Maintenant que le disque vinyle est redevenu la forme de support physique la plus vendue, les acteurs de l'industrie, grands et petits, se lancent dans le business du disque vinyle. Les délais d'attente de neuf mois ou plus sont désormais courants dans les usines de pressage de disques. Les nouveaux artistes, qui gèrent intelligemment leur carrière, produisent régulièrement de nombreux disques en édition limitée dans différentes couleurs. Et toute cette effervescence a attiré plus d'un opérateur véreux qui produit des pressages de mauvaise qualité et des disques dont le son n'est pas idéal.

Presser des microsillons de qualité est un processus complexe. La source doit être la bande maîtresse ou une source aussi proche que possible de celle-ci, même si, étant donné l'âge de nombreuses bandes maîtresses, cela peut poser problème. La gravure, le placage et le pressage requièrent tous une expertise et une attention particulière afin de garantir la qualité. Bien que ce ne soit pas l'idéal, les microsillons peuvent également être gravés à partir de sources numériques haute résolution.

Tout cela m'a traversé l'esprit lorsque j'ai ouvert le dernier quatuor de rééditions de la série Blue Note Records Classic Vinyl Reissue (25,98 $US chacun). Blue Note propose également un programme de rééditions vinyles plus onéreux, le Tone Poet (35,98 $US), dirigé par le célèbre ingénieur du son Joe Harley. La différence de prix s'explique par plusieurs facteurs : les supposées oreilles expertes de Harley, les pochettes plus élaborées en format gatefold Tip-On de Stoughton, et le fait que les vinyles Tone Poet sont pressés chez RTI à Camarillo, en Californie. Les deux séries sont matricées par Kevin Gray chez Cohearant Audio, l’un des meilleurs ingénieurs dans ce domaine aujourd’hui. En examinant ces rééditions de plus près, je n'ai pas seulement été impressionné par la qualité musicale des titres – Horace Silver, Art Blakey, Bobbi Humphrey et Donald Byrd – mais également intrigué de voir le terme « Audiophile Vinyl Reissues » apparaître en gros caractères sur l’autocollant publicitaire apposé à l’extérieur de l’emballage rétractable. Cela m’a rappelé ma première conversation avec Robert Schryer, rédacteur en chef du magazine PMA, lorsque nous avons discuté des multiples couches de signification attachées au mot « audiophile ». Pour certains, ce terme représente clairement un insigne d’honneur. Pour d’autres, il est devenu une expression archaïque, une relique de l’après-guerre, à l’époque où une classe de jeunes hommes – pour la plupart blancs, amateurs de jazz ou de musique classique – investissait dans du matériel innovant profitant de la révolution audio de l’époque : la stéréo. Cette génération vieillissante, avec ses interminables débats sur la qualité sonore, les mesures des enceintes ou d’autres subtilités ésotériques, en est venue à incarner une époque révolue : celle des amateurs de musique pré-rock, davantage obsédés par le matériel audio que réellement passionnés par la musique.

Par conséquent, les spécialistes du marketing musical ont tour à tour adoré et détesté le terme « audiophile » au fil des ans. Maintenant que le vinyle est de nouveau à la mode, les labels indépendants et les clubs de disques, comme Vinyl Me Please, ont prudemment commencé à réutiliser ce terme, avançant sur la pointe des pieds, de peur que ses prétentions implicites ne rebutent une clientèle plus jeune. Cependant, les grandes maisons de disques, qui s’appuient sur le streaming – lequel a lui-même fait des progrès en matière de qualité sonore – et qui exploitent et réexaminent leurs vastes catalogues pour rester compétitives, ont clairement décidé que « audiophile » est à nouveau un mot à mettre en avant. Bien que je comprenne que ce terme puisse sembler trop démodé ou pédant pour certains, je n’ai jamais pensé qu’il s’agissait d’un mot dont il fallait se vanter ou se défaire. À mes yeux, il a toujours désigné un amateur de musique soucieux d’obtenir un meilleur son – voire le meilleur – de ses enregistrements, que ce soit grâce à la manière dont la musique a été enregistrée à l’origine ou au choix de son équipement de lecture. Pour inverser la perspective, peut-être qu’une meilleure définition serait : quelqu’un pour qui un son mal enregistré, mal masterisé, mal pressé – en somme, un son limité, déséquilibré ou non naturel – peut gâcher l’expérience d’un enregistrement.

Ce qui me ramène à la dernière série de rééditions jazz du catalogue Blue Note. D'après ce que je sais de l'histoire (et lorsqu'il s'agit de sources, il y a souvent une histoire), la bandothèque de Blue Note n'a pas été détruite lors de l'incendie des studios Universal en 2008. Elle pourrait donc avoir été utilisée pour ces rééditions, bien qu'il soit plus probable qu'elles soient issues d'une copie du master ou du fichier maître de production. Pressés chez Optimal en Allemagne, ces microsillons de 180 grammes sont remarquablement silencieux et offrent une pleine gamme sonore. Mais surtout, ce lot de rééditions constitue une magnifique section transversale des trésors du catalogue Blue Note.

Il serait difficile de trouver deux albums plus représentatifs des années de gloire du bop chez Blue Note que 6 Pieces of Silver d’Horace Silver, enregistré en 1956, à l’apogée de l’ère où le bop régnait en maître, et The Big Beat d’Art Blakey, avec Lee Morgan et Wayne Shorter, enregistré en 1960. Les deux albums ont été captés à Englewood, dans le New Jersey, par l’incomparable ingénieur Rudy Van Gelder. Avec un titre qui fait subtilement référence au Judas biblique, l’album de Silver est souvent considéré comme le premier disque réellement marquant du pianiste originaire du Connecticut. Il comporte six compositions originales de Silver, dont l’emblématique « Señor Blues ». Quant à l’autre chef-d’œuvre du bop, The Big Beat d’Art Blakey, enregistré en 1960 alors que le batteur approchait de la quarantaine, il se distingue non seulement par les rythmes inventifs et débordants d’énergie de Blakey – rares sont ceux qui ont su diriger une session en petit groupe avec autant de panache que lui – mais aussi par les trois compositions du jeune saxophoniste ténor de la séance, Wayne Shorter, alors âgé de seulement 26 ans.

Fancy Dancer de Bobbi Humphrey et Places and Spaces de Donald Byrd, deux chefs-d'œuvre du soul jazz, sont souvent moqués par les puristes du jazz, outrés par l’intrusion du funk dans cette musique. Bien que plus souvent associé à Fantasy Records qu'à Blue Note, le soul jazz – qui a connu une brève apogée au début des années 70 et dont l’influence n’a cessé de grandir depuis – comptait parmi ses meilleurs artisans les frères producteurs Larry et Fonce Mizell, qui ont supervisé ces deux albums. Mieux connus pour leur travail chez Motown avec les Jackson 5 (« I Want You Back ») et pour un hit disco ultérieur, « Boogie Oogie Oogie » de A Taste of Honey, les Mizell excellaient dans un funk instrumental allégé, enrichi de cordes, de synthétiseurs, de sections de cuivres et de subtiles touches de rythme disco. Le joyau de la série d'albums soul jazz des années 70 du trompettiste Donald Byrd – une série qui a transformé sa carrière à jamais – est l’intemporel Places and Spaces. Plus funk que jazz, cet album se distingue par les interventions piquantes et parfaitement dosées de Byrd à la trompette, venant ponctuer un arrière-plan fluide et rythmé. Félicitations aux « curateurs » de la série de rééditions Classic Vinyl, Don Was et Cem Kurosman, pour ce quartet savoureux et de grande qualité issu du riche catalogue de Blue Note.