
Cet article a été publié pour la première fois dans Copper Magazine de PS Audio, avec qui PMA entretient un programme d’échange de contenu.
Dans notre dernier volet, j’ai évoqué les difficultés de jouer sur de petites scènes, où l’on n’a parfois même pas la place de bouger de plus de quelques centimètres dans n’importe quelle direction. Si vous faites partie d’un groupe local, vous serez souvent amené à jouer dans des espaces exigus. Mais ne vous résignez pas pour autant à une carrière de claustrophobe : de nombreux bars et salles de spectacle disposent d’un espace dédié aux concerts, que ce soit sur une scène surélevée ou une zone dégagée au sol pour les groupes. Vous aurez plus d’espace pour bouger et, en général, vous pourrez installer tout votre matériel : amplis, pédaliers, claviers, batteries complètes, guitares sur pied et retours de scène. (Au passage, je n’ai aucune expérience avec les écouteurs intra-auriculaires, ou IEM. Mais je n’ai jamais vu personne en utiliser lors de concerts locaux, uniquement sur de plus grandes scènes.) Vous aurez également de la place pour plusieurs guitares, d’autres instruments et du matériel de secours.

Avoir de l’espace pour bouger est libérateur. Et jouer dans un lieu de taille modeste présente un autre avantage : on reste proche des autres membres du groupe, ce qui permet de capter leur langage corporel, leurs conversations hors micro et leurs signaux non verbaux subtils. Cela nourrit cette télépathie musicale qui se développe avec le temps lorsqu’on joue régulièrement avec les mêmes musiciens. À l’inverse, cela facilite aussi la communication spontanée lorsqu’on joue avec un pick-up band, un remplaçant ou qu’on improvise simplement. À l’opposé, jouer sur une grande scène—ce dont je parlerai dans le prochain article—peut être déconcertant, car la distance entre vous et les autres musiciens peut perturber votre jeu. Malgré tout, veillez à préserver l’espace et à respecter celui des autres, en particulier celui du chanteur principal, qui doit pouvoir bouger librement et occuper la scène.
Cela vaut pour n’importe quel concert : si possible, repérez la salle à l’avance pour évaluer l’espace disponible et voir quel matériel vous pourrez ou non apporter. Certes, cela peut s’avérer peu pratique, voire impossible dans certaines situations, notamment pour les groupes en tournée. Certains lieux musicaux réputés ont des scènes étonnamment petites. Ne pensez pas qu’en jouant enfin au Birdland ou au City Winery, vous bénéficierez d’un vaste espace. À l’époque, notre groupe, The Lines, a joué dans des salles mythiques comme le CBGB, Max’s Kansas City, Kenny’s Castaways et bien d’autres. Certaines avaient des scènes bien plus petites que ne le laissaient croire les légendes qui les entouraient.


Sur les scènes de taille moyenne, il peut y avoir ou non un technicien du son. Dans la plupart des concerts auxquels je participe, il n’y en a pas, et le groupe doit donc gérer lui-même la sonorisation. En général, une personne finit par endosser le rôle de « responsable du son », mais tout le monde doit contribuer à l’installation du système de sonorisation. Il est essentiel de faire une balance avant le concert si possible, alors essayez de prévoir du temps supplémentaire avant de monter sur scène.
Après quelques concerts, vous saurez où régler les volumes pour les voix et les instruments, comme les guitares acoustiques ou électriques, qui passent généralement par la sonorisation. C’est aux instrumentistes de régler le volume de leur propre ampli, et là encore, l’expérience fait la différence. Et vous ne voulez surtout pas être celui qui, par égoïsme ou par manque d’attention aux autres musiciens, pousse le volume trop fort. Croyez-moi.
Parfois, le groupe n’aura pas le temps de faire une balance, notamment si vous jouez dans un festival où plusieurs groupes doivent s’installer et démonter rapidement, ou dans un restaurant où la direction ne vous autorise à entrer votre matériel qu’à une heure précise. Dans ce cas, vous devrez faire preuve de discernement pour établir une première balance, puis demander à un ami dans le public de vous donner un retour après la première chanson ou de vous faire des signes pendant que vous jouez.
Conseil de pro : demandez au propriétaire ou à la personne derrière le bar si le volume est bon ou si vous êtes trop fort. À moins d’être dans un lieu dédié à la musique, comme le Brooklyn Steel, le 89 North (Patchogue, Long Island), le First Avenue (Minneapolis) ou le Toby Keith’s I Love This Bar & Grill (Las Vegas), où la musique est au centre de l’attention et censée être forte, gardez à l’esprit que les clients sont là autant pour manger, boire et socialiser que pour écouter de la musique.
Acceptez cette réalité de la vie sur scène : il est possible que vous ne puissiez pas toujours bien vous entendre, vous ou le reste du groupe. Même si vous avez déjà joué dans une salle, vous ne serez peut-être pas installé exactement au même endroit, la salle pourra être plus ou moins bondée, ou les retours de scène placés différemment. Il se peut que vous n’entendiez pas clairement les autres musiciens, voire pas du tout. Chaque salle a une acoustique différente, et le son sur scène sera forcément inégal d’un concert à l’autre. Ne vous laissez pas déstabiliser.
Lors de certains concerts, vous aurez le luxe d’avoir un technicien du son ou une équipe dédiée pour gérer le mixage et sonoriser les amplis. Et quand ils savent ce qu’ils font, c’est un vrai bonheur. Plus besoin de vous soucier de l’équilibre du mix. Plus besoin d’ajuster le volume de votre guitare ou de votre instrument, ni de l’augmenter pendant un solo. Vous aurez des mixages séparés pour les retours et la façade, et tout sera clair et parfaitement équilibré. C’est une toute autre expérience que de gérer son propre son, et le mix sera bien meilleur que tout ce que vous pourriez obtenir par vous-même. Le public en profitera d’autant plus.
Sauf si les techniciens du son sont mauvais.
Sans vouloir offenser les nombreux techniciens compétents qui existent—et j’en connais plusieurs qui sont de véritables génies derrière la console de mixage (salut Woody, Dennis, Richie, Jessica et les autres)—certains de ceux avec qui j’ai travaillé étaient inexcusablement mauvais. Je suis quelqu’un de sympa et je n’aime pas dire du mal, mais soyons réalistes : j’ai connu bien trop de concerts sabotés par des incompétents. Comme cette fois où notre groupe jouait en direct à la radio après un autre groupe, et où le technicien du son n’a pas réussi à démuter la console… pendant cinq minutes interminables à l’antenne. Cela ne veut pas dire qu’il faut s’attendre à ce que tout se passe sans accroc, surtout lors de concerts multi-groupes où la pression sur les techniciens est énorme. Mais un bon technicien saura gérer toutes sortes de galères techniques. Soyez simplement conscient que vous pourriez aussi tomber sur ceux qui en sont incapables. (J’y reviendrai dans un prochain article sur les concerts qui tournent mal.)
Que vous ayez un excellent ingénieur du son ou que vous gériez le mix vous-même, la règle de base est qu’il faut trois chansons pour obtenir un bon équilibre sonore. Cela vaut même pour les concerts professionnels. Peu importe la durée et le soin apportés à la balance avant le spectacle, l’acoustique de la salle change dès que le public arrive.
Rangez vos étuis à instruments, sacs de câbles et autres accessoires hors de la scène, ou au moins sur les côtés, hors de vue. Vous avez suffisamment d’espace pour une installation propre, alors pourquoi l’encombrer avec tout votre matériel ? Ce n’est pas professionnel. Même chose pour le câblage : personne n’aime voir un enchevêtrement de fils traîner sur scène—sans parler du risque qu’un membre du groupe trébuche dessus en plein concert.

Vous aurez probablement un éclairage adéquat… mais ce n’est pas garanti. La plupart des bars, clubs et restaurants offrent un éclairage plus ou moins adapté à la scène, certains ayant des spots dédiés… mais pas toujours. C’est d’autant plus problématique si vous devez lire des partitions sur un pupitre. Si la lumière est trop faible, vous ne verrez rien. Investissez dans une lampe de pupitre : elle pourrait bien sauver votre concert. Par ailleurs, de nombreux bars et restaurants ne disposent que de l’éclairage général de la salle. Pourtant, votre groupe aura bien meilleure allure avec un minimum d’éclairage scénique, même basique.

J’aurai bien plus à dire sur la performance scénique dans une prochaine chronique dédiée à ce sujet, mais pour l’instant, sachez que sur une scène de taille moyenne (ou grande), vous aurez plus de liberté pour bouger et occuper l’espace. Comme je l’ai déjà mentionné, une fois sur scène, vous n’êtes plus seulement un musicien, vous êtes un interprète. L’élément clé à garder à l’esprit, c’est le mouvement. Les gens du théâtre savent qu’il faut exagérer leurs gestes et, dans une moindre mesure, leurs expressions faciales. Vous aurez peut-être l’impression de bouger et de groover au rythme de la musique, mais en vous regardant en vidéo, vous réaliserez que vos mouvements sont bien plus limités que vous ne le pensiez.
Cela ne veut pas dire qu’il faut en faire trop, sauter partout et perdre son authenticité (d’ailleurs, des artistes comme Bill Wyman et Roy Orbison ont fait de l’immobilité une signature à part entière). Mais accentuer votre langage corporel, vos mouvements, ainsi que vos gestes des mains et des bras, fera une énorme différence. La chorégraphie peut être un véritable atout. Interagissez avec les autres membres du groupe et avec le public ! Parcourez la scène. Quand vient le moment de jouer un solo, mettez-vous en avant. Donnez tout, mettez-y votre cœur et votre âme—n’est-ce pas ce que vous devriez faire de toute façon ? Quand vous ressentez la musique, tout vient naturellement. Vous allez adorer, et le public aussi.


Image d’en-tête : Doxy au Sayville Summerfest, le 8 août 2024. Le son était superbe, un vrai rêve de musicien—merci, Danny !
Reproduit avec l'autorisation de l'auteur. Pour plus d'articles comme celui-ci, visitez Copper Magazine.
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