Maintenant que le disque vinyle est redevenu la forme de support physique la plus vendue, les acteurs de l'industrie, grands et petits, se lancent dans le business du disque vinyle. Les délais d'attente de neuf mois ou plus sont désormais courants dans les usines de pressage de disques. Les nouveaux artistes, qui gèrent intelligemment leur carrière, produisent régulièrement de nombreux disques en édition limitée dans différentes couleurs. Et toute cette effervescence a attiré plus d'un opérateur véreux qui produit des pressages de mauvaise qualité et des disques dont le son n'est pas idéal.

Presser des microsillons de qualité est un processus complexe. La source doit être la bande maîtresse ou une source aussi proche que possible de celle-ci, même si, étant donné l'âge de nombreuses bandes maîtresses, cela peut poser problème. La gravure, le placage et le pressage requièrent tous une expertise et une attention particulière afin de garantir la qualité. Bien que ce ne soit pas l'idéal, les microsillons peuvent également être gravés à partir de sources numériques haute résolution.

Tout cela m'a traversé l'esprit lorsque j'ai ouvert le dernier quatuor de rééditions de la série Blue Note Records Classic Vinyl Reissue (25,98 $US chacun). Blue Note propose également le programme plus onéreux de rééditions de vinyles Tone Poet (35,98 $US) dirigé par le célèbre ingénieur du son Joe Harley. La différence de prix peut être attribuée à quelques facteurs : les oreilles supposées supérieures de Joe Harley, les pochettes Stoughton gatefold Tip-On plus élaborées et le fait que les Tone Poets sont pressés chez RTI à Camarillo en Californie. Les deux séries sont matricées chez Cohearant Audio par Kevin Gray, l'un des meilleurs dans son domaine aujourd'hui. Après un examen plus approfondi, je n'ai pas seulement été satisfait de la qualité de la musique de ces titres : Horace Silver, Art Blakey, Bobbi Humphrey et Donald Byrd, mais j'ai été intrigué de voir le terme "Audiophile Vinyl Reissues" apparaître en gros caractères sur la première ligne de l'autocollant publicitaire apposé à l'extérieur de l'emballage rétractable. Cela m'a rappelé ma première conversation avec Robert Schryer, rédacteur en chef du magazine PMA, lorsque nous avons discuté de toutes les couches de signification attachées au mot "audiophile". Pour certains, il s'agit clairement d'un titre d'honneur. Pour d'autres, il est devenu un terme archaïque, une relique des jours qui ont suivi la fin de la Seconde Guerre mondiale, lorsqu'une classe de jeunes hommes, blancs pour la plupart et amateurs de jazz ou de musique classique, ont investi dans le nouveau matériel qui tirait parti de l'innovation audio révolutionnaire de l'époque, la stéréo. Cette génération vieillissante et ses interminables discussions sur ce que devrait être un son de qualité, sur la corrélation des mesures d’enceintes et les bienfaits ou non des accessoires ésotériques. Certains en sont venues à représenter la génération de la musique pré-rock plus obsédées par le son du matériel audio que par l’amour de la musique.

Par conséquent, les spécialistes du marketing musical ont sans cesse aimé et détesté le terme "audiophile" au fil des ans. Maintenant que le vinyle est de nouveau à la mode, les labels indépendants et les clubs de disques comme Vinyl Me Please ont judicieusement repris ce terme sur la pointe des pieds, de peur que ses prétentions implicites ne fassent fuir les jeunes clients. Mais, les grandes maisons de disques qui se sont tournées vers le streaming qui, lui, a fait des progrès en matière de qualité sonore et qui ont exploité et retravaillé leurs vastes catalogues pour rester en vie, ont clairement décidé que le terme "audiophile" était à nouveau une bonne chose à mettre de l’avant. Bien que je comprenne que le terme semble trop démodé et tatillon pour certains, je n'ai jamais pensé que le mot était quelque chose dont il fallait se vanter ou se goudronner. En fait, j'ai toujours considéré qu'il s'agissait simplement d'un amateur de musique soucieux d'obtenir un meilleur son, sinon le meilleur, de ses enregistrements, qu'il s'agisse de la manière dont la musique a été enregistrée à l'origine ou de la méthode de lecture choisie. Pour inverser le scénario, peut-être qu'une meilleure définition serait celle de quelqu'un pour qui un son mal enregistré, mal matricé, mal pressé. Bref, un son limité, mal équilibré, non naturel, peut nuire à un enregistrement ?

Ce qui me ramène à la dernière série de rééditions de jazz du catalogue Blue Note. D'après ce que je sais de l'histoire (et lorsqu'il s'agit de sources, il y a souvent une histoire) la bandothèque de Blue Note n'a pas été immolée dans l'incendie des studios Universal en 2008 et pourrait donc avoir été utilisée pour ces rééditions, bien qu'il soit plus probable qu'elles soient le produit d'une copie de la matrice ou du fichier maître de production. Pressés chez Optimal en Allemagne, ces microsillons de 180 grammes sont merveilleusement silencieux et offrent une gamme pleine bande des sons. Le meilleur de tout, c'est que ce groupe de rééditions est une merveilleuse section transversale des merveilles du catalogue Blue Note.

Il serait difficile de trouver deux sorties plus représentatives des années de gloire du catalogue bop de Blue Note que 6 Pieces of Silver d'Horace Silver en 1956, à l'apogée des années où le bop était roi et The Big Beat d'Art Blakey avec Lee Morgan et Wayne Shorter en 1960. Tous deux ont été enregistrés à Englewood, NJ, avec l'inestimable Rudy Van Gelder comme ingénieur. Avec un titre qui fait un léger clin d'œil au Judas biblique, le coffret de Silver est souvent considéré comme le premier disque véritablement important du pianiste Silver, originaire du Connecticut, avec six originaux de Silver dont "Señor Blues". L'autre chef-d'œuvre du bop, The Big Beat de Blakey, enregistré en 1960 alors que le batteur avait près de 40 ans, est remarquable non seulement pour les rythmes exubérants et inventifs de Blakey, peu de gens ont pu diriger une session en petit groupe comme Art Blakey, mais aussi pour les trois morceaux du saxophoniste ténor du jour, Wayne Shorter, alors âgé de 26 ans.

Fancy Dancer de Bobbi Humphrey et Places and Spaces de Donald Byrd, deux chefs-d'œuvre du soul jazz, sont souvent tournés en dérision par les puristes du jazz offensés par l'intrusion du funk dans la musique. Plus souvent associé à Fantasy Records qu'à Blue Note, le soul jazz, qui a connu une brève floraison au début des années 70 et dont l'influence n'a cessé de croître depuis, comptait deux de ses meilleurs praticiens dans les frères producteurs Larry et Fonce Mizell, qui ont dirigé ces deux albums. Mieux connus pour leur travail antérieur à la Motown avec les Jackson 5 ("I Want You Back") et un hit disco ultérieur, "Boogie Oogie Oogie" de A Taste of Honey, les Mizell se sont spécialisés dans le funk instrumental allégé avec des cordes, des synthétiseurs, des cuivres et des touches judicieuses de rythme disco. Le joyau de la série d'albums soul-jazz des années 70 publiés par le trompettiste Byrd, qui a changé sa carrière à jamais, l'intemporel Places and Spaces, est moins jazz/plus funk, les déclarations piquantes de Byrd à la trompette ponctuant parfaitement l'arrière-plan fluide. Félicitations aux "curateurs" de la série de rééditions Classic Vinyl, Don Was et Cem Kurosman, pour ce quartet savoureux et de grande qualité issu du puissant catalogue Blue Note.