviez à jouer sur une grande scène. Une vraie scène, dans un théâtre, un auditorium ou en plein air, de dimensions imposantes, surélevée par rapport au sol, dans une salle ou un espace pouvant accueillir des centaines, voire des milliers de spectateurs. Un tel lieu est équipé d’un système de sonorisation professionnel, d’un éclairage de scène, de rideaux et, presque à coup sûr, d’une green room (une loge en coulisses comprenant un vestiaire, un espace repas et des toilettes), ainsi que de coulisses situées de part et d’autre de la scène.

Lorsqu’on joue pour la première fois sur une telle scène, c’est à la fois exaltant et intimidant.

Je ne peux pas dire que j’ai l’habitude de jouer sur ce genre de scènes, mais elles ne me sont pas étrangères. Cet article n’est donc pas écrit du point de vue d’un vétéran comme Paul McCartney – il est possible que j’omette certains détails qui ne peuvent venir qu’avec une longue expérience de la tournée –, mais il reflète mes connaissances personnelles ainsi que celles d’autres musiciens. (Je n’ai jamais joué dans une arène ou un stade, mais je connais des gens qui l’ont fait. Les productions de groupes comme U2 ou les Rolling Stones, impliquant des dizaines de personnes, des camions et des tonnes de matériel, dépassent le cadre de cet article.)

Jouer sur une grande scène représente à la fois un défi et une opportunité uniques. Cela vous demandera d'atteindre un niveau de professionnalisme supérieur à celui requis sur une scène de taille moyenne ou petite. Mais quelle montée d’adrénaline que de jouer sur une telle scène ! À tout le moins, cela vous donnera l’impression que votre groupe a enfin atteint un cap. Pour citer un exemple récent : notre groupe a eu l’honneur de jouer en 2023 et 2024 lors des concerts hommage à la musique de Harry Chapin, organisés par « Just Wild About Harry » au Landmark Theater de Port Washington, dans l’État de New York. C’était la même scène où mon groupe préféré, Blue Öyster Cult, avait joué autrefois, et le simple fait de me tenir à l’endroit exact où Buck Dharma s’était tenu m’a donné l’impression d’avoir atteint un sommet en tant que musicien.

Vous travaillerez avec un ingénieur du son, voire plusieurs. Dans les grandes salles, il y aura un ingénieur du son de façade (la personne à la console devant le groupe) et un ingénieur du son de retour. Vous devrez suivre leurs instructions quant à l’emplacement de votre matériel et, souvent, au volume auquel régler vos amplificateurs. Il est probable que vous travailliez sous pression – l’équipe technique, elle, le sera à coup sûr – alors écoutez ce qu’ils vous disent, et faites preuve de professionnalisme et de coopération. Leur rôle est de vous faire sonner au mieux, et personne n’aime les divas. (Je connais des techniciens du son qui ont dû composer avec des… personnalités… et ce n’était pas une partie de plaisir. Comme cette fois où un certain artiste solo, ancien membre d’un duo, s’est plaint que le tapis sur scène n’était pas à son goût.)

Il y a une première fois pour tout le monde, et vous aurez probablement accumulé pas mal d’expérience scénique avant d’accéder à une grande scène. Mais si vous manquez d’expérience, ne vous inquiétez pas de la sonorisation de la salle : les ingénieurs du son seront là pour vous guider. En 1978, notre groupe, The Lines, s’apprêtait à jouer au My Father’s Place, un club légendaire de Long Island, et nous étions très nerveux. Après tout, des groupes comme Television, Talking Heads, Aerosmith et Blondie y avaient déjà joué. Le régisseur nous a demandé si nous avions un plan de scène – un schéma indiquant où chaque membre du groupe devait s’installer – mais j’étais tellement décontenancé que j’ai cru qu’il me demandait du « stage pot ». Je lui ai répondu que je n’avais pas d’herbe. Il a rétorqué : « Non, avez-vous un stage plot ? » Nous ne savions même pas ce que c’était, alors encore moins en faire un. Heureusement, il a tout arrangé.

À ce jour, je n’ai jamais fait partie d’un groupe ayant eu à fournir un plan de scène – nous nous contentons de travailler avec le technicien du son ou le régisseur en arrivant sur place. Mais lorsque vous atteignez un niveau vraiment professionnel, on vous demandera d’en fournir un, ainsi que d’autres éléments comme une liste des entrées pour les micros et les instruments, ainsi qu’une fiche technique détaillant le matériel de sonorisation et d’éclairage requis, sans oublier les besoins en nourriture et en boissons. (Nous avons probablement tous entendu l’histoire de Van Halen exigeant que les M&Ms bruns soient retirés des assortiments de bonbons et avons pensé qu’il s’agissait d’un caprice de rock star. En réalité, c’était un moyen pour le groupe de vérifier si la salle avait bien respecté les moindres détails du rider, garantissant ainsi la sécurité du groupe et du public.)

Pour découvrir quelques riders de groupes, cliquez ici. Peut-être qu’un jour, vous pourrez vous permettre d’exiger que votre loge soit maintenue à 62 degrés Fahrenheit en permanence (comme Elton John) ou que seuls des gobelets Solo de 16 onces soient autorisés (à la demande d’Axl Rose de Guns N’ Roses). Le rider des Monkees, quant à lui, stipulait que tous les alcools devaient être placés dans les loges après le début du spectacle. Mais soyons honnêtes, la plupart d’entre nous n’atteindront jamais ce niveau.

Il se peut que vous deviez utiliser le backline de la scène – c’est-à-dire les amplificateurs et la batterie fournis par la salle – plutôt que votre propre équipement. En général, on y trouve un ou deux amplis guitare, un ampli basse, éventuellement un ampli clavier, ainsi qu’une batterie cinq pièces. L’ampli basse peut être de n’importe quelle marque, mais il sera certainement puissant. Quant à l’ampli guitare, il y a de fortes chances qu’il s’agisse d’un Fender, très probablement un Twin Reverb ou un Hot Rod Deluxe, deux standards de l’industrie.

Jouer sur un amplificateur inconnu peut être déconcertant les premières fois, mais ne vous attardez pas trop à essayer d’obtenir « votre » son. Il se peut que vous n’ayez même pas le temps de le régler, que les amplis soient partagés entre plusieurs groupes, rendant les ajustements compliqués, ou encore que le technicien du son préfère que vous ne touchiez pas aux réglages (sauf peut-être au volume). De toute façon, l’ingénieur du son en façade ajustera le volume et l’égalisation diffusés par la sonorisation, et ce que vous entendrez sur scène via les amplis et les retours (ou les moniteurs intra-auriculaires, mais nous y reviendrons) ne sera pas ce que le public entendra. Donc, à moins qu’il n’y ait un problème majeur avec le son de l’ampli ou des retours, ne vous inquiétez pas trop de ce que vous percevez sur scène.

Souvent, le batteur devra apporter sa propre caisse claire, ses cymbales et, éventuellement, sa pédale de grosse caisse et son trône. LISEZ LE RIDER OU L’E-MAIL PRÉ-SPECTACLE ! Ne partez pas du principe qu’une batterie complète sera fournie. Lors de concerts avec plusieurs batteurs, l’un d’eux se porte souvent volontaire pour prêter son kit, mais, encore une fois, vérifiez. Si la salle fournit une batterie, la même règle s’applique aux batteurs qu’aux guitaristes, bassistes et autres musiciens : ne soyez pas trop pointilleux sur le fait qu’elle ne soit pas accordée ou configurée exactement comme la vôtre. Adaptez-vous et faites avec !

Les groupes adoptent de plus en plus des « scènes silencieuses », où il n’y a aucun ampli sur scène. Les instrumentistes jouent à l’aide de modéliseurs – des appareils qui, comme leur nom l’indique, reproduisent le son des amplificateurs – et de boîtes de direct qui envoient le signal directement dans le système de sonorisation.

Si vous jouez dans un concert regroupant plusieurs groupes, coopérez avec les autres musiciens pour partager le matériel. Un peu de communication peut faire une grande différence. Il est dans l’intérêt de tous que le spectacle se déroule le mieux possible.

En revanche, si vous avez la possibilité d’apporter vos propres amplis et votre batterie, c’est idéal. Sachez simplement que, dans une grande salle, ces amplis et cette batterie sonneront très différemment de ce à quoi vous êtes habitué dans une pièce plus petite. Pour les amplis de guitare, l’équilibre tonal peut sembler complètement faussé, avec trop de graves ou trop d’aigus, mais là encore, laissez l’ingénieur du son s’occuper de l’égalisation. De plus, vous entendrez une bonne partie du son via les retours sur scène ou les écouteurs intra-auriculaires (selon le cas). En général, vous disposerez de nombreuses prises électriques pour brancher votre matériel – ce ne sera pas comme dans un pub local où vous devez tout raccorder à quelques prises murales douteuses, avec des câbles qui tiennent à peine (ou ne tiennent carrément pas).

Il est presque certain que vous pourrez effectuer une balance avant le concert, ou au moins une vérification des lignes, où le groupe s’installe pendant que les techniciens s’assurent de recevoir un signal des instruments et des voix. Si vous n’avez ni balance ni vérification des lignes, vous n’aurez d’autre choix que d’espérer le meilleur. Mais en plus de 56 ans de carrière, j’ai rarement vu cela arriver dans ce genre de situation.

L’ingénieur du son vous demandera de jouer un peu pour s’assurer que votre instrument est bien audible et ajuster le son. Il vous demandera aussi si vous vous entendez correctement dans les retours. Pour les batteurs, il demandera généralement de jouer la grosse caisse, puis la caisse claire, puis les autres fûts. Ensuite, le groupe devra jouer un morceau ou un extrait (le temps étant parfois limité). S’il s’agit d’un très gros concert avec un système de sonorisation haut de gamme, vous aurez peut-être le luxe d’avoir des mixages de retour séparés pour chaque musicien. Mais dans la réalité, pour la plupart des musiciens locaux, cela reste exceptionnel.

À moins que vous ne fassiez partie d’un groupe de neuf musiciens, vous aurez de la place pour vous étendre sur une grande scène. Beaucoup de place. En fait, cela peut être déconcertant. La première fois, cela vous semblera définitivement étrange. Mais rappelez-vous ceci : rien ne vous oblige à occuper toute la largeur de la scène. Regardez Kraftwerk en concert : ils restent très proches les uns des autres. Jouer serré en groupe repose sur beaucoup de contact visuel, de communication physique et de langage corporel. Tant que vous n’êtes pas Taylor Swift et que vous n’avez pas l’habitude de jouer dans d’immenses espaces, les membres du groupe auront peut-être intérêt à rester proches les uns des autres. (Une scène sur laquelle nous avons joué était même équipée de repères de distance pour aider les artistes à savoir à combien de mètres ils se trouvaient les uns des autres.)

Il y a cependant une chose que vous ne pourrez pas contrôler : l’endroit où sera placé le batteur. S’il est sur une estrade, il risque d’être assez éloigné du reste du groupe, et vous ne pourrez peut-être même pas le voir pendant que vous jouez. C’est là que bien connaître les morceaux devient crucial, car vous devrez vous fier uniquement à son jeu sans pouvoir capter ses signaux visuels.

Il y aura de l’éclairage. Autrefois, la chaleur des projecteurs pouvait être étouffante sur scène, mais aujourd’hui, les éclairages LED sont largement répandus, ce qui est une vraie bénédiction. Je ne regrette pas l’époque où je cuisais dans ma tenue de scène et où la sueur me coulait dans les yeux, sans pouvoir l’essuyer parce que j’étais en train de jouer. Une chose, cependant, n’a pas changé : les lumières peuvent être aveuglantes, au point de vous empêcher de voir le public. C’est une sensation étrange – vous jouez enfin devant une grande audience… et vous ne pouvez même pas la voir.

Vérifiez à l’avance s’il y aura de la nourriture en coulisses ! Vous n’avez pas envie d’arriver des heures avant votre passage pour finir affamé avant de monter sur scène. Dans certains concerts, surtout au niveau local, la nourriture est fournie, mais ce n’est pas systématique. Si vous avez des besoins particuliers (régime végétalien, sans gluten, restrictions médicales, etc.), vérifiez si le lieu peut s’adapter ou si vous devrez apporter votre propre repas ou trouver un endroit où manger à proximité. J’emporte toujours ma glacière « de survie », avec des boissons, un sandwich, une banane ou quelques en-cas, juste au cas où.

Petite parenthèse : pensez à demander à quelqu’un de prendre des photos ou des vidéos. (Parfois, la salle s’en charge pour les concerts plus importants ou pour une diffusion en direct.) Avoir de belles images de votre groupe sur une vraie scène, avec un éclairage professionnel, est un atout précieux pour promouvoir votre musique sur votre site web, dans des affiches et sur les réseaux sociaux. Vous aurez littéralement l’air d’un vrai groupe en plein concert.

Quelques techniques avancées à mentionner :

La plupart d’entre nous n’auront jamais à se soucier de ces aspects, mais si vous atteignez un niveau vraiment élevé – en tournée nationale ou internationale, dans un spectacle à Broadway ou à Las Vegas, ou encore au sein d’un groupe hommage de haut niveau – vous devrez utiliser des écouteurs intra-auriculaires (IEM) et, très probablement, jouer avec un click track et des pistes d’accompagnement.

Les écouteurs intra-auriculaires ressemblent à des oreillettes classiques, mais ils sont conçus pour une utilisation sur scène et peuvent être moulés sur mesure pour s’adapter aux oreilles du musicien. Leur principal avantage est qu’ils permettent de réduire considérablement le volume sur scène, puisqu’il n’est plus nécessaire d’avoir des enceintes de retour hurlant vers le groupe. Cela réduit aussi le risque de Larsen, car les retours ne « bavent » plus dans les micros de chant. Les IEM permettent également un mixage personnalisé pour chaque musicien. Leur principal inconvénient : certains artistes ne les apprécient pas, car ils offrent une perception sonore totalement différente de la performance (un professionnel que je connais les déteste). De plus, ils suppriment l’impact physique des enceintes de retour qui projettent le son sur scène. Certains musiciens professionnels utilisent donc un mélange d’écouteurs intra-auriculaires et de retours traditionnels.

Les click tracks – dont la fonction est similaire à celle d’un métronome – sont de plus en plus utilisés en tournée, où l’éclairage, la chorégraphie et d’autres éléments (comme la pyrotechnie) doivent être parfaitement synchronisés. Si vous jouez avec des pistes d’accompagnement, autrefois perçues comme du « karaoké » mais aujourd’hui largement acceptées par le public et les musiciens (même si une recherche rapide en ligne suffit pour trouver d’innombrables débats sur la question de savoir si certains artistes « célèbres » chantent vraiment en direct, ou s’ils font du playback ou utilisent des pistes d’accompagnement), vous n’aurez pas d’autre choix que de vous caler sur ces pistes et/ou sur le clic. Cela peut être extrêmement déroutant au début, car c’est une compétence totalement nouvelle à maîtriser. Soyons honnêtes, la plupart des groupes locaux ne fonctionnent pas ainsi, soit parce qu’ils tiennent à garder une flexibilité musicale, soit, tout simplement, parce qu’ils n’ont pas le niveau technique requis.

Comment s’améliorer ? Comme pour tout, par la pratique. Jouez avec un métronome ou des pistes d’accompagnement, à la maison comme en répétition. Mais sachez que si vous voulez intégrer un spectacle fonctionnant au clic, vous devrez apprendre à le maîtriser. L’un des grands avantages d’un clic dans des écouteurs intra-auriculaires est qu’il permet d’entendre des indications que le public ne perçoit pas, comme les décomptes de lancement ou d’autres repères vocaux (« solo de guitare dans 4-3-2-1 »).

Une solution intermédiaire, qui peut s’avérer très efficace, consiste pour le batteur à utiliser une application comme Backbeater ou PRO BPM, qui affiche en temps réel le tempo joué sur un smartphone ou une tablette. Cela permet de vérifier si le batteur accélère ou ralentit. (Il existait autrefois un appareil appelé Russian Dragon qui remplissait la même fonction.)

Dans un article précédent (« Préparation mentale », numéro 211), j’ai mentionné l’importance d’une bonne préparation psychologique. C’est un élément clé lorsqu’il s’agit de jouer un grand concert sur une grande scène, où l’ampleur de l’événement peut être impressionnante, voire stressante. Je vais être honnête : avant un gros concert, il m’arrive d’être vraiment fébrile. Pour résumer brièvement l’article, vous devez être un minimum excité – c’est ce qui alimente la performance – mais la clé pour être confiant et ne pas être paralysé par le trac, c’est d’être bien préparé. Sur une grande scène, vous devrez vous concentrer et vous appliquer bien plus que lors d’un concert plus décontracté. Vous serez mis en avant d’une manière bien plus marquée, face à un public souvent plus large que celui auquel vous êtes habitué.

Dois-je vraiment préciser que vous ne voulez surtout pas être sous l’emprise de l’alcool ou de la drogue ? Peut-être que c’était « cool » dans le rock and roll d’il y a des décennies et que ça faisait partie du folklore… mais si vous voulez offrir une performance professionnelle, disons que ce n’est pas la meilleure stratégie.

Sur une grande scène, l’aspect théâtral de la performance prend une importance capitale. Vous devez faire de grands gestes et des mouvements amples pour avoir un réel impact, en particulier auprès du public des derniers rangs. Cela ne signifie pas que vous devez bondir partout, mais gardez à l’esprit que ce qui vous semble être beaucoup de mouvement peut en réalité paraître minimal. Il n’y a rien de mal à en rajouter un peu, voire à intégrer une touche de chorégraphie. Si vous faites un solo, avancez-vous vers l’avant de la scène ! Essayez de ne pas rester figé au même endroit. Captivez le public. Établissez un contact visuel, saluez, parlez. Et surtout, amusez-vous ! Après tout, vous avez travaillé dur et surmonté des obstacles pour arriver à jouer sur une grande scène devant un large public. Rien ne vaut cette sensation, alors profitez-en pleinement et savourez l’euphorie d’un grand concert.

Image d’en-tête : Blue Öyster Cult au MJN Convention Center, Poughkeepsie, New York, décembre 2024.

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